Oldenburgisches Staatstheater | Stückeinführungen Archiv

Dichtung von Francesco Maria Piave nach dem Schauspiel

»Don Álvaro ò la fuerza del sino« von Ángel Pérez de Saavedra 

In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln

Manchmal stellt ein einziger unüberlegter Moment unser ganzes Leben völlig auf den Kopf und es gibt auch kein Zurück mehr. Ein unbedachter Augenblick, ein Schuss und schon beginnt die Macht des Schicksals, sich unaufhaltsam ihren Weg zu bahnen. Giuseppe Verdis »La forza del destino« erzählt von genau diesem Moment, in dem für eine junge Frau alles kippt.

Im Zentrum des Geschehens steht sie, die junge Leonora di Vargas. Sie liebt Alvaro, der ihrem Vater aber ein Dorn im Auge ist. Daher beschließen die beiden Liebenden zu fliehen. Bei dem Fluchtversuch tötet ein versehentlich gelöster Schuss Leonoras Vater und setzt damit eine unaufhaltsame Kette aus Schuld, Rache und Gewalt in Gang. Getrennt durch das verhängnisvolle Ereignis, irren Leonora und Alvaro durch eine von Krieg und Chaos geprägte Welt, während Leonoras Bruder Don Carlo unerbittlich Vergeltung sucht. Am Ende münden Hass und Missverständnisse in eine tödliche Katastrophe, in der sich die Macht des Schicksals grausam erfüllt.

»La forza del destino« ist ein echter Verdi-Opernkrimi, mit allem, was auch ein guter Hollywood-Thriller braucht: Liebe, Tod und Verrat. Dabei verleiht Verdis Musik den Figuren eine emotionale Wucht, die unter die Haut geht: ein überwältigendes Musiktheatererlebnis über Schuld und Verantwortung, Zufall und Notwendigkeit und die Unausweichlichkeit des Schicksals.

Lullaby. Der frühere Erste Solist des Stuttgarter Balletts und international sehr erfolgreiche britische Gastchoreograf Douglas Lee kreiert »Lullaby«: Erinnerungen an Melodien aus der Kindheit, die gleichzeitig beruhigen und beunruhigen können. Bewegung fügt sich zu temporären Gebilden. Zart und traumhaft tauchen sie auf aus der Dunkelheit, fallen zusammen und hinterlassen Rückstände; Fragmente eines Traums oder Albtraums. Licht beleuchtet nicht nur, es enthüllt und erlischt auch wieder.

Karuna. Eine stille Qualität, eine Form des Mitgefühls, die weder tröstet noch urteilt, sondern einfach nur da ist, liegt in »Karuna«, einem Wort aus dem Sanskrit. Der italienische Gastchoreograf Giovanni Napoli nimmt es zum Ausgangspunkt seines Stücks für die BallettCompagnie Oldenburg. Karuna bezeichnet für ihn auch den Grat zwischen Nähe und Distanz, zwischen dem, was verletzt und dem, was heilt, wo Zeit sich öffnet und etwas erblühen kann.

Carmen. Kurz vor seiner Hinrichtung blickt ein Offizier im Gefängnis auf seine Begegnung und sein Lieben und Leben mit der wunderschönen Carmen zurück. Er erinnert sich an Momente voller Leidenschaft und Begehren, aber auch an rasende Eifersucht und verzweifelten Hass. Antoine Jully erzählt seine choreografische Version des berühmten Mythos, inspiriert von Prosper Mérimées Novelle aus dem Jahr 1845.

Die Geschwister Toni, Lou und Mo haben den Bauernhof der Eltern geerbt. Während Mo dort lebt und sich liebevoll darum kümmert, den Hof als kleinen Landwirtschaftsbetrieb zu erhalten, haben Lou und Toni andere Vorstellungen. Wäre nicht Urlaub auf dem Bauernhof lukrativer, oder die Nutzung der Fläche als Renaturierungsgebiet für Moore sinnstiftender? Hin und hergerissen zwischen nostalgischen Kindheitserinnerungen, der Konfrontation mit einer von Kommerz gesteuerten Realität und der eigenen Verantwortung für das Klima, handeln die Geschwister ihre Standpunkte aus. Doch auch der Hof selbst meldet sich zu Wort: Die Tiere sinnieren über die Geschichte der Domestizierung und eine Bäuerin und ihre Magd aus einer fernen Generation lassen Gegenwart und Vergangenheit poetisch miteinander verschmelzen.

Nachdem bereits Miriam V. Leschs Theatertext »Wald« in Oldenburg erfolgreich uraufgeführt wurde, entsteht »Ein Stück Land« nun als Auftragsarbeit für das Staatstheater. Die Dramatikerin setzt ihren Zyklus rund um das Verhältnis zwischen Mensch und Natur fort und verbindet mit sprachlicher Leichtigkeit mehrere Ebenen mit tiefgreifenden und wiedererkennbaren Konflikten unserer Zeit.

Von Caren Jeß

Sara, eine feministische Stand-Up-Künstlerin, lädt zu ihrem regelmäßigen Programm in die Kneipe Heartship – ein Ort für Wut, Witz und Empowerment. Die Augenärztin Ann, die durch Zufall in eine der Shows gerät, hat wenig Erfahrung damit, sich öffentlich zu empören. Zu groß ist die Scham zu erzählen, dass sie sowohl in ihrer Vergangenheit als auch in ihrer Gegenwart mit sexuellen Übergriffen und Grenzüberschreitungen von Männern kämpft. Als sich die beiden Frauen später begegnen, entwickelt sich eine innige Bindung. Gemeinsam stellen sie sich mit großer Leichtigkeit ihrem Alltag zwischen Selbstoptimierung und Traumata und tun dabei das einzig Richtige: einfach mal Druck ablassen!

Komödie von Moritz Rinke

Sophia ist hochintelligent, gutaussehend und eine blendende Köchin. Nur mit Türen hat sie Probleme. Es gelingt ihr einfach nicht, sie zu öffnen, denn das neueste Modell eines künstlichen Menschen ist noch nicht ganz perfekt. Wolfgang, Professor für Geschichte und gerade von seiner Ehefrau verlassen, hat Sophia zu seiner neuen Lebensgefährtin erkoren. Seine Tochter Helena ist entsetzt, sieht Sophia doch aus wie ihre Mutter in jung. Gemeinsam mit ihrem Freund Jonas ist die erfolgreiche Influencerin gekommen, um mit dem Vater dessen sechzigsten Geburtstag zu feiern, den der allerdings vergessen zu haben scheint. Zudem ist er gerade von seinem Lehrstuhl entbunden worden, seine Wohnung ist leergeräumt und Sophia bereitet an seiner Seite Essen wie wissenschaftliche Vorträge vor. Im Gegensatz zu Helena ist Jonas, nicht ganz erfolgreicher Informatiker mit Ambition zur Gastronomie, von Sophia fasziniert. Als er sich mit ihrem Menü beschäftigt, entwickelt sie ein überraschendes Eigenleben.

Moritz Rinke hat mit seinem neuen Stück eine philosophische Komödie geschrieben, die sich der Frage widmet, was Menschsein ausmacht und wie man es definiert. Kann ein künstliches Wesen humaner sein als Menschen aus Fleisch und Blut?

Von Maria Lazar

Die junge Nina Petersen ist mit Vater und Bruder auf See. Die Familie besitzt ein kleines Schiff, welches den Handel an nicht zu fernen Küsten besorgt. Was an Land passiert, davon erfahren sie im Radio. Die Zeiten sind hart, wirtschaftlich und politisch. Zwischen Ninas Bruder Carl und Jörgen, ihrem Verlobten, entbrennt eine Auseinandersetzung um die politische Lage in dem Land, mit dem sie Handel treiben. Der Streit wird zu einer moralischen Angelegenheit und schließlich zur Frage des Überlebens, als nach und nach allen Besatzungsmitgliedern klar wird, dass sich ein blinder Passagier an Bord befindet, der aus seinem Herkunftsland fliehen musste.

Maria Lazar schrieb dieses sprachlich und politisch präzise Stück 1938 im dänischen Exil, unter dem Eindruck ihrer eigenen Flucht vor dem Nationalsozialismus aus Wien. Kein Theater in Kopenhagen wagte es, den Text aufzuführen.

Ebru Tartıcı Borchers verbindet mit dieser Arbeit ihr Interesse an der Geschichte und Gegenwart von Flucht und Migration mit ihrer Faszination für Maria Lazars Sprache und Figurenzeichnung

von Manfred Gurlitt

Musikalische Tragödie in 18 Szenen und 1 Epilog

Nach dem Dramenfragment »Woyzeck« von Georg Büchner

Ergänzt um Perspektiven aus »Wozzeck« von Alban Berg

Zum 100. Jubiläum der Uraufführung bringen wir Manfred Gurlitts »Wozzeck« zurück auf die Bühne – ein Werk, das nur sehr selten zur Aufführung kommt. Zeitgleich mit Alban Bergs bekannter Version entstanden, erzählt Gurlitts Oper dieselbe Geschichte nach Georg Büchners eindrücklicher Vorlage, aber in seiner ganz eigenen musikalischen Sprache.

Im Mittelpunkt steht der Soldat Wozzeck, der von allen Seiten unter Druck gerät: von seinem Hauptmann gedemütigt, von einem Arzt als Versuchsperson missbraucht – und das alles nur, um seine kleine Familie irgendwie durchzubringen. Marie, die mit ihm und einem unehelichen Kind in bitterer Armut lebt, sieht keinen Ausweg mehr aus ihrem tristen Alltag. Ihre Entscheidung, sich auf die Avancen des Tambourmajors einzulassen, bringt alles ins Wanken – mit tragischem Ausgang.

Was als leises Kammerspiel beginnt, entwickelt sich unaufhaltsam zu einer Tragödie mit erschütterndem Ausgang – vom Komponisten in kurzen Szenen atemlos auf den tragischen Höhepunkt zusteuernd. Anders als Berg erhält Gurlitt den Fragmentcharakter der Büchner-Vorlage, „nimmt sie trocken und brüchig wie sie sind, und setzt sie unmittelbar in Töne um“ (Universal Edition AG). Gurlitts Musik zeichnet diese Welt schonungslos: roh, unmittelbar und psychologisch fein. Die Inszenierung von Generalintendant Georg Heckel folgt dieser Klarheit. An ausgewählten Momenten öffnen musikalische Ergänzungen aus Bergs »Wozzeck« neue Perspektiven auf das Innenleben der Figuren. 

Stadt:Ensemble#3

Ein theatrales Rechercheprojekt zu den vier Wänden der Oldenburger:innen

Kooperation zwischen Theatervermittlung und Niederdeutschem Schauspiel

In hoch- und niederdeutscher Sprache

Ein Dach über dem Kopf gehört zu den existenziellen Grundbedürfnissen der Menschen: Wir brauchen einen geschützten, warmen Raum, den wir im besten Fall ein »Zuhause« nennen können. Für unser Wohlbefinden ist ein Ort vonnöten, an dem wir ganz wir selbst sein und uns erholen können. Sorgenfreies Wohnen ist in Deutschland allerdings längst keine Selbstverständlichkeit mehr, auch nicht in Oldenburg. Steigende Mieten, Wohnungsknappheit, einschränkende Bedingungen in Mietwohnungen, explodierende Immobilien- und Grundstückspreise sowie die Verdrängung einkommensschwacher Schichten prägen den Wohnungsmarkt. Was bedeutet das für das gesellschaftliche Zusammenleben in der Stadt? Und wie werden wir als Stadtgesellschaft dem Thema vor allem sozial gerecht?

In der Probenarbeit von über einem halben Jahr hat sich das diesjährige Stadt:Ensemble mit dem Thema »Wohnen« befasst. Dabei ist auf der Grundlage von Interviews, Improvisationen, philosophischen, Sach- und eigens geschriebenen Texten ein Stück entwickelt worden, das die Immobilienbranche und ihren Einfluss auf unser alltägliches Wohnen in den Fokus rückt.

Hinweis: Um das Stück zu verstehen, benötigt man keine niederdeutschen Sprachkenntnisse.

Junk-Oper nach Motiven aus »Der Struwwelpeter« von Heinrich Hoffmann

Ein Musical von The Tiger Lillies, Julian Crouch und Phelim McDermott

Musik von Martyn Jacques

Paulinchen, Struwwelpeter, Zappelphilipp und Suppenkaspar haben alle eines gemeinsam – sie sind unangepasst. Der Nervenarzt einer Kinderklinik Heinrich Hoffmann schrieb die schaurigen Geschichten 1844, seitdem wurden sie unzählige Male aufgegriffen, parodiert und neu interpretiert. So auch von der britischen Rockband »The Tiger Lillies«, deren erfolgreiche Junk-Oper »Shockheaded Peter« mit schrägem Humor und mitreißenden Songs seitdem weltweit gespielt wird. Lustvoll anarchisch sind es in dieser Inszenierung die grotesken Figuren selbst, die mit überbordender Fantasie fragen: »Was wird aus dem Kind, dem es an Zuneigung gebricht?« 

Das Ensemble lädt ein, zu einem Fest für das Bunte, Laute und Wilde, inszeniert von unserer leitenden Regisseurin Milena Paulovics und begleitet von einer vierköpfigen Live-Band unter der musikalischen Leitung von Jochen Kilian.

Komische Oper von Gioachino Rossini

Text von Cesare Sterbini nach Pierre Augustin Caron de Beaumarchais

In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln

Chaos in Sevilla! Der smarte Graf Almaviva hat ein Auge auf die schöne Rosina geworfen. Dumm nur, dass ihr geldgieriger Vormund Dr. Bartolo sie selbst ehelichen will. Also schlüpft Almaviva in allerlei Verkleidungen – mal als betrunkener Soldat, mal als schrulliger Musiklehrer – um Rosina heimlich den Hof zu machen. Unterstützt wird er vom gewitzten Figaro, der mit Tricks, Intrigen und gestohlenen Schlüsseln das Spiel aufmischt. Bartolo riecht den Braten, doch zu spät: Vor der Nase des Notars heiraten Almaviva und Rosina, und Bartolo schaut in die Röhre – wird aber mit Gold getröstet. Rossini pur: Musik, Turbulenz und ein Happy End inklusive!

Rossini komponierte »Il barbiere di Siviglia« mit 23 Jahren in nur drei Wochen – ein spritziges Meisterwerk der Opera buffa, basierend auf Beaumarchais’ Komödie von 1772.

An den Ufern des Sees / Le Sacre du Printemps

Zwei Choreografien von Antoine Jully

Pünktlich zum Frühlingsbeginn präsentiert die BallettCompagnie Oldenburg den zweiteiligen Ballettabend »Blühend«. 

Ohne Wasser würde nichts wachsen, keine Knospe erblühen. In seiner Choreografie »An den Ufern des Sees« hat sich Antoine Jully mit Beobachtungen und Gedanken an, im und unter Wasser beschäftigt. Das Wesen des Wassers ist die Veränderung und Bewegung: Schon ein zarter Windhauch kräuselt die zuvor spiegelglatte Oberfläche eines Sees, Wasserpflanzen geraten in Schwingung, wenn ein Fischschwarm durch ihre Blätter und Stängel hindurch schwimmt und Vögel und Schwimmer tauchen ins Wasser hinein. Jully erfindet zu Eduard Tubins »Konzert für Kontrabass und Orchester« (1948) choreografische Bilder zum Element Wasser.

Die Wucht, mit der Igor Strawinskys neuartige Rhythmen und Melodien bei der Uraufführung von »Le Sacre du Printemps« am 29. Mai 1913 in Paris auf das Publikum trafen, löste einen der größten Skandale in der Theatergeschichte des 20. Jahrhunderts aus. Mehr als 110 Jahre später fasziniert Strawinskys klanggewaltiges Werk immer noch und zahlreiche Choreograf:innen haben ihre Version des »Frühlingsopfers« in unterschiedlichsten Lesarten kreiert. Antoine Jullys Interpretation aus dem Jahr 2019 erzählt, ausgehend von den Rollenfiguren des Originals, eine Geschichte über heutige Themen, die uns ganz akut betreffen, wie den Umgang mit Natur sowie Rivalität und Machtgebaren zwischen Menschen.

Singspiel in drei Akten

Fassung »Bar jeder Vernunft«

(Frei nach dem Lustspiel von Oskar Blumenthal und Gustav Kadelburg) 

Buch von Hans Müller und Erik Charell

Gesangstexte von Robert Gilbert

Musik von Ralph Benatzky

Sechs musikalische Einlagen von Robert Gilbert, Bruno Granichstaedten und Robert Stolz

Am Wolfgangsee geht es drunter und drüber: Kellner Leopold ist unsterblich in seine Chefin verliebt, die resolute Rößl-Wirtin Josepha Vogelhuber. Doch die hat nur Augen für den Berliner Rechtsanwalt Dr. Siedler. Der wiederum interessiert sich eher für Ottilie, die Tochter des skurrilen Trikotagenfabrikanten Giesecke, der Siedler wegen eines Patentstreits eigentlich auf den Mond schießen möchte. Während Josepha mit Siedler flirtet, leidet Leopold still vor sich hin – bis er sich ein Herz fasst und kurzerhand gefeuert wird. Aber am Wolfgangsee sind Herz und Happy End nie weit entfernt: Ottilie und Siedler kommen zusammen, Giesecke vergisst seinen Zorn, und sogar Josepha erkennt endlich, dass Leopold der Richtige für sie ist.

In der Version der »Bar jeder Vernunft« wird die klassische Operette herrlich frech entstaubt: Schräger Humor und ein Schuss Anarchie machen die Alpen-Romanze zu einem turbulenten Spektakel – Ohrwürmer garantiert!

Nach dem Roman von Klaus Mann

Hendrik Höfgen ist Schauspieler und träumt vom großen Erfolg – und von Berlin. Auf den großen Bühnen der Hauptstadt der 1930er Jahre will er in den bedeutenden Rollen der dramatischen Literatur glänzen. Während er zielstrebig seine Karriere vorantreibt, spitzen sich die politischen Verhältnisse immer mehr zu. Schließlich übernehmen die Nationalsozialisten die Macht und der eigentlich unpolitische Hendrik Höfgen wird zu einem ihrer kulturellen Repräsentanten. Frühere Wegbegleiter:innen geraten als Andersdenkende zusehends aus seinem Blickfeld. Die Figur des Mephistopheles in Johann Wolfgang von Goethes »Faust« soll zu seiner Paraderolle werden. Gerade dieser Verführer zum Bösen gewinnt angesichts der nationalsozialistischen Machtergreifung eine besondere und zwiespältige Bedeutung.

Klaus Mann veröffentlichte seinen Roman 1936 im Exil und gehörte damit zu den ersten Autor:innen, die sich mit den Zuständen innerhalb des »Dritten Reiches« auseinandersetzten. Er zeichnet das Bild eines Menschen, der für seinen persönlichen künstlerischen Erfolg bereit ist, sich kritiklos in den Dienst einer autoritären Macht zu stellen. Im Schauspieler Hendrik Höfgen sah er den Exponenten eines »zutiefst unwahren, unwirklichen Regimes«.

Nach dem Roman von Mary Shelley

In einer Fassung von Maja Delinić und Elisabeth Kerschbaumer

Viktor Frankenstein, ein junger und ehrgeiziger Wissenschaftler aus Genf, hat den Wunsch, hinter das Geheimnis des Lebens zu kommen und den Tod zu überwinden. Jahrelang arbeitet er daran, totem Organismus Leben einzuhauchen, bis er schließlich aus Leichenteilen eine menschenähnliche Kreatur bildet. Mithilfe von Elektrizität gelingt es ihm, sie tatsächlich zum Leben zu erwecken. Doch anstatt sein Werk zu feiern, erkennt er in diesem Moment, dass seine Tat weit schwerwiegendere Folgen haben wird, als er imstande sein wird zu kontrollieren. Das Geschöpf verschwindet und Viktor lebt mit seinem Geheimnis in großer Angst. Als er eines Nachts von einem Mord in seiner Heimatstadt erfährt, vermutet er zu wissen, wer der Mörder ist. Getrieben von Rachsucht sucht er das Wesen hoch oben in den Schweizer Bergen auf. Doch das Gespräch zwischen den beiden gestaltet sich anders als erwartet – denn das Geschöpf erzählt seine eigene Geschichte und eröffnet ungeahnte Perspektiven auf Fragen nach Verantwortung, Empathie und Menschlichkeit.

Die nur 20-jährige Mary Shelley hat mit ihrem Debütroman 1818 große Wellen geschlagen und prägte mit ihrem Werk Generationen von modernen Science-Fiction-Geschichten.