Close Up. Ein Podcast übers Filmemachen Archiv

Aufwachsen bei freigeistiger Mutter, ohne Vater, wurde Margarethe von Trotta frühzeitig geprägt von der Haltung, als Frau alles sein zu können, wenn man es sich erkämpft. Sie erzählt von anfänglichen Schwierigkeiten als Frau in ihrem Metier akzeptiert und anerkannt zu werden, zu einer Zeit als in der BRD Frauen beruflich wenig zugestanden wurde. Diese Folge liefert einen Einblick in die warmherzige, scharfsinnige und engagierte Arbeitsweise von Margarethe von Trotta und veranschaulicht nebenbei, welchen Weg wir in der Emanzipation bereits zurückgelegt haben und wie wichtig dafür das Engagement einzelner unerschrockener Frauen wie z.B. Margarethe von Trottas war.

Sie erläutert, warum man viel freier in der Arbeit ist, wenn man einen Plan hat, den man dann bei Bedarf auch umschmeißen kann, wie wichtig es ist, einen angstfreien Raum zu schaffen, in dem alle gerne zum Set kommen und warum Trotta unterwürfige Figuren nur als Nebenrollen erträgt. Ein Gespräch über die Macht von Erziehung, die Filmgeschichte Deutschlands und das Portraits einer echten Filmikone.

Diese Folge von Close-up wird Euch von MUBI präsentiert, einem globalen, kuratierten Streaming-Dienst, Filmverleih und Produktionsfirma, die großartige und visionäre Filme aus der ganzen Welt zu Euch bringt.

Ab sofort könnt Ihr mit MUBI aber auch ins Kino gehen: Mit MUBI GO erhalten Mitglieder jede Woche ein kostenloses Kino-Ticket, um einen handverlesenen, neuen Film im Kino zu erleben. Als Close-up-Hörer:innen könnt Ihr MUBI, und damit für begrenzte Zeit auch MUBI GO, jetzt 30 Tage lang kostenlos ausprobieren: Unter MUBI.com/close-up. Für einen ganzen Monat großartiges Kino kostenlos.

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Christian Schwochow Agentur

Foto:

Schnitt: Rainer Schwochow

Aufnahme: Pharos Studio München

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga Goossens

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:01:04 Aufwachsen in Ruinen

00:10:23 Die Prägung einer freidenkenden Mutter und eines abwesenden Vaters

00:19:13 Paris

00:24:21 Freundeskreis von filmbegeisterten Philosophiestudierenden und Pariser Kinoerlebnisse der Nouvelle Vague

00:33:19 Einstieg in die deutsche Filmszene und Kontakt zu Volker Schlöndorff, erste Arbeit als Schauspielerin bei dem Film „Baal"

00:41:04 Buchentwicklung mit Volker Schlöndorff an gemeinsamen Projekten und Co- Regie bei „Die verlorene Ehre der Katharina Blum“

00:52:15 Erste eigene Regiearbeit

01:02:27 Arbeitsweise: zwischen Intuition und Plan

01:10:40 Kamera mit Michael Ballhaus und Franz Rath

01:18:15 Umgang mit Kritik, Gegenwind von der Presse

01:29:15 Zusammenarbeit mit Barbara Sukowa

01:37:02 Balance zwischen Geschichtstreue und Fiktion bei der Entwicklung von historischen Figuren

01:43:15 Was würden Sie jungen Filmemacher:innen mit auf den Weg geben?

Thomas Heise nimmt uns mit in seine Kindheit im Intellektuellen-Millieu in Ost-Berlin, zu Gesprächen auf Augenhöhe mit Heiner Müller. Wir erfahren viel über das Leben und den Kulturbetrieb in der DDR, wie Heise als Kind des Bildungsbürgertums das Abitur und Studium zunächst verwehrt wird, Heiner Carow sich aber für ihn einsetzt und er am Ende doch zur DEFA kommt. Heise erzählt lebendig, bildhaft und ohne Bitterkeit von der Ambivalenz der damaligen Zeit, wie Klassenkamerad:innen und Studienkolleg:innen Stasi-Berichte über ihn geschrieben haben und beschreibt die Wichtigkeit und gleichzeitig den Gegenwind, wenn man in der Kunst Geschichten jenseits von Moral umsetzen will. Heises jüdischer Vater war im Arbeitslager, Heise hingegen dreht 1991 den ersten Teil seine Trilogie: „Stau. Jetzt geht‘s los.“ über Neonazis in Ostdeutschland und möchte die Menschen hinter der Bewegung kennen lernen. Eine Folge über das unvoreingenommene Beobachten als Dokumentarfilmer, anschaulich gemacht z.B. an einem seine bedeutendsten Filme „Heimat ist ein Raum aus Zeit“, nominiert für den Deutschen Filmpreis im Jahr 2019.

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Vimeo Thomas Heise

Einige Filme von Thomas Heise sind online hier zugänglich:

Imbiss Spezial

Eisenzeit

Stau- Jetzt geht's los

Neustadt. Stau- Der Stand der Dinge

Kinder. Wie die Zeit vergeht.

Material

Heimat ist ein Raum aus Zeit

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Christian Schwochow Agentur

Schnitt: Rainer Schwochow

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga Goossens

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:01:40 Kindheit zwischen Polit-Elite und Proletariat in Köpenick

00:15:45 Jugend in den '68er Jahren, zur Zeit des Prager Frühlings

00:19:52 Armeezeit und Ausbildung zum Drucker - die klassische Laufbahn der Intellektuellen - Kinder

00:32:40 Erste Filmversuche und Anfänge bei der DEFA

00:43:11 Arbeit mit Heiner Carow und der Impuls für Dokumentarfilm statt Spielfilm

00:52:25 Die Zeit an der Filmhochschule und wie und warum Heiner Carow Thomas Heises Aufnahme durchsetzt

01:05:00 Viele Filme wurden in der DDR nicht gezeigt

01:19:50 Exmatrikulation aus politischen Gründen und Arbeit als Regieassistent bei Thomas Harland

01:26:30 Stasi-Akte (operativer Vorgang im Rahmen der Biermannausweisung)

01:34:08 Wendezeit

01:44:00 „Stau - Jetzt geht’s los“ (Film über Neonazis) und „Heimat ist ein Raum aus Zeit“

02:07:25 Finanzierung vom zweiten Teil der Trilogie „Neustadt. Stau - Der Stand der Dinge“

02:14:20 Entstehung von „Heimat ist ein Raum aus Zeit“ und „Vaterland“

02:29:12 Wichtigkeit und gleichzeitig Schwierigkeit in der Kunst Geschichten jenseits von Moral umgesetzt zu bekommen (Beispiel abgesagte Premiere von „STAU“ am BE)

02:32:55 Schnittprozess von „Heimat ist ein Raum aus Zeit“ - wie hat er den Film gebaut?

Ein leidenschaftliches, filmpolitisches und sehr berührendes Gespräch erwartet unsere Hörer:innen in diesem Austausch der preisgekrönten Filmemacherin Maryam Zaree mit Susanne Bormann.

Im Kern eine Aussage zu haben, die Zuschauer:innen darin ermutigt, trotz allen Widrigkeiten zu diesem Leben „Ja“ sagen zu können, das ist etwas, was die Regisseurin, Autorin und Schauspielerin mit ihren Filmen anstrebt und wonach sie auch selbst in Filmen sucht.

Als Kind politisch verfolgter Eltern steht Maryam Zaree heute umso mehr für die Werte ein, für die ihre Eltern damals verurteilt wurden. Wir sprechen über ihren mit der Lola prämierten Debütfilm „Born in Evin“, der eine Auseinandersetzung mit der eigenen Familiengeschichte darstellt, die weit über das Private hinaus universell beschreibt, wieviel Kraft es kostet anzuerkennen, dass man versehrt wurde. Außerdem sprechen die Beiden über die Vorteile und Herausforderungen mit dem Vorwissen einer Schauspielerin den Regieberuf zu ergreifen und besprechen, was sich filmpolitisch verändern muss, um zukünftig diverse und relevante Filme zu machen, in denen sich alle in Deutschland lebenden Menschen wiederfinden.

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Jeden Tag stellt MUBI einen neuen Film vor, der handverlesen und mit großer Sorgfalt von Kurator:innen ausgewählt wird. Von neuen Regietalenten und Festival-Perlen bis hin zu den preisgekrönten Meisterwerken der Kinogeschichte: Auf MUBI gibt es immer etwas Neues zu entdecken.

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Auf www.lastrada-doells.com/maryam-zaree.html

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Susanne Bormann Agentur

Foto: Dorothea Tuch

Schnitt: Nicolai Ziel

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Inga Goossens, Jule Bartram

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

0:01:42 Biografisches

0:11:11 Filmpolitische Arbeit bei der Hamburger Filmförderung

0:17:16 Gretchenfrage

0:24:45 Der Weg übers Schauspiel zur Regie und zur Autorin

0:35:02 Wo stehen wir in punkto Diversität und was kann jede:r von uns tun, um die notwendige strukturelle Veränderung voranzubringen

0:59:47 Schauspiellehre bei Larry Moss

1:10:41 Erarbeitung von Rollen

1:16:23 Perspektivwechsel auf das Spielen durch die Arbeit als Regisseurin

1:36:48 Die Entscheidung Inhalte gestalten zu wollen – Regiedebüt „Born in Evin“

1:43:38 Sichtbar werden als Akt des Widerstandes – Auseinandersetzung mit der eigenen Familiengeschichte und erzählt es etwas über das Private hinaus

1:56:01 Entscheidung für die Metaebene des Filmes – Bilder zu finden für das, was man nicht in Worte fassen kann

2:05:55 Was hättest Du als Berufsanfängerin gerne gewusst?

2:08:22 Was bringt die Zukunft?

2:10:39 Was wünscht Du dem deutschen Kino?

2:13:11 Was ist Dein Motor soviel zu machen?

Der Szenenbildner Lothar Holler („Good Bye Lenin!“, „Sonnenallee“, „Leander Hausmanns Stasikomödie") spricht mit Susanne Bormann darüber, wie sich seine Spezialisierung auf DDR Filme entwickelt hat und warum er es als (s)eine Aufgabe sieht, diese Zeit nachfühlbar für die nächsten Generationen zu machen. Wir erfahren, wie VFX die Arbeit der Szenenbildner:innen verändert hat und wie es gelingt die immer größer werdende Teams zu koordinieren. Lothar Holler berichtet als ehemaliger Dozent der Filmuniversität Babelsberg Konrad Wolf wie wichtig es ist, unvoreingenommen gegenüber seinen Studierenden zu sein damit sie sich entwickeln und entfalten können, welchen Einfluss sein Stammtisch im Prater als Kontaktbörse hatte und wie vermeintliche „Problemchen“, die schnell mal die Arbeit behindern können, dort gemeinschaftlich geklärt werden konnten. Dem Studiengang sind unter seiner Leitung zahlreiche heutige Filmpreisträger:innen entwachsen.

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Susanne Bormann Agentur

Foto: Andre Böhm

Schnitt: Nicolai Ziel

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Inga Goossens, Jule Bartram

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

0:01:35 Biografisches

0:04:35 Gretchenfrage

0:07:56 Ausbildung in der DDR an der Kunsthochschule Weißensee

0:14:15 Wie entsteht ein Szenenbild?

0:24:41 Die Wendezeit in der DEFA

0:37:21 Das Leben in der DDR erlebbar machen für die nächste Generation

0:47:12 Die Entstehung der Berliner Straße in den Filmstudios Babelsberg für „Sonnenallee“

0:54:52 Die Zeit vor und seit VFX

1:00:05 Locations und Szenenbild bei Leander Hausmanns Stasikommödie

1:08:44 Die Teams im Szenenbild wachsen immer weiter mit den steigenden Ansprüchen als Folge neuer Sehgewohnheiten und Arbeitsschutz

1:13:34 Die Arbeit mit den Studierenden an der HFF - wie wichtig der Stammtisch mit den Student:innen war

1:25:08 Wie Betroffenheit das Ende des Kinos sein kann, weil es Stagnation bedeutet

Burhan Qurbani hat mit seinem kreativen Team aus Hochschulzeiten (Filmakademie Baden-Württemberg) Partner:innen fürs Leben gefunden. Seither gestaltet er mit seiner „Filmfamilie“ gesellschaftsrelevante Stoffe von großer sinnlicher Qualität, wie „Berlin Alexanderplatz“ oder „Wir sind jung. Wir sind stark.“. Sein erster Film „Shahada“ war nach über 20 Jahren der erste Abschlussfilm der im Wettbewerb der Berlinale lief. Mit unserem Gast-Moderator Toks Körner teilt Burhan Qurbani offen und schonungslos die Höhen und Tiefen seiner Kariere, spricht über das Hadern und Zweifeln genauso wie über seine unabdingbare Leidenschaft fürs Filmemachen und sein Bestreben mit seinen Filmen Worte zu finden wofür wir keine Worte haben, nur Gefühle.

Handwerk, Hausaufgaben und Struktur sind ihm dabei genauso wichtig wie der rote Faden einer Geschichte, den er gemeinsam mit allen Teammitgliedern entwickelt und er beschreibt die Herausforderung, diesen roten Faden nie zu verlieren. Eindrücklich schildert er wie eigene Rassismuserfahrungen die Entwicklung seiner Stoffe geprägt haben und hält ein Plädoyer für die Förderung und eine bessere, breitere Ausbildung von Autor:innen.

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Auf www.agenturhomebase.de/clients/burhan-qurbani/

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www.trinitymovie.de/toks-koerner/

Foto: Malika Zouhali-Worrall / Urban Ruths

Schnitt: Nicolai Ziel

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Inga Goossens, Jule Bartram

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:01:30 Biografie Burhan Qurbani

00:04:32 Gretchenfrage

00:08:19 Flucht, Rassismus und Selbstverständnis als PoC

00:20:39 Das Handwerk/die Kunst des Geschichtenerzählens

00:27:19 Arbeit mit den Schauspieler:innen

00:32:05 Entwicklung des visuellen Konzepts

00:37:00 Durch die Höhen und Tiefen des Berufs, gemeinsam mit der „Filmfamilie“

00:43:15 Verarbeitung eigener Erlebnisse von rechtsextremer Gewalt in „Wir sind jung. Wir sind stark.“

00:55:38 Umgang mit Verletzungen/Kritik

01:03:53 Handwerk, Hausaufgaben, Struktur

01:08:54 „Berlin Alexanderplatz“

01:16:30 Selbstverpflichtung gegenüber dem Publikum gesellschaftlich relevant und gleichermaßen sinnlich zu erzählen

01:21:43 Was wünscht Du dem deutschen Kino?

Diese Folge zwischen Susanne Bormann und Anne Fabini („Berlin calling“, „Huston“, „More than Honey“) liefert spannende Einblicke in den Schnittprozess von Kinofilmen. Anne Fabini beschreibt, wie sie als Editorin beim Dokumentarfilm im Prinzip gleichzeitig die Rolle einer Drehbuchautorin übernimmt, da die Dramaturgie des Films oft erst im Schneideraum entsteht. Ihr dürft gespannt sein zu hören, wie Anne Fabini es schafft, die Unmengen an Schnittmaterial zu bewältigen, wie sie über den Schnitt die Emotionalität eines Filmes beeinflussen und steuern kann und als Mittlerin zwischen Team und Zuschauer:innen dem Film seinen Atem einhaucht. Besonders beeindruckend sind ihre Schilderung der Arbeit an dem oscarprämierten Dokumentarfilm „Of Fathers and Sons“ über eine radikal-islamistische Familie in Afghanistan, der unter großen Gefahren aufgenommen wurde.

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annefabini.com

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Susanne Bormann Agentur

Foto: Sylvia Steinhäuser

Schnitt: Nicolai Ziel

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Inga Goossens, Jule Bartram

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

0:01:28 Einführung und kurze Vorstellung

0:08:12 Gretchenfrage, was macht eine:n gute:n Schnittmeister:in aus?

0:16:04 Wie hast Du Deinen Beruf gefunden? Erste Schritte bei Timeline und „Lola Rennt“

0:25:22 Wie Schnitt die Emotionalität eines Filmes beeinflussen und steuern kann

0:34:36 Schnitt als Mittlerin zwischen Team und Zuschauer:innen - Der Atem des Filmes

0:42:20 Wie entscheidungsfreudig bist Du und wie entstehen die Entscheidungen im Schnitt?

0:51:47 Wie schaffst Du es die Menge an alternativem Material präsent zu halten im Kopf, um Entscheidungen bei Bedarf zu revidieren?

0:57:07 Die Menge an Material bewältigen im Schnitt beim Dokumentarfilm

1:07:07 Die emotionale Arbeit an dem Dokumentarfilm von Talal Derki

1:16:49 Inhaltliche Ausrichtung und die Herausarbeitung der Dramaturgie beim Dokumentarfilm

1:20:05 Fortsetzung und die Arbeit an „In den Uffizien“

1:27:40 Überforderung im Schnittprozess beim Dokumentarfilm gehört dazu – wie sie entsteht und was dagegen hilft

1:35:36 Netzwerk Bundesverband Filmschnitt und „Rough Cut Service“

1:42:11 Writing with Fire

1:46:05 Auseinandersetzung mit der Regie im „Raum der Wahrheit“

1:58:32 Plädoyer für mehr Dialog über den Schnittprozess

Albrecht Schuch ist einer der gefeiertsten Schauspieler dieser Tage. Akribisch bereitet sich der mehrfache Filmpreisgewinner auf seine Rollen vor um dann dem Wunder, dem „dritten“, Raum zu geben. Susanne Bormann spricht mit ihm darüber, welche Geschenke man sich selbst mit einer intensiven Vorbereitung macht, wie Schuchs Arbeitsweise aber auch zu einer Art Verschmelzung mit der Rolle führt, die es schon mal zur Herausforderung werden lässt, aus den Rollen wieder komplett auszusteigen. Albrecht Schuch beschreibt, wie er niemals aufhört zu lernen, wie wichtig frühzeitige Wegbegleiter und Impulsgeber sein können, für ihn beispielsweise seine Deutschlehrerin, mit der er heute noch in engem Kontakt steht und er verrät, warum er bei Castings auch schonmal arrogant wirken kann.

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Agentur Albrecht Schuch

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Susanne Bormann Agentur

Foto: Steffen Roth

Schnitt: Nicolai Ziel

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Inga Goossens, Jule Bartram

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:07:57 Gretchenfrage

00:16:26 Herkunft und die Anfänge des Spielens

00:24:28 Schauspielschule In Leipzig – probieren, und den Verführungen der Branche widerstehen

00:28:08 Umgang mit dem vermeintlichen Machtgefälle zwischen Regieführenden und Schauspielenden

00:40:40 Das Entscheiden-müssen zwischen Theater und Film

00:45:30 Was willst Du mit Deinem Spiel bewirken, was ist Dein Motor?

00:53:43 Geschenk der intensiven Vorbereitung

01:08:10 Vorbereitung auf Christian Schwochows NSU-Film „Die Täter – heute ist nicht aller Tage“

01:34:48 Otto Modersohn aus Paula

01:45:15 Einsteigen und Aussteigen in die Figur, sich dem Charakter verschreiben

01:48:22 Thomas Brasch in „Lieber Thomas“

02:04:35 Labude in Dominik Grafs „Fabian“

02:11:39 Die wichtigsten Wegbegleiter und wie wichtig ein offenes Ohr von anderen im Spielprozess sein kann

02:20:05 Inspiration durch seinen „Theaterpapa“ Thomas Lawinky und die filmische Partnerschaft mit Christian Schwochow

02:29:00 Was wünscht Du Dir für eine filmische Partnerschaft um wirklich aufblühen zu können?

02:37:22 Umgang mit der Herausforderung Casting

02:45:34 Frieden schließen mit dem „Zweitberuf“ Öffentlichentlichkeitsarbeit

02:58:19 Wo siehst Du Dich in 10 Jahren?

03:01:05 Was hättest Du als Berufsanfänger gerne gewusst?

Liebe Close-Up Hörer:innen! Um euch die Wartezeit bis zur nächsten Staffel zu versüßen, möchten wir euch wärmstens einen weiteren Podcast der Deutschen Filmakademie empfehlen: „Filmskript. Ein Podcast übers Drehbuchschreiben“ mit Heide Schwochow und Constantin Lieb! In monatlichen Folgen sprechen die beiden über das Handwerk des Drehbuchschreibens: es geht um die Besonderheiten bei der Stoffentwicklung und das Kino als kollektive Kunstform. Pro Episode gibt es jeweils einen thematischen Schwerpunkt – mal mit, mal ohne Gast! Hört euch jetzt die bereits vier Folgen zu den spannenden Themen „Figurenentwicklung“, „Literaturverfilmungen“ und – seit heute online – „Dialoge“ an!

Zu finden auf Apple Podcast, Spotify und allen gängigen Podcast-Apps, sowie auf unserer Webseite!

Viel Spaß beim Hören!

Präsentiert von der Deutschen Filmakademie

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Mehr zu den Hosts:

Heide Schwochow Agenturseite

Constantin Lieb Agenturseite und Instagram

Foto: Mattia Tezzele

Tonaufzeichnung und Schnitt: Rainer Schwochow

Musik: Christopher Colaço (Instagram)

Technische Umsetzung: Mattia Tezzele, Sophie Niethe

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Inga Goossens

Links

Filmskript Podcast

Lisa Stutzky, Casterin aus Berlin, (Systemsprenger, Generation Beziehungsunfähig) erläutert im Gespräch mit Susanne Bormann, inwieweit Film und Besetzung derzeit auch immer ein politisches Unterfangen ist und warum es wichtig ist, BIPOC- und LGBTQIA+ Personen in den Castingprozess und die Stoffentwicklung mit einzubinden — man könne die eigene Position und den strukturellen Rassismus eben oft nur schwer selbst erkennen.

Wir sprechen über den Lernprozess als Grundlage für Filmschaffende um in punkto Diversität Normalität und Quote zu schaffen und darüber, wie wichtig Filmfiguren als Vorbilder sind, um sich selbst hohe Ziele zu stecken und sich repräsentiert zu fühlen. Es geht aber auch um grundlegende Fragen des Castingprozesses allgemein, z.B. um die besondere Beziehung zwischen Caster·innen und Schauspielenden und Lisa Stutzky erklärt, warum sie sich für die Absagen fast genauso viel Zeit nimmt wie für die Vorschläge.

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Lisa Stutzky auf www.imdb.com

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Susanne Bormann Agentur

Foto: Elsa van Damke

Schnitt: Nicolai Ziel

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga Goossens

Technische Umsetzung: Mattia Tezzele

Kapitel

00:00:00 Einleitung

00:03:11 Biographisches und Gretchenfrage

00:08:22 Die politische Verantwortung im Casting-Beruf

00:13:01 Lisa Stutzkys Weg zum Film

00:18:25 Wie entsteht das Ensemble einer Besetzung?

00:28:58 Laien-Casting/Community-Casting/Neue Schauspieler·innen entdecken

00:36:45 Diversität/inclusives Casting

01:00:09 Beispiele aus dem divers orientierten Casting-Prozess

01:07:17 Missverhältnis zwischen Männer und Frauenfiguren/Diskriminierung von Frauen im Film

01:13:11 Delicate Scenes (Nacktszenen) und die hilfreiche Funktion von Itimitätskoordinator·innen

01:22:29 Das Verhältnis zwischen Caster·innen und Schauspielenden

01:33:58 e-Castings

01:37:58 Die Herausforderung als Caster·in Schauspielenden abzusagen

01:53:03 Wie schützt man sich vor der Vereinnahmung durch den Beruf, wo zieht man die Grenzen?

02:03:32 Tips für Berufsanfänger

Aufgewachsen in einer Reihenhaussiedlung in der Nähe von Solingen, inmitten vielzähliger Autobahnen, wird das Kino zum Sehnsuchtsort. Christian Petzold spricht mit seinem Regiekollegen Christian Schwochow über den Versuch, die Dualität des Schönen und des Schrecklichen in seinen Filmen zu verbinden, warum es problematisch sein kann zu jung ins Regie-Fach einzusteigen, wie er teilweise über Jahre Notizen im Kopf für einen Filmstoff sammelt und dann in drei Wochen ein Drehbuch runterschreibt, über seine Arbeit mit Schauspieler·innen, die bei ihm nicht vor 8 Uhr geweckt werden dürfen und über die Sehnsucht, das eigene Land in Filmen neu zu sehen. Wo nicht immer das drin ist was drauf steht.

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Christian Petzold auf www.filmportal.de

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Christian Schwochow Agentur

Foto: privat

Schnitt: Rainer Schwochow

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram

Technische Umsetzung: Mattia Tezzele, Sophie Niethe

Kapitel

00:00:00 Intro

00:03:22 Aufgewachsen in einer Reihenhaussiedlung wird das Kino zum Sehnsuchtsort

00:12:17 Christian Petzolds Affinität zu Autoszenen – welche besonderen Perspektiven und Stimmungen diese „Zelle“ als Spielort ermöglicht

00:21:48 Die Verbindung zwischen Theorie und Emotion beim Filme machen

00:28:26 Über die Gleichzeitigkeit des Schönen und des Schrecklichen

00:31:30 Germanistik- und Theaterwissenschaftsstudium in den 80ern in Berlin – zwischen Wissensdurst und Winterdepression

00:35:21 Was die Bildungsreform „Bologna“ zerstört hat – wie wichtig es ist, Zeit zu haben sich zu entwickeln und sich auch mal „verlaufen“ zu dürfen

00:38:47 Die Wendezeit während des Studiums an der DFFB – ein Moment des Augen Aufreißens, „das Kino ist dazu da zu sehen, zu empfinden“

00:50:19 Schauspielerfahrungen während des Studiums an der DFFB und in der Schule

00:58:11 über Diskussion, Kritik, Preise, Neid, Eifersucht und wie Konkurrenz an der Uni die Atmosphäre vergiften kann

01:12:58 Große Hürden bei der Entwicklung für „Die Innere Sicherheit“ hätten fast zur Aufgabe des Berufs geführt

01:15:55 Die Entstehung seiner Geschichten: zwei Jahre Vordenken und in drei Wochen runterschreiben

01:21:25 Dialoge: die Wahrheit liegt jenseits der Kriterien von Alltagssprache und Überhöhung

01:31:12 Wo stelle ich die Kamera hin und warum: Wo ist die emotionale Dichte dieser Szene?

01:36:22 Drehvorbereitung – das Ensemble zusammenwachsen lassen und die Orte kennen lernen

01:46:26 Der Drehtag: Annäherung an die Szene – stundenlang ausprobieren

01:58:21 Wie schneidet man, wenn man meistens nur einen Take dreht?

02:06:03 Zweifel sind wichtig

02:10:07 Die Phasen mit einzelnen Schauspielerinnen (Julia Hummer, Nina Hoss, Paula Beer)

02:17:41 Haltung zu Netflix und über das Regieexperiment „Dreileben“, gemeinsam mit Dominik Graf und Christoph Hochhäusler

02:23:53 Prozess der Stoffentwicklung

02:26:32 Was man als junge Filmschaffende Person wissen sollte

Wolfgang Thaler gilt durch seine Arbeiten in Spiel- und Dokumentarfilmen mit Filmschaffenden wie Pepe Dankwart, Ullrich Seidel und Michael Glawogger als Kameramann der Extreme. Im Gespräch mit Susanne Bormann beschreibt er, wie ihn die Neugier und der Wunsch starke Bilder zu kreieren immer wieder selbst ins Risiko treibt.

Für Wolfgang Thaler zählt vor allem die Frage, wie er mit seinen Bilder die größtmögliche emotionale Wirkung erzielen kann und im gegenseitige Beobachten sieht er das prinzipielle Geheimnis für gute Bilder. Wir sprechen darüber, wie wichtig ist es für einen Kameramenschen ist eine vertrauensvolle Beziehung zu Protagonist·innen aufzubauen, über die Zusammenarbeit mit seinem Sohn und darüber, was es bedeutet, sich in der Arbeit mit dem Elend der Welt auseinander zu setzen und dann in den Überfluss zurück nach Hause zu kommen.

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Filmografie auf www.filmportal.de

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Susanne Bormann Agentur

Foto: privat

Schnitt: Nicolai Ziel

Aufnahme: Cleanfeed

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Mirijam Olbrich

Technische Umsetzung: Mattia Tezzele, Sophie Niethe

Kapitel

00:00:00 Einleitung

00:03:43 Biografisches und die „Gretchenfrage“

00:09:45 Als Kameramann der Extreme – Wonach wählst Du Deine Projekte aus?

00:13:30 Kameraarbeit beim Dokumentarfilm

00:19:20 Die besondere Beziehung zwischen dem Kameramenschen und den Protagonist·innen

00:31:12 Erste Kontaktaufnahme mit den Protagonist·nnen beim Dokumentarfilm am Beispiel von „Whores’ Glory“

00:38:03 Wie geht man damit um, wenn die untragbaren Umständen der Protagonist·innen einen emotional mitnehmen?

00:46:30 Wie schwer ist das Zurückkommen in die eigene Welt?

00:49:52 Der Stress, die Sexarbeit zu filmen

00:53:40 Die Herausforderung mit extrem wenig Licht dokumentarisches Filmmaterial zu drehen

01:02:00 Zusammenarbeit mit dem Sohn, Sebastian Thaler

01:06:36 Was braucht man neben Talent, um als Kameramensch bestehen zu können?

01:10:41 Wie wägt man die Verantwortung gegenüber der Familie mit dem Risiko beim Drehen in „abenteuerlichen“ Situationen ab?

01:27:23 Wirken sich die Extreme, in denen sich Deine Protagonist·innen befinden (z.B. bei „Am Limit“,„ Working Men‘s Death“) auch auf Deine eigene Risikobereitschaft aus?

01:37:54 Was hilft, diese Extreme während Deiner Drehs zu verarbeiten und wie verändert sich der Blick auf die Welt?

01:40:47 Über den Castingprozess im Dokumentarfilm und warum Ton und Kamera hier ein extrem eingespieltes Team sein müssen

01:49:35 wie man teilweise im „Blindflug“, mit viel Wartezeit, besondere Momente einfängt und als Kameramensch beim Dokumentarfilm zum Autoren wird

01:59:57 Arbeit unter verschiedenen Regiehandschriften wie z.B. beim oscarnominierten Debütfilm „Theeb“

02:08:26 Arbeit mit Ullrich Seidel – wie entstehen die tableauartigen Bilder und grenzüberschreitende Momente?

02:30:12 Was möchtest Du jungen Kameramenschen mit auf den Weg geben?

Daniel Brühl spricht mit Christian Schwochow darüber, wie sehr es ihn quält und temperamentvolle Ausbrüche zur Folge hat, wenn es in der Arbeit nicht rund läuft und man unter seinen Möglichkeiten bleibt.

Sie tauschen sich über seine ersten Erfahrungen als Regisseur bei dem Kammerspiel „Nebenan“ aus – wie man immer ein bisschen Wahnsinn ans Set holen kann und wie sich manchmal schon beim Drehbuchlesen das Gefühl einstellt: Das bin ich. So wie bei „Rush“, wo Daniel mit seiner Darstellung von Niki Lauda eine neue Kategorie von Filmen und Ron Howard als Regisseur kennenlernen durfte.

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Mehr zum Gast:

Daniel Brühl Agentur

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Christian Schwochow Facebook und Instagram

Christian Schwochow Agentur

Foto: Pascal Bünning

Schnitt: Rainer Schwochow

Aufnahme: Cleanfeed

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Mirijam Olbrich

Technische Umsetzung: Mattia Tezzele, Sophie Niethe

Kapitel

00:00:00 Intro

00:01:03 Warum es Daniel nach über 70 Filmen immer noch herausfordert, sich spielen zu sehen

00:10:11 Wie der frühe Erfolg Maßstäbe setzt – Gefangen in der Jugendlichkeit

00:17:10 Das Regiedebüt „Nebenan“ und über die Sehnsucht, mehr an den Prozessen des Filmemachens beteiligt zu sein.

00:31:11 Inwiefern Peter Kurth als aus dem Osten stammender an dem Entwicklungsprozess zum Film „Nebenan“ beteiligt wurde

00:35:41 Die Herausforderung der Doppelfunktion Regie/Schauspieler

00:42:14 Die Bewertung von außen – macht sie Angst?

00:45:38 „Das weiße Rauschen“ – Annäherung an die Darstellung eines an Schizophrenie Erkrankten

00:55:08 Wie bekommt man ein bisschen Wahnsinn, ein bisschen Dreck in jeden Dreh?

01:02:30 Wie gehst Du damit um, wenn die Chemie am Set nicht stimmt?

01:06:27 Daniels Herangehensweise bei „Rush“, wo er mit seiner Darstellung von Niki Lauda eine neue Liga von Filmemachern wie z.B. Ron Howard als Regisseur kennenlernen durfte

Die Produzentin Claudia Steffen wurde ohne klassische Ausbildung bei einem Auslandsdreh in Nepal früh ins kalte Wasser geworfen und ist nun mittlerweile CEO von Pandora Film, eine der wenigen unabhängigen Produktionsfirmen in Deutschland, die ausschließlich fürs Kino produzieren. Mit Susanne Bormann spricht sie darüber, welch große Rolle Selbstinitiative und Mentor·innen (in ihrem Fall Karl Baumgartner) im Verlauf einer Kariere spielen und wie wichtig der Vertrauensvorschuss bei den ersten Produktionen ist. Sie beschreibt Film als „people‘s business“, in dem es extrem auf das Miteinander während der gemeinsam verbrachten Lebenszeit ankommt. Wir sprechen über den Fachkräftemangel, die Zukunft des Kinos und wie wichtig es ist, den Kinobetreibern zuzuhören sowie über die Herausforderung, bei schmalen Budgets den vielen Anforderungen und Menschen gerecht zu werden ohne dabei selbst Schaden zu nehmen.

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Mehr zum Gast:

Pandora Film Produktion

Mehr zum Host:

Susanne Bormann Instagram

Susanne Bormann Agentur

Foto: Marion Koell

Schnitt: Nicolai Ziel

Aufnahme: Cleanfeed

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga Goossens

Technische Umsetzung: Mattia Tezzele

Kapitel

00:00:00 Intro

00:02:47 Biografisches und über die Bedeutung von Jugendförderung und Mentor·innen

00:11:26 Der Stellenwert von Praktika und Proaktivität in der Filmbranche

00:14:11 Karl Baumgartner, genannt „Baumi“ als Mentor und sein Vertrauensvorschuss bei den ersten Produktionen

00:23:17 Film ist Lebenszeit — Bereicherung durch internationales Co-Produzieren

00:27:34 Zusammenarbeit mit Christoph Friedel und Übernahme der Geschäftsführung

00:29:17 Berufsbild, Finanzierung und Haftung als freie Produzent·innen

00:47:05 Einkommen und Gewinne als Produzent·innen (Produzentengage und HUs und Recoupmentpläne)

00:54:14 „Bella Martha“ vom schweren Drehstart zum Klassiker – und seine nachhaltige Bedeutung für die Firma (Pandora-Film)

00:57:34 Unterschied der Produzentengagen im Kino vs.beim Fernsehen

01:02:35 Wie viele Filme muss die Pandora-Film pro Jahr machen, um zu überleben?

01:07:39 Haltung der Pandora-Film gegenüber der Autoren-Initiative „Kontrakt 18“

01:12:59 Wie bindet ihr die Kreativen an euch? Ihr macht ausschließlich Kino und die Streamer locken mit einer schnellen Finanzierung...

01:28:32 Plant ihr mit dem Idealismus der Leute – wo Budgets kleiner, der Anspruch aber höher wird und Fachkräfte rar sind?

01:37:39 Wie kann man dem Fachkräftemangel begegnen und Drehen wieder attraktiver gestalten? (Work-Life-Balance, Umgang miteinander bei der Arbeit)

01:51:49 Arbeit mit Andreas Dresen

01:54:30 Veröffentlichung der aktuellen Produktionen von Christian Schwochow und Andreas Dresen

01:58:19 Die Zukunft des Kinos angesichts alternder Zielgruppen und Filmflut bei immer kleiner werdenden Kulturressorts in der Presse

02:11:43 Was möchtest Du jungen Produzent·innen mit auf den Weg geben?

Man sollte in Bezug auf das Filmemachen niemals schlecht vom Zufall denken, sagt Wolfgang Kohlhaase und spricht mit Christian Schwochow über das naive Vergnügen beim Herstellen einer Wirklichkeit, in der Erwachsene kommen und sich verkleiden. Mit viel Schalk und Liebe für den Beruf und das Leben beschreibt Kohlhaase, wie er sich im Nachkriegsdeutschland zum Autoren entwickelte, obwohl bei ihm zu Hause nie gelesen wurde, beleuchtet die politische Dimension des Filmemachens in der DEFA-Zeit, weshalb Filmemachen a priori kritisch ist und wieso ihn das „Warum“ mehr interessiert als das „Wie“.

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Mehr zum Gast:

Auf www.defa-stiftung.de

Mehr zum Host:

Christian Schwochow Facebook und Instagram

Christian Schwochow Agentur

Foto: Christine Halina Schramm / Deutsche Filmakademie

Schnitt: Rainer Schwochow

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram

Technische Umsetzung: Mattia Tezzele

Kapitel

00:00:05 Intro

00:01:38 Über das naive Vergnügen beim Herstellen einer Wirklichkeit

00:12:17 Die Sensibilität des Drehens und was durch die Erfindungen der Schauspieler hinzukommt

00:18:49 Die Zeitenwende nach dem Krieg und die Anfänge als Journalist

00:26:22 Die Besatzungsmächte brachten ihre Filme ins Nachkriegsdeutschland, wie z.B. die Kinder des Olymps

00:33:20 Rückkehr der emigrierten Deutschen Kulturschaffenden wie Anne Seghers und Bertolt Brecht

00:40:56 Die Anfänge als Autor

01:01:55 Die politische Dimension in der DEFA in den 50er Jahren

01:23:01 Voraussetzungsloses Erzählen ohne Gebrauchsanweisung und warum es wichtig ist, das Publikum an einer Frage zu beteiligen

01:31:25 Erfahrungen in der Zusammenarbeit mit Konrad Wolf bei „ Ich war Neunzehn“

01:44:15 Empfehlungen für Berufsanfänger - Raum lassen für den Zufall