Close Up. Ein Podcast übers Filmemachen Archiv

Diesmal ist Produzent Quirin Berg zu Gast bei Susanne Bormann. Mit seiner Firma LEONINE zählt er zu den erfolgreichsten Produzent:innen Deutschlands. Im Gespräch, das im November 2025 aufgezeichnet wurde, erläutert er, wie er ohne eigenes Kapital, dafür aber mit viel Unterstützung und dem Gefühl, alles schaffen zu können, ins Berufsleben gestartet ist. Es geht um die langjährige Freundschaft und Partnerschaft mit Max Wiedemann, gemeinsame Kinoerfolge, die Zusammenarbeit mit Regisseur:innen und die Frage, was es neben Glück und dem richtigen Zeitpunkt braucht, um Ideen erfolgreich umzusetzen.

Außerdem sprechen die beiden darüber, was Zuschauer:innen heute dazu bewegt, sich für einen Kinobesuch zu entscheiden – und welche Rolle dabei die Verschränkung von Relevanz und Unterhaltung spielt.

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Filmografie

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Aufnahme & Schnitt: Nicolai Ziel

Musik: Martin Todsharow

Fotos: Mattia Tezzele, Gordon Muehle

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. · Jule Bartram, Sarah Hoffmann

Kapitel

00:00:00 Zusammenfassung und Gretchenfrage

00:04:35 Freundschaft und geteilte Leidenschaft für Film mit Max Wiedenmann seit der Schulzeit, Initialzündung in Cannes

00:10:00 über Zettel am schwarzen Brett der HFF zum Regie-Praktikum bei Bernd Eichinger

00:17:35 Erfolgsrezept Dialektik und Dialog: Ein Gespür dafür entwickeln, wann man eingreift und wann man die kreativen Partner machen lässt

00:31:38 Keimzelle HFF und die Arbeitsbeziehung zum Florian Henkel von Donnersmark

00:38:09 inhaltliche Ausrichtung der Firma und die Zusammenarbeit mit Simon Verhoefen

00:50:08 was braucht es, um die Zuschauer:innen ins Kino zu ziehen / Filme von Alireza Golefshan

01:00:11 Welchen Mehrwert kann und muss Kino gegenüber dem Streaming bieten?

01:08:36 Zeitmanagement und die Frage, wie man es schafft, unter Zeitdruck kreativ zu sein

01:19:13 Intension und Management von Leonine Studios Teil 1

01:23:28 In wieweit hat die Filmbranche eine gesellschaftliche Verantwortung?

01:29:04 Leonine Studios Teil 2 und Umgang mit KI

01:38:54 was wünscht Du jungen Filmemacher:innen und was dem deutschen Kino?

Susanne Bormann trifft Gerrit Hermans, der seit vielen Jahren als Kinoautor tätig ist und sich im Verband der Autor:innen für die Belange seines Berufsstandes engagiert. Das Gespräch fand im Juli 2025 statt.

Im Mittelpunkt steht die Situation von Drehbuchautor:innen in Deutschland: Was hat sich in den vergangenen Jahren bereits verändert und wo liegt Entwicklungspotenzial, um gute Bedingungen für die Entstehung ausgereifter Drehbücher zu schaffen? Außerdem geht es darum, warum es für Autor:innen wichtig ist, sich zusammenzuschließen, sich auszutauschen und gemeinsam für die Belange ihres Gewerkes einzustehen – damit es auch in Zukunft attraktiv bleibt, für das Kino zu schreiben, und der Berufsstand weniger von Selbstausbeutung geprägt ist.

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Webseite

Profilseite Drehbuchverband

Filmografie

Podcast: Neue Drehbuchförderung – Der Weg zum Geld

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Aufnahme & Schnitt: Nicolai Ziel

Musik: Martin Todsharow

Fotos: Mattia Tezzele, Ben Wolf

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. · Jule Bartram, Sarah Hoffmann

Kapitel

00:00:00 Thematischer Überblick und kurze Einführung in den Arbeitsalltag

00:07:30 Gretchenfrage und Biografisches anhand der Entwicklung der allgemeinen Lage für Autor:innen in Deutschland in den letzten Jahrzehnten

00:19:58 Resilienz und Krisenmanagement / Entstehung von Kontrakt 18

00:31:42 Was hat sich durch Kontrakt 18 verändert?

00:38:25 Missverständnisse und Kontroversen um Kontrakt 18

00:41:02 Veränderungen und positive Entwicklungen durch Kontrakt 18, Teil 2

00:49:40 Tradition des Autorenkinos in Deutschland

00:59:51 Lebensrealität von Kinoautor:innen in Deutschland – wie attraktiv beziehungsweise unattraktiv ist dieser Beruf?

01:11:50 Warum der Beruf als Autor:in im jetzigen System zur Selbstausbeutung verleitet und wie viel man unentgeltlich in Vorleistung geht

01:22:38 Herausforderungen im Entstehungsprozess der Bücher und im Umgang mit Kritik

01:28:53 Wie finanziert man die Buchentwicklung und bis zu welchem Zeitpunkt sieht man meist noch kein Geld?

01:33:35 Der Zwiespalt, dass man als Autor:in einerseits ein ganz dickes Fell und parallel dazu ein Höchstmaß an Sensibilität braucht, und die Frage, wie man Kritik konstruktiver gestalten könnte

01:43:02 Was ändert die Filmförderreform an der Situation der Autor:innen?

01:51:11 Entwicklungspotenzial und Anregungen zur Verbesserung

02:02:08 Was wird sich durch KI verändern?

Susanne Bormann trifft Dirk Beinhold, Geschäftsführer der Firma Akkord Film, die sich erfolgreich dem Kinderanimationsfilm verschrieben hat. Im Gespräch geht es um die Stoffentwicklungsabteilung als Kernkompetenz des Unternehmens, darum, warum im Animationsfilm die netteren Menschen arbeiten und was ihm sein Studium sowie sein Arbeitsaufenthalt in den USA für das Produzieren in Deutschland gebracht haben – zum Beispiel die Erkenntnis, dramaturgische Entwicklung und Marketing miteinander zu verknüpfen.

Außerdem geht es um filmpolitische Themen, etwa um das Missverhältnis zwischen der Bedeutung von Kinderfilmen für Gesellschaft und Demokratiebildung und den Geldern, die dem Kinderfilm zur Verfügung stehen. So werden beispielsweise beim öffentlich-rechtlichen Fernsehen nur zwei Prozent der Mittel für Kinderformate ausgegeben, obwohl Kinder zwölf Prozent der Bevölkerung ausmachen und Medieninhalte sie stark und nachhaltig prägen.

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Dirk Beinhold Filmografie

akkord film

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Susanne Bormann Agentur

Aufnahme & Schnitt: Nicolai Ziel

Musik: Martin Todsharow

Fotos: Mattia Tezzele, Akkord Film

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. · Jule Bartram, Sarah Hoffmann

Kapitel

00:00:00 Biographie und Vorstellung

00:05:49 Gretchenfrage

00:10:17 Benefit von den Arbeitsjahren in den USA im Bezug auf Stoffentwicklung

00:19:25 Kernkompetenz der Akkordfilm: Die Dramaturgie- und Stoffentwicklungsabteilung

00:24:59 Unterschiede in der Herstellung im Vergleich zum Realfilm

00:32:08 Wie entsteht die künstlerisch-kreative Welt im Animationsfilm

00:43:32 Die Höhen und Tiefen der Firma

00:51:12 Selbstfürsorge und Vereinbarkeit zwischen Beruf und Familie in der Firmenstruktur und im Arbeitsklima

00:55:50 Das Reizvolle und die Besonderheiten am Kinderfilm

01:00:29 Möglichkeiten und Verantwortung vom Kinderfilm für die Gesellschaft und die Demokratieförderung

01:10:29 Auch Streamer investieren nicht in deutsche Animation, obwohl das mit die erfolgreichsten Produkte sind

01:16:35 Ausbildung im Bereich Animation

01:21:11 Die wichtigsten Partner und Wegbegleiter

01:24:48 Was möchtest du jungen Filmemachern mitgeben? Über den Vorteil, nicht zu ehrfürchtig zu sein

„Das Vicky“ nannte Simone Bär ihren damaligen Schützling, weil sich die Schauspielerin Vicky Krieps auch schon in ihren Anfangsjahre jeglicher Zuschreibung entzog. Susanne Bormann spricht mit der Präsidentin der Deutschen Filmakademie über die Suche nach Wahrhaftigkeit in der Glamour-Scheinwelt des Filmes, wie sich ihre internationale Karriere entwickelt hat und sie eines Tages mit Paul Thomas Anderson und Daniel Day Lewis am Set von „Der Seidene Faden“ stand.

Es geht um Aufrichtigkeit im Spiel, das „nicht reagieren müssen“ und aushalten von Stille aber auch um Rollenbilder von Frauen im Film und der Gesellschaft.

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Vicky Krieps Instagram

Vicky Krieps Filmografie

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Susanne Bormann Agentur

Aufnahme & Schnitt: Nicolai Ziel

Musik: Martin Todsharow

Fotos: Mattia Tezzele, Florian Liedel

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram

Technische Umsetzung: Sarah Hoffmann

Kapitel

00:09:02 Filmfestspiele in Venedig mit Jim Jarmuschs Film „Father Mother Sister Brother“

00:15:36 Biografie

00:21:10 Die Rolle kommt und lädt mich ein auf dieses Treffen - Auswahl an Rollen

00:28:42 Gretchenfrage

00:35:50 Die Suche nach Wahrhaftigkeit und einem leeren freien Raum

00:42:30 Mutter sein und drehen, gleich zu Beginn der Karriere

00:51:35 Der Weg zum internationalen Durchbruch mit Daniel Day Lewis in „Der Seidene Faden“ von Paul Thomas Anderson

01:05:48 Der Dreh mit Daniel Day Lewis, dem Angstgegner vieler Schauspielkolleg:innen

01:19:10 Familien-Background

01:29:34 Unterschiede zwischen internationalen und deutschen Produktionen in der Arbeitsweise

01:36:43 Das Aneignen von Figuren und über das „nicht reagieren müssen“ und Aushalten von Stille

01:45:42 Erwartungen an die Rolle als Frau, Schauspielerin und Mutter

01:57:54 Der Spagat zwischen Ehrlichkeit, unangepasster Frau und Pressearbeit

Bevor der Regisseur İlker Çatak seinen durchschlagenden Erfolg mit dem Oscar-nominierten und vielfach ausgezeichneten Film „Das Lehrerzimmer“ feierte, erfuhr er neben einigen kleineren Erfolgen auch Ablehnung auf seinem Werdegang zu einem der gefeiertsten Regietalente Deutschlands.

In den zwei „Welten“ von Istanbul und Berlin aufgewachsen, ist für İlker Çatak Ambivalenz das wichtigste Kriterium für den Kinofilm und er sieht sich in der Verantwortung, den Zuschauenden keine Meinung vorzuschreiben. Mit Christian Schwochow spricht er darüber, wie Ablehnung auch ein Motor sein kann, über Selbstzweifel als ein ständiger Begleiter, Rassismuserfahrungen im Zusammenhang mit der Pressearbeit zu „Das Lehrerzimmer“, darüber wie konstante Beziehungen diese von Unvorhersehbarkeiten geprägte Arbeit erleichtern und warum es dennoch wichtig bleibt, sich auch mit neuen Partner:innen immer wieder neu zu erfinden.

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Christian Schwochow Agentur

Schnitt: Rainer Schwochow

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Fotos: Florian Mag, Mattia Tezzele

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga Goossens

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:00:00 Intro

00:01:14 Gretchenfrage und Kindheit im Wedding in den Achtzigern

00:08:29 Kulturschock und Desillusionierung mit dem Umzug nach Istanbul

00:20:07 Zurück nach Berlin – Zum Zivildienst, um dem türkischen Militär zu entgehen

00:28:23 Erste Gehversuche beim Film

00:38:26 Nach Studienabbruch zahlreiche vergebliche Versuche an Filmhochschulen genommen zu werden

00:45:55 Hamburg Media School

00:55:54 Wie die harte Schule der zahlreichen Ablehnungen zu enormer Gewissenhaftigkeit bei den Hochschul-Filmen führte

01:00:45 Auserwählt für das Auslandsprojekt der Hamburg Media School mit dem Film „Sadakat" in Istanbul

01:11:29 Die Vor- und Nachteile immer wieder mit denselben Leuten zu arbeiten und wie wichtig neue Impulse sind, um nicht stehen zu bleiben

01:25:55 Erfolg und Misserfolg

01:44:02 Handwerkliche und inhaltliche Arbeit mit Kamerafrau Judith Kaufmann

01:55:10 Die Angst, nicht gut genug zu sein und irgendwann „aufzufliegen“ / Kino vs. Fernsehen

02:01:37 Das Lehrerzimmer: später, kometenhafter Erfolg und Rassismus-Erfahrungen im Zuge der Pressearbeit

02:15:20 Zusammenarbeit und Zusammenwachsen mit dem Produzenten Ingo Fliess von if Productions

02:27:11 Warum İlker sich zumeist für weibliche Hauptfiguren entscheidet

02:32:58 Arbeit mit den Schauspielenden – Der Raum, den es braucht um sich fallen zu lassen und sich wirklich zu öffnen

02:43:30 Outro

Gemeinsam mit seinem Bruder Jonas führt Jakob die noch recht junge Produktionsfirma Weydemann Brothers, deren Filme, z.B. „Systemsprenger“, zahlreiche internationale Preise gewonnen haben. Auch die Beziehungen zu den Talenten denken die Weydemanns langfristig und familiär – Vertrauen und gemeinsames Wachsen sehen sie als Basis für das Entfalten von kreativem Potential. Susanne Bormann spricht mit Jakob Weydemann über die Suche nach noch nicht gesehenen Geschichten und nicht gehörten Perspektiven, darüber, wie die benötigten Konsensentscheidungen zu vieler Fördertöpfe kreative und außergewöhnliche Stoffe hemmt und warum es sich trotzdem lohnt, Stoffe fürs Kino zu entwickeln, obwohl die Streamer unkomplizierter und schneller die Gelder zur Verfügung stellen. Jakob hat sich in den vergangen Jahren intensiv für eine grundlegende Reform der Förderstrukturen in Deutschland eingesetzt und hat uns die anstehende Filmförderreform im Detail erläutert und verständlich gemacht, welche positiven Änderungen uns hoffentlich erwarten – auch wenn wenige Woche nach dem Gespräch durch die politischen Ereignisse nun wieder alles offen ist.

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Website Weydemann Bros.

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Susanne Bormann Agentur

Aufnahme & Schnitt: Nicolai Ziel

Musik: Martin Todsharow

Fotos: Mattia Tezzele, Jakob Weydemann

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga Goossens

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:00:00 Erste Filmbegeisterung bei der Hamburger Sneak-Preview und Produktionserfahrungen im Schultheater

00:11:14 Gretchenfrage und die Magie ein Projekt von der ersten Idee bis zum Ende zu begleiten

00:18:55 Internationales Studium in Barcelona und USA – erste Kurzfilme: mit viel Risiko und Neugier hinaus in die Welt

00:30:30 Erster Langfilm mit Damian John Harper „Los Angeles“ – ein Projekt entgegen aller Wahrscheinlichkeiten

00:39:21 Bewusstes gestalten der eigenen Firmenphilosophie und des Familiengedankens

00:46:21 Durchbruch und Überraschungserfolg mit „Systemsprenger“ von Nora Fingscheidt

00:56:20 Weitere waghalsige Projekte, z.B. „Niemand ist bei den Kälbern“ während der Corona-Zeit

00:05:19 Neue Perspektiven: „Ivie wie Iwie“ von Sarah Blaßkiewitz

01:16:21 Flexible Verleihstrategie für „kleinere“ Filme am Beispiel von „Ivie wie Ivie“ ohne großes Marketing-Budget

01:19:40 Für und Wider von Sperrfristen, vor allem in Bezug auf Arthouse-Produktionen

01:34:20 Widerstände im Entwicklungsprozess für mutige, ungewöhnliche Themen – der nötige Konsens der vielen Fördertöpfe

01:41:29 Unterschiede im kreativen Prozess bei einem unabhängigen Kinofilm und einer Streamer-Auftragsproduktion

01:50:22 Die anstehende Reform der Filmförderung: Steueranreizmodell und Investitionsverpflichtungen von Streamern

02:03:11 Filmfördergesetz – was soll sich im Detail ändern?

02:08:39 Was bedeuten die Änderung insbesondere für den Arthouse-Film?

02:17:07 Den Prozess familiär denken – Arbeiten mit dem Bruder, Arbeitsbeziehungen langfristig als Film-Familie denken

02:25:03 Familienfreundliches Produzieren

Immer wieder sind der Einstieg in den Beruf und die entscheidenden Schritte am Anfang einer Karriere Thema bei uns im Podcast. Im Fall von Julia von Heinz ist der Start in die berufliche Laufbahn umso spannender, da sie keinen klassischen Hochschulweg gegangen ist und sich bereits mit zwei kleinen Kindern im Gepäck ihren Weg ins Filmgeschäft sehr hart erkämpft hat.

Ihr Debütfilm „Was am Ende zählt“ fand erst zwei Jahre nach Fertigstellung einen Verleih und wurde dann aber schlussendlich mit der Lola in Gold prämiert. Heute betreibt die gefeierte Regisseurin gemeinsam mit dem Produzenten Fabian Gasmia und den Regiekollegen David Wnendt und Erik Schmitt die Produktionsfirma Seven Elephants.

Mit Christian Schwochow spricht Julia von Heinz darüber, wie entscheidend es für den Verlauf einer Karriere sein kann, Menschen um sich zu haben, die an einen glauben. Sie schildert das Privileg, von einer Ikone wie Rosa von Praunheim in den Beruf eingeführt worden zu sein, und wie es ist, seit vielen Jahren mit ihrem Mann und Drehbuchautoren John Quester zusammenzuarbeiten. Außerdem thematisieren die beiden, wie viel besser junge Leute heutzutage in der Selbstfürsorge sind und wie selbstverständlich man sich früher auch selbst ausgebeutet hat. Sie gehen der Frage nach, ob es ein „Zuviel“ an Arbeit gibt, selbst wenn man diese über alles liebt und wie es sich anfühlt, wenn einem der eigene Film aus den Händen genommen wird, wie bei „Ich bin dann mal weg“.

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Christian Schwochow Agentur

Schnitt: Rainer Schwochow

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Fotos: Mattia Tezzele, Peter Hartwig

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga Goossens

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:00:00 Intro

00:00:40 Biografie, die Abwesenheit von Film bis zu einem recht späten Zeitpunkt und die Liebe zu Literatur

00:10:00 Zeit bei der Antifa

00:19:55 Über die Ausbildung beim WDR: Endlich der Weg zum Film

00:30:30 Die ersten eigenen Kurzfilme und die gescheiterten Versuche an der Filmhochschulen

00:41:33 Der essenziell wichtige Kontakt zu Rosa von Praunheim über Cooky Ziesche

00:53:57 Drehbucharbeit mit Lebenspartner John Quester

01:03:30 Mit zwei kleinen Kindern Drehbuch für den ersten Langspielfilm schreiben und Drehen

01:18:42 Arbeit als Heimat und die Frage ob man zu viel arbeiten kann, selbst wenn es einen sehr erfüllt

01:25:20 Wenn man leer ist und irgendwann keine Ideen mehr hat

01:31:58 Verwundbar durch die Presse - die Scham, wenn man „enttarnt“ wird

01:42:51 Umgang mit Kritik am Beispiel von „Ich bin dann mal weg“

01:55:49 Gründung der Produktionsfirma Seven Elephants

01:59:55 Der aktuelle Film „Treasure“ nach einer Romanvorlage von Lily Brett

02:21:16 Wegbegleiterin seit der ersten Stunde: die Kamerafrau Daniela Knapp

02:28:32 Was ist das Besondere am persönlichen Erzählen und wie drückt es sich aus?

02:33:07 Die Dreherfahrung in Polen - wie mit viel Professionalität und großen Stolz gegenüber dem eigenen Gewerk hohe Qualität erreicht wird

02:36:55 Outro

Susanne Bormann spricht mit Hansjörg Weißbrich – dem Editor, von dem man sicherlich mit Fug und Recht behaupten kann, dass es niemanden in unserer Branche gibt, der ihn nicht kennt. Langjährige treue Zusammenarbeit mit Regiegrößen wie Hans-Christian Schmid, Maria Schrader oder Florian Gallenberger wechseln sich in seiner Laufbahn mit neuen fruchtbaren Begegnungen – wie zuletzt mit Margarete von Trotta oder bei Tim Fehlbaums „September 5” – ab. Hansjörg beschreibt seine Arbeit vom „Groben ins Feine“. Im Gespräch erklärt er, warum seine Rohschnitte immer möglichst kurz sind, wie er es schafft den Schauspielenden im Schnitt so nahe zu kommen, dass man sich als Zuschauer:in dem Sog der Geschichte nicht mehr entziehen kann, wie er es erreicht, dass seine Filme so organisch und rund wirken und warum es wichtig ist, den Film zwischendurch immer wieder als Ganzes anzuschauen.

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BFS Webseite Hansjörg Weißbrich

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Susanne Bormann Agentur

Aufnahme & Schnitt: Nicolai Ziel

Musik: Martin Todsharow

Fotos: Mattia Tezzele, Florian Liedel

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga Goossens

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:00:00 Intro

00:00:55 Gretchenfrage und Biografisches

00:10:08 Fügung für wichtige Zusammenarbeiten, z.B. mit Hans-Christian Schmid, Margarete von Trotta und Maria Schrader

00:21:26 Schnitt ist wie Bildhauerei, man arbeitet vom Groben ins Feinere

00:35:52 Abstimmungsprozesse und Zusammenarbeit mit der Regie im Schnittprozess

00:46:51 Wann folgt man der eigenen Intuition und wann den Anweisungen der Regie?

00:54:34 Den Figuren mit dem Schnitt in der größtmöglichen Intensität folgen – Wie geht das?

01:02:24 Den Film immer als Ganzes betrachten – von einem verdichteten, kurzen Rohschnitt hin zu einzelnen Ergänzungen

01:08:20 Wie entsteht und gestaltet man den Schnittrhythmus im Film?

01:23:21 Wie hilft Musikalität und in Hansjörgs Fall sein Musikstudium beim Schnittprozess?

01:33:12 Einen Schnittprozess abgeben oder den Schnitt von einer anderen Produktion übernehmen und fertigstellen

01:47:03 Wie wichtig es ist, in der Ton-Mischung und in der Endfertigung dabei zu sein

01:51:16 Outro

Wie kann man über Musik reden? Wie lassen sich Worte finden, um eine Melodie zu beschreiben? Wie lässt sich eine gemeinsame Idee für einen Score entwickeln? Christian Schwochow spricht mit dem Ausnahmetalent Dascha Dauenhauer über das angstfreie und wertfreie Ausprobieren bei schwer zu beschreibenden künstlerischen Prozessen. Das Ego darf laut Dascha beim Film jedenfalls keine Rolle spielen. Als neunjährige studiert sie bereits Komposition und ihr erstes Werk wird in der Philharmonie uraufgeführt als sie 15 Jahre alt ist.

Mit Christian Schwochow spricht sie darüber, wie Oscar-Gewinner:innen sie auf Instagram anschreiben, um sie zu engagieren, wie sehr sie es liebt, eigene Sounds zu kreieren, über Arbeitssucht und darüber, wie wichtig diese eine Person ist, die sagt: Ich gebe dir 'ne Chance, selbst wenn es viele Gegenstimmen gibt. Für Dascha war diese Person Burhan Qurbani, der ihr noch als Studierende sein riesiges Vertrauen geschenkt und sie für „Berlin Alexanderplatz“ engagiert hat und damit ihre aussergewöhnliche Karriere ins Rollen brachte.

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Webseite Dascha Dauenhauer

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Christian Schwochow Agentur

Schnitt: Rainer Schwochow

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Fotos: Mattia Tezzele, Marcus Höhn

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:00:00 Intro

00:00:15 Aufwachsen in Moskau und musikalische Förderung ab dem Alter von 5 Jahren

00:10:44 Harter Aufschlag beim Umzug nach Berlin-Lichtenberg und Kompositionsunterricht ab 9 Jahren

00:19:45 Konzertreisen als Kind und Lampenfieber

00:32:20 Von der Komposition zur Filmmusik und der Filmuniversität Babelsberg

00:41:30 Die Arbeit im Team als Filmkomponistin

00:47:52 „Angst“ vor Musik und Musik als Mittel der Manipulation

00:49:55 Filme von Henrika Kull- wie ein Score entsteht (Jibril, Glück)

00:56:04 Wie schwer es ist Worte und eine gemeinsame Sprache für Musik zu finden und wie wichtig das Ausprobieren - ohne Angst zu scheitern - ist

01:10:23 „Berlin Alexanderplatz“ mit Burhan Qurbani - direkt vom Studium in diese aufwendige Produktion

01:20:50 Über Depressionen und Selbstzweifel in der Arbeit - und was dann hilft

01:32:14 Der Durchbruch und die internationalen Chancen danach, z.B. bei „Golda - Israels Eiserne Lady“ von Guy Nattiv mit Helen Mirren

01:43:22 Wie wichtig es ist, von Anfang an deutlich zu machen, was man will, um negative Erfahrungen zu vermeiden

01:51:23 Musik Libraries vs. Eigene Sounds kreieren

02:01:56 Outro

Wie kaum ein anderer Regisseur verbindet Andreas Dresen in seinen zutiefst menschlichen Geschichten Humor mit Tiefgang. Er schafft es, dass wir den Blick in Abgründe wagen, vor denen wir gemeinhin zurückschrecken und erzählt mit großer Liebe über das Scheitern. Und das wieder Aufstehen. All das tut er gemeinsam mit jahrelangen Vertrauten, quasi seiner Filmfamilie. Mit Susanne Bormann spricht er über die Bedeutung von Geschichten für uns Menschen und beschreibt, wie seine Filme von der Idee bis hin zum fertigen Ergebnis in gemeinschaftlicher Arbeit reifen und entstehen, und bisweilen ein Eigenleben entwickeln. Wir sprechen über seinen äußerst bewegenden aktuellen Kinofilm „In Liebe, Eure Hilde“, über Risikobereitschaft, die Balance aus Zusammenhalt und künstlerischer Reibung, den angstfreien Raum als Nährboden für Kreativität, die Besonderheiten des Improvisationsfilms und vor allem über die Arbeit mit den Schauspieler:innen.

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Susanne Bormann Agentur

Aufnahme & Schnitt: Nicolai Ziel

Musik: Martin Todsharow

Fotos: Mattia Tezzele, Florian Liedel

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:00:00 Intro

00:00:58 Gretchenfrage und: Was Filme Menschen bedeuten

00:06:50 Ist der Beruf des Regisseurs ein einsamer?

00:12:12 Kindheit in einer Theaterfamilie in Schwerin

00:19:20 Erste Inszenierungen als Kind, unter dem kritischen Blick zweier Väter, die echte Koryphäen sind

00:26:13 Erste Amateurfilme auf der AK8 Kamera und Zeltplatzkino mit der „DREFA“

00:37:55 Die Jahre bei der Armeezeit in der DDR mit Andreas Höfer

00:39:26 Der umständliche Weg zum Studium an der Konrad Wolf in Babelsberg

00:46:00 Lehrreiches Praktikum als Tontechniker am Schweriner Theater - Wartezeit aufs Studium

00:50:40 Studium in Zeiten des Umbruchs, während der Vor-Wendezeit

01:05:39 Die letzten Monate der DDR, Studienabschluss während der Wende und erste berufliche Schritte im neuen System

01:10:45 Frustration und Limitierung der eigenen Kreativität durch „braves“ Handwerk, gelangweilt sein von der eigenen Arbeit Anfang der 90er

01:20:08 Kreativer Befreiungsschlag durch „Nachtgestalten“ und das Theater, finanziell am Abgrund

01:35:48 Ohne Risiko läuft nichts beim Film

01:40:25 Wie entstehen die Ideen und Themen zu den Dresen-Filmen

01:53:56 „Halt auf freier Strecke“

02:04:50 Wie schütze ich mich als Schauspieler:in in emotionalen Extremsituationen der Figur

02:21:17 Wechselspiel Schauspiel/Regie: Spielen, ohne das Gefühl scheitern zu können

02:30:47 Die Probensituation

02:44:02 Wie kann man als Regie den Schauspielenden in emotionalen Szenen helfen?

02:55:50 wie hilfreich Subtexte sind und die Herausforderung beim Improfilm Subtexte zu entwickeln

03:03:33 Vorbereitung für einen Improvisationsfilm am Beispiel von „Halbe Treppe“

03:09:00 Umgang mit Angst, Verantwortung und Druck

03:18:38 Anspruch und die Verantwortung das Publikum nicht zu enttäuschen

03:23:22 Outro

Wie findet man den Mut, am Set zu benennen, wenn etwas nicht stimmt und somit den Fluss der Emotionen hindert? Birgit Minichmayr spricht mit Christian Schwochow, wie sie die Kunst in das ländliche zu Hause gebracht hat und wie entscheidend sie durch ihren Lehrer Klaus Maria Brandauer geprägt wurde. Wieviel Glück steckt in ihrer Karriere und wieviel Sorgfalt? Wie wichtig ist Vorbereitung? Diesen und andere Fragen nähern sich die beiden an, um dem Geheimnis der unbändigen Kraft dieser außergewöhnlichen Schauspielerin auf die Spur zu kommen, die immer von zwei Enden zu brennen scheint.

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Schnitt: Rainer Schwochow

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga Goossens

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:00:00 Intro

00:01:00 Biografie und: Der Mut zu benennen, wenn etwas nicht stimmt

00:09:29 Aufwachsen auf dem Land & in der Klosterschule und die Entwicklung der künstlerischen Ader

00:17:26 Die glückliche Zeit am Max Reinhardt Seminar und die inspirierende Ausbildung durch Klaus Maria Brandauer

00:34:21 Selbstzweifel und erste Dreherfahrung

00:42:29 Engagement am Burgtheater noch im dritten Studienjahr

00:49:57 „Der Fall Furtwängler" von István Szabó – allein unter Schwergewichten im Internationalen Film

00:58:18 Was brauchst Du von einer Regie? Über die Zugewandtheit und das Zulassen

01:05:06 Scham beim Spielen und die erste große Enttäuschung

01:09:57 Mit wie viel Vertrauen gehst Du in eine Arbeit? Wie viel sicherst Du Dich ab?

01:14:34 Rollenarbeit am Beispiel „Alle Anderen“

01:41:32 Erarbeiten einer historischen Figur bei „Mit einem Tiger schlafen“

02:15:17 Outro

Bettina Brokemper ist mit ihrer Produktionsfirma „Heimatfilm“ eine der wichtigsten unabhängigen Produzent:innen in Deutschland. Als erste, die in ihrer Arbeiterfamilie auf direktem Bildungsweg Abitur machen konnte und studiert hat, entdeckte sie bereits als Jungendliche ihre große Liebe zum Autor:innenkino. Mit Reality Fiction finanzierte sie ihr Studium und nach einem Stipendium und zweijähriger Arbeitserfahrung in LA kehrte sie in ihre Heimat zurück. Bettina Brokemper ist ein Arbeitstier, unerschrocken und begeistert, mit kölschem Humor und Gemüt (Et hätt noch immer jot jejange) kämpft sie um ihre Stoffe und bezeichnet sich selbst als Wadenbeißerin. Christian Schwochow spricht mit ihr über die Gründung der eigenen Firma, die achtjährige Entwicklungsphase von Hannah Arendt und über ihre Arbeit für Zentropa. Wütend über das Frauenbild in „Breaking the Waves“, konfrontierte sie Lars von Trier bei ihrer ersten Begegnung damit, wie unterirdisch sie seinen Film fand, was eine produktive Arbeit auf Augenhöhe mit einer guten Streitkultur schuf. Sie berichtet, warum sie allen Existenzgründer:innen rät, nicht zu wenig Geld zu beantragen, wie schwer sie es mit dem Film „Falsche Bekenner“ hatten und wie wichtig es ihr ist, ein Arbeitsumfeld zu schaffen, in dem sich alle ernst genommen und wahrgenommen fühlen und ihr Bestes geben können, dadurch dass ihre Bedürfnisse soweit wie möglich verstanden und akzeptiert werden.

Diese Folge von Close-up wird Euch von MUBI präsentiert, einem globalen, kuratierten Streaming-Dienst, Filmverleih und Produktionsfirma, die großartige und visionäre Filme aus der ganzen Welt zu Euch bringt.

Ab sofort könnt Ihr mit MUBI aber auch ins Kino gehen: Mit MUBI GO erhalten Mitglieder jede Woche ein kostenloses Kino-Ticket, um einen handverlesenen, neuen Film im Kino zu erleben. Als Close-up-Hörer:innen könnt Ihr MUBI, und damit für begrenzte Zeit auch MUBI GO, jetzt 30 Tage lang kostenlos ausprobieren: Unter MUBI.com/close-up. Für einen ganzen Monat großartiges Kino kostenlos.

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Foto: Heimatfilm

Schnitt: Rainer Schwochow

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga Goossens

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:07:57 Gretchenfrage – der Weg zum Film; Geld verdienen mit Reality Fiction

00:18:00 Filmhochschule in München

00:26:05 Stipendium in LA

00:36:58 Zurück in der Heimat in Köln – Neue Impuls Film

00:45:26 Arbeit für Zentropa – die Filme mit Lars von Trier (Dogville, Antichrist, Melancholia)

00:53:03 Gründung von Heimatfilm – „Falscher Bekenner“ mit Christoph Hochhäusler, Festivalbeitrag in Cannes

01:01:35 Auslaufen des Existenzgründerkredits, Schwieriger Start wegen knapper Kasse

01:07:28 Erfolg einschätzen und der zwischenmenschliche Aspekt am Produzieren, die gemeinsame Sprache

01:17:02 Die Werte von Heimatfilm

01:20:23 Umgang mit Lohnsteigerung

01:28:45 Was gibst Du jungen Filmstudierenden mit auf den Weg?

01:35:41 Über den achtjährigen Entwicklungsprozess von Hannah Arendt

Katja Riemann erzählt Susanne Bormann, wie sie nach einer tollen Zeit an der Schauspielschule fast Goldschmiedin geworden wäre, nachdem sie als Berufsanfängerin dem rauen Klima der Münchner Kammerspiele den Rücken gekehrt hat und wie dann mehr oder minder durch Zufall der Film in ihr Leben trat. Im Herzen eine Kämpferin, im Alltag eine schüchterne Teetrinkerin, wollte sie eigentlich immer nur spielen. In den 90ern wurde sie in einen Erfolg hineingeworfen, der sie schier überrollt hat. Sie war als junge Mutter nicht geübt darin, über Nacht völlig exponiert in der Öffentlichkeit zu stehen und ein Star zu sein. Es geht um die starke Abhängigkeit von Schauspielenden, darum, wie sich eine Figur Stück für Stück entwickelt, wenn man mit ihr schwanger geht, wie Spielende Emotionen für andere fühlbar und Gedanken sichtbar machen können sowie um die Kraft der Imagination. Ein Gespräch über die grosse Liebe zum Beruf und auch über dessen Schattenseiten.

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Foto: Mirjam Knickriem

Schnitt: Nicolai Ziel

Aufnahme: Nicolai Ziel

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga Goossens

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:01:06 Biografisches und aktuelle Arbeit am zweiten Sachbuch

00:10:02 Über die Castingsituation und den Sprung ins kalte Wasser mit jeder Figur

00:20:21 Eskapismus und Neugierde, Eintauchen in andere Charaktere

00:24:29 Weg zum Beruf und Kindheit / Emotionale Verbundenheit zu den Kolleg:innen und dem Publikum

00:33:24 Solidarität während des Schauspielstudiums und erste Theatererfahrungen geprägt vom Klima der Konkurrenz

00:47:06 Kometenhafter Erfolg nach „Abgeschminkt“, zum ersten Mal im Leben Teil „einer Gruppe“

00:57:29 „Ich wusste nicht, wie das geht ein Filmstar zu sein, wollte immer einfach nur Schauspielerin sein“ - Die schmerzhafte Schattenseite in der Öffentlichkeit zu stehen

01:09:21 Rollenarbeit und Dreh-Vorbereitung: Die Auswahl der Projekte

01:16:52 Annäherung an die Figur - schwanger gegen mit der Figur, Intuitiver Zugang

01:23:09 Die Entwicklung der Rolle über Kostüm und Requisiten

01:29:29 „Ich bin die Andere“ - Eine Frau mit drei multiplen Persönlichkeiten

01:39:25 „Relativitätstheorie der Liebe“ – Fünf unterschiedliche Figuren innerhalb eines Episodenfilms

01:46:06 Emotionale Vorbereitung

02:00:44 Coaching bei Katja und E-Casting

In der heutigen vierten Folge hat Christian Schwochow den Kameramann Florian Hoffmeister zu Gast. Sie sprechen über das erste Interesse an der Arbeit mit bewegten Bildern, den Anfängen des künstlerischen Ausdrucks und den Weg zur und die Zeit an der Filmhochschule. Sie sprechen über die Zusammenarbeit mit der Regie, u.a. Hannes Stöhr („Berlin is in Germany“) und Hendrik Handloegten („Paul is Dead“), über die Unterschiede in den Erfahrungen, die er in Deutschland und bei zahlreichen internationalen Projekten in England gesammelt hat und den Unterschied analog oder digital zu drehen. Besonders spannend wird es, wenn Florian Hoffmeister und Christian Schwochow über die Kameraarbeit bei „Tar“ sprechen, für die Hoffmeister in diesem Jahr seine erste Oscar-Nominierung erhalten hat. U.a. geht es darum, welche Vorbereitungen getroffen werden müssen, um eine mehr als zehnminütige Szene in einer Einstellung drehen zu können und wie hierbei die Zusammenarbeit mit dem Regisseur Todd Field und der Hauptdarstellerin Cate Blanchett aussah.

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Christian Schwochow Agentur

Schnitt: Rainer Schwochow

Aufnahme: Sonnenstudio

Musik: Martin Todsharow

Produktion: Deutsche Filmakademie e.V. / Jule Bartram, Inga Goossens

Technische Umsetzung: Sophie Niethe

Kapitel

00:01:06 Vom Dorf über die Musik zum Film

00:13:09 Glück und Anziehungskraft führten zum Beruf

00:21:35 Praktikumsplatz als Beleuchterhilfe am Set und Arbeit parallel zur Filmhochschule

00:29:35 Aus dem Mangel heraus Lernen - Erfahrungen sammeln während der Filmschule

00:35:26 Dogma-Stil vs. Gebaute Bilder

00:42:06 Was legt man vorher fest - Am Bespiel von „Tar“

01:12:37 Dialog mit den Schauspieler:innen, „Beauty-Light"

01:26:03 Mit Operator:innen drehen und hinterm Monitor sitzen vs. Selbst schwenken

01:34:05 Fünf Langfilme direkt nach dem Studium - Großartige Kontakte durch die DFFB

01:41:49 Shotlist vs. Intuitives Arbeiten

01:46:40 Zusammenarbeit mit Szenenbild & Kostümbild

01:51:53 Arbeit in England

02:02:57 Vereinbarkeit von Beruf und Familie