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TSP-Talk Archiv
90 Episoden
59 Minuten
Bilder vermitteln Gefühle: Warum Fotos uns emotional berühren
Warum wirken manche Fotos sofort – während andere trotz perfekter Technik leer bleiben? In dieser Episode spricht Thomas Seidl darüber, warum wir Bilder nicht nur sehen, sondern vor allem fühlen.
Im Fokus stehen Wahrnehmung, emotionale Bildsprache und die Frage, wie Fotografie echte Wirkung erzeugt – jenseits von Technik, Perfektion oder Effekten.
Kapitel
00:05 – Bilder fühlen lernen
09:56 – Gehirn & Emotion
15:45 – Gefühl vs. Kitsch
20:10 – People & Beziehung
25:24 – Schwarzweiß & Licht
30:41 – Komposition & Punctum
35:33 – Lernen von Meister:innen
45:44 – Serien & Sequencing
49:30 – Emotion gestalten
53:32 – Editing & Verantwortung
Research & Hintergründe
Emotion beeinflusst Wahrnehmung bereits beim Sehen selbst – relevante Inhalte werden stärker verarbeitet:
https://www.mrc-cbu.cam.ac.uk/bibliography/articles/6558/
Bilder mit „Impact“ aktivieren das emotionale Zentrum stärker – nicht nur wegen Intensität, sondern wegen Bedeutung:
https://pmc.ncbi.nlm.nih.gov/articles/PMC2686226/
Weitere Studie zur Aufmerksamkeit: Emotionale Bilder bekommen mehr kognitive Priorität als neutrale Inhalte:
https://www.academia.edu/15099469/Paying_attention_to_emotional_images_with_impact
Roland Barthes: Punctum – das Detail, das uns „trifft“ und Bilder persönlich macht:
https://aestheticsofphotography.com/camera-lucida-roland-barthes/
https://www.enotes.com/topics/camera-lucida
Diese Folge zeigt: Wirkung entsteht nicht durch Perfektion, sondern durch Nähe, Wahrhaftigkeit und Beobachtung. Fotografie ist weniger Technik – sondern Haltung.
Du lernst, warum starke Bilder oft leise sind, wie Licht als emotionale Sprache funktioniert und weshalb Beziehung wichtiger ist als Auslösung.
————————————————————————————————
Fragen oder Feedback?
Schickt mir gerne eine Audionachricht:
https://www.speakpipe.com/TSP_TALK
Schreib mir gerne: tse-photography@gmx.de
Folge mir auf Instagram:
https://www.instagram.com/tsephotolife
https://www.instagram.com/tsptalkderpodcast/
Homepage:
https://thomasseidl-photography.smugmug.com
Alle Folgen & mehr Infos:
https://open.spotify.com/show/6ReYc0LEnFya47AJXh851G
Warum wirken manche Fotos sofort – während andere trotz perfekter Technik leer bleiben? In dieser Episode spricht Thomas Seidl darüber, warum wir Bilder nicht nur sehen, sondern vor allem fühlen.
Im Fokus stehen Wahrnehmung, emotionale Bildsprache und die Frage, wie Fotografie echte Wirkung erzeugt – jenseits von Technik, Perfektion oder Effekten.
Kapitel
00:05 – Bilder fühlen lernen
09:56 – Gehirn & Emotion
15:45 – Gefühl vs. Kitsch
20:10 – People & Beziehung
25:24 – Schwarzweiß & Licht
30:41 – Komposition & Punctum
35:33 – Lernen von Meister:innen
45:44 – Serien & Sequencing
49:30 – Emotion gestalten
53:32 – Editing & Verantwortung
Research & Hintergründe
Emotion beeinflusst Wahrnehmung bereits beim Sehen selbst – relevante Inhalte werden stärker verarbeitet:
https://www.mrc-cbu.cam.ac.uk/bibliography/articles/6558/
Bilder mit „Impact“ aktivieren das emotionale Zentrum stärker – nicht nur wegen Intensität, sondern wegen Bedeutung:
https://pmc.ncbi.nlm.nih.gov/articles/PMC2686226/
Weitere Studie zur Aufmerksamkeit: Emotionale Bilder bekommen mehr kognitive Priorität als neutrale Inhalte:
https://www.academia.edu/15099469/Paying_attention_to_emotional_images_with_impact
Roland Barthes: Punctum – das Detail, das uns „trifft“ und Bilder persönlich macht:
https://aestheticsofphotography.com/camera-lucida-roland-barthes/
https://www.enotes.com/topics/camera-lucida
Diese Folge zeigt: Wirkung entsteht nicht durch Perfektion, sondern durch Nähe, Wahrhaftigkeit und Beobachtung. Fotografie ist weniger Technik – sondern Haltung.
Du lernst, warum starke Bilder oft leise sind, wie Licht als emotionale Sprache funktioniert und weshalb Beziehung wichtiger ist als Auslösung.
————————————————————————————————
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1 Stunde 36 Minuten
Was bedeutet Sterbebegleitung in Deutschland wirklich – und welchen Platz kann Fotografie am Lebensende einnehmen?
In dieser intensiven TSP‑Talk Episode spreche ich mit Sabine Stelzer (Sterbebegleiterin & End‑of‑Life Doula) über eine der sensibelsten Phasen unseres Lebens: das Sterben – und die Frage, wie Erinnerungen auch in den letzten Tagen eines Menschen entstehen können.
Sabine gibt ehrliche Einblicke in ihre Arbeit und zeigt, dass Sterbebegleitung vor allem eines bedeutet: Zeit schenken, Stille aushalten und Raum für Abschied schaffen. Wir sprechen über Rituale, Angehörige, Vorsorge, Entscheidungen und warum es so wichtig ist, sich frühzeitig mit dem eigenen Lebensende auseinanderzusetzen.
Ein zentraler Gedanke dieser Folge ist die Rolle von Fotografie als stille Form der Erinnerung. Warum hören wir oft auf zu fotografieren, sobald das Leben schwer wird? Und wie können Bilder – sensibel, dokumentarisch und würdevoll – helfen, Trauer zu verarbeiten und Nähe sichtbar zu machen?
Diese Episode verbindet zwei Perspektiven:
Menschliche Begleitung am Lebensende
Fotografie als Ausdruck von Erinnerung, Würde und Vergänglichkeit
Eine ruhige, ehrliche und wichtige Folge über Abschied, Erinnerung und das, was bleibt.
️ Kapitel
00:13 – Abschied mit Würde
01:38 – Begleitung am Lebensende
05:42 – Was Sterbebegleitung lehrt
13:09 – Vorsorge und Entscheidungen
21:02 – Ruhe, Stille, Präsenz
26:26 – Fotos als Erinnerungen
29:44 – Bilder für die Ewigkeit
35:57 – Ein letztes Fest
39:15 – Würdevoller Abschied
41:36 – Bilder in den letzten Tagen
44:15 – Sternenkinder & Erinnerung
51:47 – Würdige Bildsprache
59:33 – Tabus und Grenzen
1:04:33 – Fotos organisieren
1:13:06 – Übergabe mit Zeit
1:19:26 – Emotionen & Selbstfürsorge
1:26:51 – Über Tod sprechen
1:29:39 – Wertvolle Erinnerungen
1:32:09 – Hilfe finden
Links & Ressourcen
Sabine Stelzer (Sterbebegleitung & End‑of‑Life Doula)
https://www.sabinestelzer-wellnessoase.com
TSP‑Talk / Thomas Seidl
Podcast: https://open.spotify.com/show/6ReYc0LEnFya47AJXh851G Instagram:
https://www.instagram.com/tsephotolife
https://www.instagram.com/tsptalkderpodcast/
Website: https://thomasseidl-photography.smugmug.com
Audio-Nachricht: https://www.speakpipe.com/TSP_TALK
️ Endcredits
Wenn dir diese Episode gefallen hat, lass gern eine Bewertung da und teile den Podcast mit Menschen, für die dieses Thema wichtig sein könnte.
Wenn du Fragen hast oder deine Gedanken teilen möchtest, schreib mir jederzeit gerne.
Lasst euch inspirieren, genießt den Austausch, bleibt kreativ und Allzeit gut Licht!
Euer Thomas – TSP‑Talk
In dieser intensiven TSP‑Talk Episode spreche ich mit Sabine Stelzer (Sterbebegleiterin & End‑of‑Life Doula) über eine der sensibelsten Phasen unseres Lebens: das Sterben – und die Frage, wie Erinnerungen auch in den letzten Tagen eines Menschen entstehen können.
Sabine gibt ehrliche Einblicke in ihre Arbeit und zeigt, dass Sterbebegleitung vor allem eines bedeutet: Zeit schenken, Stille aushalten und Raum für Abschied schaffen. Wir sprechen über Rituale, Angehörige, Vorsorge, Entscheidungen und warum es so wichtig ist, sich frühzeitig mit dem eigenen Lebensende auseinanderzusetzen.
Ein zentraler Gedanke dieser Folge ist die Rolle von Fotografie als stille Form der Erinnerung. Warum hören wir oft auf zu fotografieren, sobald das Leben schwer wird? Und wie können Bilder – sensibel, dokumentarisch und würdevoll – helfen, Trauer zu verarbeiten und Nähe sichtbar zu machen?
Diese Episode verbindet zwei Perspektiven:
Menschliche Begleitung am Lebensende
Fotografie als Ausdruck von Erinnerung, Würde und Vergänglichkeit
Eine ruhige, ehrliche und wichtige Folge über Abschied, Erinnerung und das, was bleibt.
️ Kapitel
00:13 – Abschied mit Würde
01:38 – Begleitung am Lebensende
05:42 – Was Sterbebegleitung lehrt
13:09 – Vorsorge und Entscheidungen
21:02 – Ruhe, Stille, Präsenz
26:26 – Fotos als Erinnerungen
29:44 – Bilder für die Ewigkeit
35:57 – Ein letztes Fest
39:15 – Würdevoller Abschied
41:36 – Bilder in den letzten Tagen
44:15 – Sternenkinder & Erinnerung
51:47 – Würdige Bildsprache
59:33 – Tabus und Grenzen
1:04:33 – Fotos organisieren
1:13:06 – Übergabe mit Zeit
1:19:26 – Emotionen & Selbstfürsorge
1:26:51 – Über Tod sprechen
1:29:39 – Wertvolle Erinnerungen
1:32:09 – Hilfe finden
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Sabine Stelzer (Sterbebegleitung & End‑of‑Life Doula)
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TSP‑Talk / Thomas Seidl
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Euer Thomas – TSP‑Talk
31 Minuten
In dieser Soloepisode von TSP‑Talk tauchen wir tief in das Werk von Garry Winogrand ein – einem der prägendsten Namen der Streetfotografie und Dokumentarfotografie.Aber: Das hier ist keine „5 Tipps“-Folge. Es geht um Zweifel, Unsicherheit und um die Idee, dass Fotografie nicht nur abbildet, sondern verändert:Wie sieht die Welt aus, wenn wir ihr vier Kanten geben? Und was passiert, wenn wir Kontrolle bewusst loslassen?
Wir sprechen über Winogrands Biografie als kreativen Motor, über New Documents als Wendepunkt, über seine großen Werkblöcke(The Animals, Women Are Beautiful, Public Relations, Stock Photographs)und über die große Kontroverse: den Nachlass – und was Autorenschaft bedeutet, wenn Editieren plötzlich bei anderen liegt.Am Ende bekommst du zwölf Thesen (statt Tipps) und eine Beobachtungsübung, die dich zurück zu deinem eigenen Blick bringt.
In dieser Episode lernst du (ohne Rezept-Küche):
warum Winogrand Street nicht als Genre, sondern als Haltung versteht
wie Zweifel zu einem kreativen Werkzeug werden kann
was „New Documents“ für die Fotografie verändert hat
wie Ethik in der Streetfotografie ohne Moralkeule gedacht werden kann
warum Auswahl (Edit) ein Teil von Autorenschaft ist
Linkliste (episodenwichtig & klickbar):
MoMA – Garry Winogrand (Künstlerprofil)
ICP – Garry Winogrand (Archiv/Übersicht)
Britannica – Garry Winogrand (Biografie)
MoMA – Press Release (1988) / Retrospektive & Nachlass
Fraenkel Gallery – Garry Winogrand (Werküberblick)
Fraenkel Gallery – Public Relations (Projektkontext)
Wikipedia – Garry Winogrand (Überblick)
PBS – „Public Relations“ (American Masters Clip)
Kapitelmarken:
00:00:03.326 Ein Blick auf Garry Winogrand
00:01:54.285 Zweifel und Unsicherheit in der Fotografie
00:07:10.175 Biografie als Motor der Kreativität
00:11:19.213 New Documents: Ein Wendepunkt in der Fotografie
00:13:28.033 Technik als Werkzeug zur Wahrnehmung
00:15:52.089 Werkblöcke: Ein Blick auf Winogrands Bücher
00:18:07.953 Women are Beautiful: Provokation und Ethik
00:20:04.066 Public Relations: Inszenierung und Medien
00:21:40.933 Stock Photographs: Identität und Verhalten
00:22:55.713 Zwischenfazit: Zustände und soziale Situationen
00:25:11.166 Nachlass und Verantwortung der Autorenschaft
00:27:09.773 Zwölf Thesen aus Winogrands Werk
00:28:46.206 Eine Beobachtungsübung zur Selbstreflexion
Deine 7‑Tage‑Mini‑Challenge (kompakt):
Jeden Tag 20 Minuten raus – ohne Ziel, ohne Projekt.
Fotografiere nicht „für ein gutes Bild“, sondern für eine gute Frage.
Nach jeder Session: 1 Satz über dich (nicht über das Foto).
Feedback & Kontakt:
Podcast: https://open.spotify.com/show/6ReYc0LEnFya47AJXh851G Instagram:https://www.instagram.com/tsephotolifehttps://www.instagram.com/tsptalkderpodcast/
Website: https://thomasseidl-photography.smugmug.com
Audio-Nachricht: https://www.speakpipe.com/TSP_TALK
Wenn dir die Folge gefallen hat, freue ich mich über eine Bewertung bei Spotify/Apple Podcasts und wenn du TSP‑Talk abonnierst.Danke, dass du dabei bist – und: bleib kreativ. Allzeit gut Licht!
``
Wir sprechen über Winogrands Biografie als kreativen Motor, über New Documents als Wendepunkt, über seine großen Werkblöcke(The Animals, Women Are Beautiful, Public Relations, Stock Photographs)und über die große Kontroverse: den Nachlass – und was Autorenschaft bedeutet, wenn Editieren plötzlich bei anderen liegt.Am Ende bekommst du zwölf Thesen (statt Tipps) und eine Beobachtungsübung, die dich zurück zu deinem eigenen Blick bringt.
In dieser Episode lernst du (ohne Rezept-Küche):
warum Winogrand Street nicht als Genre, sondern als Haltung versteht
wie Zweifel zu einem kreativen Werkzeug werden kann
was „New Documents“ für die Fotografie verändert hat
wie Ethik in der Streetfotografie ohne Moralkeule gedacht werden kann
warum Auswahl (Edit) ein Teil von Autorenschaft ist
Linkliste (episodenwichtig & klickbar):
MoMA – Garry Winogrand (Künstlerprofil)
ICP – Garry Winogrand (Archiv/Übersicht)
Britannica – Garry Winogrand (Biografie)
MoMA – Press Release (1988) / Retrospektive & Nachlass
Fraenkel Gallery – Garry Winogrand (Werküberblick)
Fraenkel Gallery – Public Relations (Projektkontext)
Wikipedia – Garry Winogrand (Überblick)
PBS – „Public Relations“ (American Masters Clip)
Kapitelmarken:
00:00:03.326 Ein Blick auf Garry Winogrand
00:01:54.285 Zweifel und Unsicherheit in der Fotografie
00:07:10.175 Biografie als Motor der Kreativität
00:11:19.213 New Documents: Ein Wendepunkt in der Fotografie
00:13:28.033 Technik als Werkzeug zur Wahrnehmung
00:15:52.089 Werkblöcke: Ein Blick auf Winogrands Bücher
00:18:07.953 Women are Beautiful: Provokation und Ethik
00:20:04.066 Public Relations: Inszenierung und Medien
00:21:40.933 Stock Photographs: Identität und Verhalten
00:22:55.713 Zwischenfazit: Zustände und soziale Situationen
00:25:11.166 Nachlass und Verantwortung der Autorenschaft
00:27:09.773 Zwölf Thesen aus Winogrands Werk
00:28:46.206 Eine Beobachtungsübung zur Selbstreflexion
Deine 7‑Tage‑Mini‑Challenge (kompakt):
Jeden Tag 20 Minuten raus – ohne Ziel, ohne Projekt.
Fotografiere nicht „für ein gutes Bild“, sondern für eine gute Frage.
Nach jeder Session: 1 Satz über dich (nicht über das Foto).
Feedback & Kontakt:
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34 Minuten
Artemis II: Warum die NASA mit einer Nikon D5 (2016!) den Mond fotografiert
Kameras, Fototechnik & Workflow an Bord von Orion
Artemis II ist geflogen – und damit sind erstmals seit über 50 Jahren wieder Menschen am Mond vorbeigeflogen.
In dieser ausführlichen Solo‑Episode des TSP‑Talk schauen wir nicht nur auf die Mission selbst, sondern auf die Bilder, die dabei entstanden sind – und auf die überraschende Technik dahinter.
Denn statt ausschließlich modernster Mirrorless‑Kameras setzte die NASA auf eine Nikon D5, eine DSLR aus dem Jahr 2016. Warum greift man im Jahr 2026 zu einer „alten“ Kamera? Was bedeutet flight‑qualified wirklich? Und wie entstehen diese ikonischen Bilder technisch – durch Orion‑Fenster, gegen Reflexionen, bei extremem Kontrast und brutalem Space‑Light?
Eine Episode über Fotografie als Zeitgeschichte – Technik als Werkzeug, nicht als Selbstzweck.
Kapitelmarken
00:00 – Vorspann: Warum macht die NASA das?
01:20 – Artemis II: Ein historischer Flug
03:53 – Mission, Kontext & Flugprofil
06:59 – Bildkultur: Warum Raumfahrt Bilder braucht
10:14 – Der Kamera‑Plot‑Twist: Warum die Nikon D5?
13:46 – Werkzeugkasten an Bord: Wer fotografiert womit?
17:45 – Fotografische Herausforderungen im All
21:40 – Licht im Weltraum: Terminator, Earthset, Eclipse
26:25 – Workflow & Datenmanagement
29:18 – Lektionen für Fotografen: 10 Takeaways
32:10 – Community‑Frage & Outro
Linkliste zur Episode (für die Lauschis)
NASA – Artemis II Mission (offiziell)
https://www.nasa.gov/mission/artemis-ii/
NASA – Artemis II Multimedia (Bilder & Galerien)
https://www.nasa.gov/artemis-ii-multimedia/
Inside Artemis II: Kameras, Shroud & Linsen (JSC / Flight Ops)
https://www.click2houston.com/news/local/2026/04/08/inside-artemis-ii-the-cameras-capturing-those-stunning-new-close-ups-of-the-moon/
Warum die NASA eine Nikon D5 nutzt (flight‑qualified, Low‑Light, Strahlung)
https://petapixel.com/2026/02/24/artemis-ii-astronauts-will-bring-10-year-old-dslrs-with-them-to-the-moon/
ISO‑Praxis & Bildbeispiele mit der Nikon D5
https://petapixel.com/2026/04/06/the-10-year-old-nikon-d5-dslr-really-is-the-best-camera-for-artemis-ii/
10.000 Fotos in rund sieben Stunden – Einordnung & Auswahl
https://www.dpreview.com/articles/8108830485/artemis-ii-moon-mission-in-photos
Flyby‑Timeline: Earthset, Funk‑Blackout & Eclipse
https://skyandtelescope.org/astronomy-news/artemis-ii-lunar-flyby-key-moments/
Nikon x NASA: Z9 als Basis der HULC‑Kamera
https://www.nikon.com.sg/articles/press-release/mirrorless-goes-to-the-moon-nikon-enters-into-a-space-act-agreement-with-nasa-for-artemis-mission-support-with-the-nikon-z-9-camera
Orion Camera System (Artemis I als Referenz)
https://rdw.com/newsroom/redwires-camera-technology-enabling-stunning-imagery-during-artemis-i-mission/
TSP‑Talk – Credits & Links
TSP‑Talk – Podcast von Thomas Seidl
https://podcasters.spotify.com/pod/show/tsp-talk
Fotografie & Portfolio
https://thomasseidl-photography.smugmug.com
Linkliste / Ressourcen:• Instagram (Fotoprofil): https://www.instagram.com/tsephotolife
• Instagram (Podcast): https://www.instagram.com/tsptalkderpodcast/
• Portfolio/Website: https://thomasseidl-photography.smugmug.com
• Schicke mir gerne Audionachrichten für künftige Folgen: https://www.speakpipe.com/TSP_TALK
Kameras, Fototechnik & Workflow an Bord von Orion
Artemis II ist geflogen – und damit sind erstmals seit über 50 Jahren wieder Menschen am Mond vorbeigeflogen.
In dieser ausführlichen Solo‑Episode des TSP‑Talk schauen wir nicht nur auf die Mission selbst, sondern auf die Bilder, die dabei entstanden sind – und auf die überraschende Technik dahinter.
Denn statt ausschließlich modernster Mirrorless‑Kameras setzte die NASA auf eine Nikon D5, eine DSLR aus dem Jahr 2016. Warum greift man im Jahr 2026 zu einer „alten“ Kamera? Was bedeutet flight‑qualified wirklich? Und wie entstehen diese ikonischen Bilder technisch – durch Orion‑Fenster, gegen Reflexionen, bei extremem Kontrast und brutalem Space‑Light?
Eine Episode über Fotografie als Zeitgeschichte – Technik als Werkzeug, nicht als Selbstzweck.
Kapitelmarken
00:00 – Vorspann: Warum macht die NASA das?
01:20 – Artemis II: Ein historischer Flug
03:53 – Mission, Kontext & Flugprofil
06:59 – Bildkultur: Warum Raumfahrt Bilder braucht
10:14 – Der Kamera‑Plot‑Twist: Warum die Nikon D5?
13:46 – Werkzeugkasten an Bord: Wer fotografiert womit?
17:45 – Fotografische Herausforderungen im All
21:40 – Licht im Weltraum: Terminator, Earthset, Eclipse
26:25 – Workflow & Datenmanagement
29:18 – Lektionen für Fotografen: 10 Takeaways
32:10 – Community‑Frage & Outro
Linkliste zur Episode (für die Lauschis)
NASA – Artemis II Mission (offiziell)
https://www.nasa.gov/mission/artemis-ii/
NASA – Artemis II Multimedia (Bilder & Galerien)
https://www.nasa.gov/artemis-ii-multimedia/
Inside Artemis II: Kameras, Shroud & Linsen (JSC / Flight Ops)
https://www.click2houston.com/news/local/2026/04/08/inside-artemis-ii-the-cameras-capturing-those-stunning-new-close-ups-of-the-moon/
Warum die NASA eine Nikon D5 nutzt (flight‑qualified, Low‑Light, Strahlung)
https://petapixel.com/2026/02/24/artemis-ii-astronauts-will-bring-10-year-old-dslrs-with-them-to-the-moon/
ISO‑Praxis & Bildbeispiele mit der Nikon D5
https://petapixel.com/2026/04/06/the-10-year-old-nikon-d5-dslr-really-is-the-best-camera-for-artemis-ii/
10.000 Fotos in rund sieben Stunden – Einordnung & Auswahl
https://www.dpreview.com/articles/8108830485/artemis-ii-moon-mission-in-photos
Flyby‑Timeline: Earthset, Funk‑Blackout & Eclipse
https://skyandtelescope.org/astronomy-news/artemis-ii-lunar-flyby-key-moments/
Nikon x NASA: Z9 als Basis der HULC‑Kamera
https://www.nikon.com.sg/articles/press-release/mirrorless-goes-to-the-moon-nikon-enters-into-a-space-act-agreement-with-nasa-for-artemis-mission-support-with-the-nikon-z-9-camera
Orion Camera System (Artemis I als Referenz)
https://rdw.com/newsroom/redwires-camera-technology-enabling-stunning-imagery-during-artemis-i-mission/
TSP‑Talk – Credits & Links
TSP‑Talk – Podcast von Thomas Seidl
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Fotografie & Portfolio
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• Schicke mir gerne Audionachrichten für künftige Folgen: https://www.speakpipe.com/TSP_TALK
14 Minuten
Wir tauchen ein in die Welt von Lisette Model – von Wien über Paris nach New York: Nähe als Haltung, Spiegelungen als Membran und zentrale Werkgruppen wie Promenade des Anglais, Running Legs, Reflections und Coney Island Bather. Außerdem: Ausstellungstipp München – Kunstfoyer der Versicherungskammer Kulturstiftung (18.03.–05.07.2026).
Kapitelmarken
00:00 – Cold Open / Intro
00:30 – Einführung in Lisette Model
01:43 – Wer war Lisette Model? (Wien Paris New York)
02:27 – Vom Musiker zur Fotografin (Emigration, PM’s Weekly & Harper’s Bazaar, MoMA 1940)
03:31 – Die Kunst der Nähe
03:41 – Werkgruppen I: Promenade des Anglais (Nizza 1934–37)
05:24 – Werkgruppen II: Running Legs (MoMA‑Schlüsselblatt)
05:56 – Werkgruppen III: Reflections (Schaufenster als Bühne)
06:23 – Werkgruppen IV: Coney Island Bather (Würde, Präsenz, Humor)
08:05 – Methode & Haltung: „Never photograph…“ / „Shoot from the gut“
08:33 – Lehrerin & Mentorin (New School; Diane Arbus, Larry Fink)
10:12 – Was wir heute lernen können (Praxis‑Ableitungen)
10:35 – Ausstellung München: Daten, Ort, Öffnungszeiten, Eintritt
11:26 – Warum hingehen? (Kernwerkgruppen 1932–1959)
11:47 – Weitersehen/Weiterlesen (ICP, Moderna, MoMA, Britannica)
12:38 – Outro & Call‑to‑Action (Feedback, Insta, SpeakPipe)
Ausstellung – München (Kunstfoyer)
„Lisette Model“, 18.03.–05.07.2026 – Kunstfoyer der Versicherungskammer Kulturstiftung (Thierschplatz 6, 80538 München) – https://www.versicherungskammer-kulturstiftung.de/kunstfoyer/ausstellungen/lisette-model/Infos zur Ausstellung
https://www.versicherungskammer-kulturstiftung.de/kunstfoyer/Kunstfoyer – Übersicht/Programm
https://muenchen-ausstellungen.de/bayerische-versicherungskammer-ausstellungen-kunstfoyer/Öffnungszeiten & Eintritt (täglich 10–18 Uhr, Mi geschlossen, Fr bis 20 Uhr, Eintritt frei)
Weitersehen & Weiterlesen
Biografie/Archive
https://www.icp.org/browse/archive/constituents/lisette-modelInternational Center of Photography – Künstlerprofil
https://www.modernamuseet.se/stockholm/en/exhibitions/arbus-model-stromholm/lisette-model/Moderna Museet – Chronologie (Arbus/Model/Strömholm)
https://www.britannica.com/biography/Lisette-ModelBritannica – Überblick
Werkgruppen & Einzelwerke
Promenade des Anglais: https://www.metmuseum.org/art/collection/search/265240Metropolitan Museum of Art · https://www.nga.gov/artworks/71871-promenade-des-anglais.htmlNational Gallery of Art · https://www.gallery.ca/collection/artwork/promenade-des-anglais-nice-1National Gallery of Canada
Running Legs (1940–41): https://www.moma.org/collection/works/83851MoMA – Werkdatensatz
Coney Island Bather: https://www.fundacionmapfre.org/en/art-and-culture/collections/lisette-model/coney-island-bather-new-york/Fundación MAPFRE · https://www.clevelandart.org/art/1987.219Cleveland Museum of Art
Call‑to‑Action & Kontakt
https://www.speakpipe.com/TSP_TALKAudionachricht senden (SpeakPipe)
mailto:tse-photography@gmx.deE‑Mail: tse‑photography@gmx.de
Instagram (Fotoprofil)
Kapitelmarken
00:00 – Cold Open / Intro
00:30 – Einführung in Lisette Model
01:43 – Wer war Lisette Model? (Wien Paris New York)
02:27 – Vom Musiker zur Fotografin (Emigration, PM’s Weekly & Harper’s Bazaar, MoMA 1940)
03:31 – Die Kunst der Nähe
03:41 – Werkgruppen I: Promenade des Anglais (Nizza 1934–37)
05:24 – Werkgruppen II: Running Legs (MoMA‑Schlüsselblatt)
05:56 – Werkgruppen III: Reflections (Schaufenster als Bühne)
06:23 – Werkgruppen IV: Coney Island Bather (Würde, Präsenz, Humor)
08:05 – Methode & Haltung: „Never photograph…“ / „Shoot from the gut“
08:33 – Lehrerin & Mentorin (New School; Diane Arbus, Larry Fink)
10:12 – Was wir heute lernen können (Praxis‑Ableitungen)
10:35 – Ausstellung München: Daten, Ort, Öffnungszeiten, Eintritt
11:26 – Warum hingehen? (Kernwerkgruppen 1932–1959)
11:47 – Weitersehen/Weiterlesen (ICP, Moderna, MoMA, Britannica)
12:38 – Outro & Call‑to‑Action (Feedback, Insta, SpeakPipe)
Ausstellung – München (Kunstfoyer)
„Lisette Model“, 18.03.–05.07.2026 – Kunstfoyer der Versicherungskammer Kulturstiftung (Thierschplatz 6, 80538 München) – https://www.versicherungskammer-kulturstiftung.de/kunstfoyer/ausstellungen/lisette-model/Infos zur Ausstellung
https://www.versicherungskammer-kulturstiftung.de/kunstfoyer/Kunstfoyer – Übersicht/Programm
https://muenchen-ausstellungen.de/bayerische-versicherungskammer-ausstellungen-kunstfoyer/Öffnungszeiten & Eintritt (täglich 10–18 Uhr, Mi geschlossen, Fr bis 20 Uhr, Eintritt frei)
Weitersehen & Weiterlesen
Biografie/Archive
https://www.icp.org/browse/archive/constituents/lisette-modelInternational Center of Photography – Künstlerprofil
https://www.modernamuseet.se/stockholm/en/exhibitions/arbus-model-stromholm/lisette-model/Moderna Museet – Chronologie (Arbus/Model/Strömholm)
https://www.britannica.com/biography/Lisette-ModelBritannica – Überblick
Werkgruppen & Einzelwerke
Promenade des Anglais: https://www.metmuseum.org/art/collection/search/265240Metropolitan Museum of Art · https://www.nga.gov/artworks/71871-promenade-des-anglais.htmlNational Gallery of Art · https://www.gallery.ca/collection/artwork/promenade-des-anglais-nice-1National Gallery of Canada
Running Legs (1940–41): https://www.moma.org/collection/works/83851MoMA – Werkdatensatz
Coney Island Bather: https://www.fundacionmapfre.org/en/art-and-culture/collections/lisette-model/coney-island-bather-new-york/Fundación MAPFRE · https://www.clevelandart.org/art/1987.219Cleveland Museum of Art
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3 Minuten
In dieser kompakten Zwischenfolge stelle ich FOTO‑RADAR vor – mein wöchentliches 15‑Minuten‑Briefing mit 5 kuratierten Foto‑News & Trends ohne Hype, aber mit Einordnung für deinen Workflow. Neben globalen Themen setze ich Schwerpunkte in Deutschland und regional – besonders München & Regensburg (Ausstellungen, Eröffnungen, „Last Chance“). Dazu gibt’s jede Woche einen Bildband der Woche mit Lesestrategie & direktem Praxistransfer. FOTO‑RADAR ergänzt TSP‑Talk: Hier bleibt es tief & persönlich, dort bekommst du die Essenz der Woche – strukturiert, mit Shownotes & Sprungmarken.
Kapitelmarken
00:00 – Intro & Kontext
00:08 – Einführung in FOTO‑RADAR (Was, warum, für wen)
00:18 – Konzept & Struktur (5 News/Trends; global national regional; Bildband der Woche; klare Shownotes)
01:31 – Ergänzung zu TSP‑Talk (Deep‑Dive bleibt; Weekly‑Essenz via FOTO‑RADAR)
01:46 – TSP‑Talk Podcast ist zurück (neue Staffel)
01:54 – Interaktion & Community (SpeakPipe‑Audios, E‑Mails, Ausstellungs‑Tipps/Fragen)
02:49 – Schluss & Ausblick (sonntags TSP‑Talk, montags FOTO‑RADAR)
Link Foto-Radar:
https://podcasts.apple.com/sg/podcast/foto-radar/id1883193084
https://open.spotify.com/show/5bk0GmAEjuNkKMb9cCu56J?si=bcd6c3e2d92e44b4
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30 Minuten
Heute nehme ich dich mit in die Badewanne – als kreativen Raum für Fotografie‑Gedanken: Wasser als Lichtspur in Schwarz‑Weiß, Haltung zu KI zwischen Aufnahme und „digitaler Dunkelkammer“, Drohnen als Fine‑Art‑Werkzeug und die Wucht großformatiger Porträts (u. a. Bruce Gilden). Ich kommentiere meine O‑Töne, ordne ein und gebe dir konkrete Denkanstöße für Bildidee, Workflow und Präsentation.
Zitate:
• „Keine große Dramaturgie, kein Studio – nur Wasser, Zeit und Fotografie.“
• „Wasserflächen werden zu Tonwertbändern: Sie ziehen den Blick und strukturieren die Szene.“
• „Der Top‑Down‑Blick abstrahiert – Flüsse werden Kalligrafie, Felder Geometrie.“
Takeaways:
• Wasser bewusst als führende Tonwert‑„Straße“ in SW‑Kompositionen einsetzen.
• KI klar trennen: keine Content‑Erfindung in Reportage, aber smarte Masken/Denoise als Handwerk.
• Drohnen nur als Werkzeug – Fine Art entsteht aus Idee, Serie und Printqualität.
• Print wirkt im Raum anders als on‑screen: Größe, Papier und Abstand entscheiden.
Kapitelmarker:
(00:00) Cold Open – Wasser, Zeit & Fotografie
(00:25) Begrüßung aus der Badewanne
(02:52) Einleitung & fünf Stationen
(03:55) Wasser als Lichtspur (SW‑Komposition)
(07:30) KI: Aufnahme, Authentizität, Transparenz
(10:06) Postproduktion & Ethik („digitale Dunkelkammer“)
(12:24) Masking & AI‑Denoise im Workflow
(14:16) Drohnen: Perspektive von oben
(17:37) Fine‑Art‑Gedanke & Wettbewerbe
(19:12) Bruce Gilden: Nähe, Blitz, „Faces“
(25:09) Emotionen in großen Prints
(27:13) Abschluss & Hörerfragen
(28:36) Outro
Linkliste / Ressourcen:
• Instagram (Fotoprofil): https://www.instagram.com/tsephotolife
• Instagram (Podcast): https://www.instagram.com/tsptalkderpodcast/
• Portfolio/Website: https://thomasseidl-photography.smugmug.com
• Blogbeitrag zur Episode:
https://open.substack.com/pub/tsptalk/p/kreative-gedanken-in-der-badewanne?r=dcgrr&utm_campaign=post&utm_medium=web&showWelcomeOnShare=true
• Schicke mir gerne Audionachrichten für künftige Folgen: https://www.speakpipe.com/TSP_TALK
Credits:
Host & Produktion: Thomas Seidl – TSP‑Talk.
Call‑to‑Action:
Wenn dir die Folge geholfen hat, abonniere TSP‑Talk, teile sie mit Freund*innen aus der Fotografie und hinterlasse mir deine Gedanken – besonders zu Wasser als Leitmotiv, Drohnen‑Fine‑Art und Printformaten.
Zitate:
• „Keine große Dramaturgie, kein Studio – nur Wasser, Zeit und Fotografie.“
• „Wasserflächen werden zu Tonwertbändern: Sie ziehen den Blick und strukturieren die Szene.“
• „Der Top‑Down‑Blick abstrahiert – Flüsse werden Kalligrafie, Felder Geometrie.“
Takeaways:
• Wasser bewusst als führende Tonwert‑„Straße“ in SW‑Kompositionen einsetzen.
• KI klar trennen: keine Content‑Erfindung in Reportage, aber smarte Masken/Denoise als Handwerk.
• Drohnen nur als Werkzeug – Fine Art entsteht aus Idee, Serie und Printqualität.
• Print wirkt im Raum anders als on‑screen: Größe, Papier und Abstand entscheiden.
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(00:25) Begrüßung aus der Badewanne
(02:52) Einleitung & fünf Stationen
(03:55) Wasser als Lichtspur (SW‑Komposition)
(07:30) KI: Aufnahme, Authentizität, Transparenz
(10:06) Postproduktion & Ethik („digitale Dunkelkammer“)
(12:24) Masking & AI‑Denoise im Workflow
(14:16) Drohnen: Perspektive von oben
(17:37) Fine‑Art‑Gedanke & Wettbewerbe
(19:12) Bruce Gilden: Nähe, Blitz, „Faces“
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(27:13) Abschluss & Hörerfragen
(28:36) Outro
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Host & Produktion: Thomas Seidl – TSP‑Talk.
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1 Stunde 49 Minuten
In dieser Folge spreche ich mit Olaf Schatta über seine Reise vom Hobbyfotografen zur Gründung eines Streetfotografie‑Kollektivs. Wir reden über die Magie des Moments, den Einfluss der Leica M (Haptik, Messsucher, Werteerhalt), bewusste Reduktion von Technik und warum Bildbesprechungen & Community die eigene Fotografie massiv nach vorne bringen. Dazu: ehrliche Einblicke in 28 mm vs. 35/50 mm, Zone‑Fokus, Jagen vs. Fischen in der Street und ein realistischer Blick auf Social Media.
Wenn dich Streetfotografie, Leica‑Look und gelebte Praxis interessieren – diese Episode ist für dich.
Kapitelmarker:
(00:00) Intro & Teaser
(00:07) Vom ersten Klick bis zum Kollektiv
(00:41) Olafs Weg in die Fotografie
(03:57) Erster Wettbewerb & der „Jetzt‑erst‑recht“-Effekt
(07:31) „Fotografie beginnt im Kopf“ – Warm‑schießen & Denken in Licht
(12:27) Von Produkt‑ zu Streetfotografie
(17:59) Technische Reise: Canon R‑System Leica
(28:17) Leica M: Haptik, Monochrom & Messsucher‑Mindset
(34:15) Persönliche Herausforderung: Fokus, Brille, Ruhe finden
(43:07) Werteerhalt & Objektivwahl: Summicron vs. Summilux
(50:50) Sony A7CII: Familien‑ & Alltagskamera
(54:10) 35 mm vs. 50 mm – was wann funktioniert
(57:56) Befreiung durch Reduktion: ein Setup, ein Look
(01:07:59) Streetfotografie: Der Moment zählt (nicht die Perfektion)
(01:15:57) Strategien: Jagen vs. Fischen in der Street
(01:16:48) 28 mm Komfort vs. 50 mm Nähe
(01:17:38) Begegnungen, Etikette & Datenschutz auf der Straße
(01:21:17) Kollektiv gründen: Motivation, Walks, erste Ausstellungen
(01:23:36) Instagram als Impulsgeber – warum echte Betrachtung offline passiert
(01:37:31) Bildbesprechungen: Lernen durch ehrliche Kritik
(01:40:42) Gruppendynamik, Freundschaft & gemeinsame Projekte
(01:48:22) Schlusswort & Verabschiedung
Zitate:
„Fotografie beginnt im Kopf, bevor man die Kamera in die Hand nimmt.“ – Thomas Seidl
„Für mich ist der Weg manchmal wichtiger als das Foto.“ – Olaf Schatta
„Mit der Leica gehe ich bewusst fotografieren.“ – Olaf Schatta
Takeaways:
Moment > Perfektion: Street lebt vom Augenblick.
Reduktion befreit: Ein Body, ein Objektiv.
Leica-Mindset: Achtsamkeit statt Autofokus.
Community schlägt Algorithmus: Kollektiv & Walks.
Social Media = Impulsgeber, echte Betrachtung offline.
Links:
Blogpost zu dieser Episode:
https://open.substack.com/pub/tsptalk/p/olaf-schatta-uber-streetfotografie?r=dcgrr&utm_campaign=post&utm_medium=web&showWelcomeOnShare=true
Olaf Schatta:
https://www.instagram.com/olaf.street/
Podcast: https://open.spotify.com/show/6ReYc0LEnFya47AJXh851G
Instagram:
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https://www.instagram.com/tsptalkderpodcast/
Website: https://thomasseidl-photography.smugmug.com
Audio-Nachricht: https://www.speakpipe.com/TSP_TALK
Hat dir die Episode gefallen? Abonniere TSP-Talk, teile die Folge und lass eine Bewertung da. Für Feedback: tse-photography@gmx.de. Ich freue mich besonders über eure Audio-Nachrichten: https://www.speakpipe.com/TSP_TALK
Bleib kreativ – und allzeit gutes Licht!
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(00:07) Vom ersten Klick bis zum Kollektiv
(00:41) Olafs Weg in die Fotografie
(03:57) Erster Wettbewerb & der „Jetzt‑erst‑recht“-Effekt
(07:31) „Fotografie beginnt im Kopf“ – Warm‑schießen & Denken in Licht
(12:27) Von Produkt‑ zu Streetfotografie
(17:59) Technische Reise: Canon R‑System Leica
(28:17) Leica M: Haptik, Monochrom & Messsucher‑Mindset
(34:15) Persönliche Herausforderung: Fokus, Brille, Ruhe finden
(43:07) Werteerhalt & Objektivwahl: Summicron vs. Summilux
(50:50) Sony A7CII: Familien‑ & Alltagskamera
(54:10) 35 mm vs. 50 mm – was wann funktioniert
(57:56) Befreiung durch Reduktion: ein Setup, ein Look
(01:07:59) Streetfotografie: Der Moment zählt (nicht die Perfektion)
(01:15:57) Strategien: Jagen vs. Fischen in der Street
(01:16:48) 28 mm Komfort vs. 50 mm Nähe
(01:17:38) Begegnungen, Etikette & Datenschutz auf der Straße
(01:21:17) Kollektiv gründen: Motivation, Walks, erste Ausstellungen
(01:23:36) Instagram als Impulsgeber – warum echte Betrachtung offline passiert
(01:37:31) Bildbesprechungen: Lernen durch ehrliche Kritik
(01:40:42) Gruppendynamik, Freundschaft & gemeinsame Projekte
(01:48:22) Schlusswort & Verabschiedung
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„Fotografie beginnt im Kopf, bevor man die Kamera in die Hand nimmt.“ – Thomas Seidl
„Für mich ist der Weg manchmal wichtiger als das Foto.“ – Olaf Schatta
„Mit der Leica gehe ich bewusst fotografieren.“ – Olaf Schatta
Takeaways:
Moment > Perfektion: Street lebt vom Augenblick.
Reduktion befreit: Ein Body, ein Objektiv.
Leica-Mindset: Achtsamkeit statt Autofokus.
Community schlägt Algorithmus: Kollektiv & Walks.
Social Media = Impulsgeber, echte Betrachtung offline.
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1 Stunde 16 Minuten
In dieser Folge von TSP-Talk spricht Host Thomas Seidl mit der Streetfotografin Christina Förster aus Aachen. Christina teilt ihre persönliche Reise von den ersten Schritten in der Fotografie bis hin zu ihrem unverwechselbaren Stil, der durch Minimalismus, grafische Elemente und den sensiblen Umgang mit Persönlichkeitsrechten geprägt ist.
Wir beleuchten nicht nur die Definition von Streetfotografie, sondern auch die Frage: Kunst oder Dokumentation?Außerdem geht es um Technik, Workflow, Community und die Herausforderungen, die entstehen, wenn man den perfekten Moment sucht.
Catch
Was macht Streetfotografie so faszinierend? Ist es der spontane Moment, das Spiel von Licht und Schatten oder die künstlerische Freiheit, die sich zwischen Linien und Formen entfaltet? In dieser Episode tauchen wir mit Christina Förster tief in die Welt der Streetfotografie ein – und entdecken, warum sie mehr ist als nur das schnelle Drücken des Auslösers.
Takeaways
Christinas Werdegang – Vom Lockdown zur Leidenschaft für Streetfotografie
Stil & Philosophie – Warum Minimalismus, Licht und Schatten ihre Bildsprache prägen
Technik & Ausrüstung – Fuji X-T5, Festbrennweiten und warum sie Automatik meidet
Workflow & Nachbearbeitung – Bildauswahl, Cropping und der Weg zur Harmonie
Community & Sichtbarkeit – Instagram, Ausstellungen und Limited Prints
Ethik & Persönlichkeitsrechte – Wie Christina Grenzen setzt und trotzdem kreativ bleibt
Zukunft der Streetfotografie – Trends, Experimente und die Rolle von KI
Kapitelmarken
(00:00) Teaser & Intro – Warum Streetfotografie mehr ist als ein Schnappschuss
(01:01) Christinas fotografische Reise – Vom Lockdown zur Leidenschaft
(06:41) Das erste bewusste Foto – Ein Bächleboot und ein Aha-Moment
(10:06) Definition von Streetfotografie – Zufall, Instinkt und öffentlicher Raum
(13:12) Kunst oder Dokumentation? – Christinas Sichtweise
(14:33) Grenzen & Persönlichkeitsrechte – Ethik in der Streetfotografie
(20:57) Spontan oder inszeniert? – Wie viel Planung erlaubt ist
(22:28) Humor in Bildern – Absicht oder Zufall?
(27:22) Christinas Stil – Minimalismus, Harmonie und der perfekte Moment
(31:12) Schwarz-Weiß oder Farbe? – Wann welche Entscheidung fällt
(33:31) Wiederkehrende Motive & Licht – Linien, Formen und Experimente
(38:09) Experimentieren mit Licht & Schatten – Herausforderungen und Ideen
(41:39) Technik & Ausrüstung – Fuji X-T5, Festbrennweiten und Objektivwahl
(52:22) Bildzuschnitt & künstlerische Freiheit – Regeln und Ausnahmen
(56:39) Community & Instagram – Sichtbarkeit, Austausch und Motivation
(1:01:46) Der Weg zur Anerkennung – Ausstellungen, Magazine und Limited Prints
(1:07:17) Perfekte Drucke & Präsentation – Papier, Rahmen und Ästhetik
(1:13:44) Fazit & Ausblick – Tipps für Einsteiger und Christinas Zukunftspläne
Warum du reinhören solltest
Diese Episode ist ein Muss für alle, die Streetfotografie lieben, sich für kreative Prozesse interessieren oder einfach Inspiration für den eigenen fotografischen Weg suchen. Christina zeigt, wie man mit Respekt, Intuition und TechnikBilder schafft, die Geschichten erzählen – ohne laut zu sein.
Jetzt reinhören und inspirieren lassen!
Christina auf Instagram: @xiefoe
Blogbeitrag zu dieser Episode:
https://open.substack.com/pub/tsptalk/p/christina-forster-uber-stereofotografie?r=dcgrr&utm_campaign=post&utm_medium=web&showWelcomeOnShare=true
#Streetfotografie #ChristinaFörster #FotografiePodcast #TSPTalk #FujiX #FotografieTipps #KreativeProzesse #PeopleFotografie #Reportagefotografie #FotografieCommunity #FotografieInspiration #LichtUndSchatten #MinimalismusInDerFotografie #Fujifilm #Leica #LeicaM11
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Wir beleuchten nicht nur die Definition von Streetfotografie, sondern auch die Frage: Kunst oder Dokumentation?Außerdem geht es um Technik, Workflow, Community und die Herausforderungen, die entstehen, wenn man den perfekten Moment sucht.
Catch
Was macht Streetfotografie so faszinierend? Ist es der spontane Moment, das Spiel von Licht und Schatten oder die künstlerische Freiheit, die sich zwischen Linien und Formen entfaltet? In dieser Episode tauchen wir mit Christina Förster tief in die Welt der Streetfotografie ein – und entdecken, warum sie mehr ist als nur das schnelle Drücken des Auslösers.
Takeaways
Christinas Werdegang – Vom Lockdown zur Leidenschaft für Streetfotografie
Stil & Philosophie – Warum Minimalismus, Licht und Schatten ihre Bildsprache prägen
Technik & Ausrüstung – Fuji X-T5, Festbrennweiten und warum sie Automatik meidet
Workflow & Nachbearbeitung – Bildauswahl, Cropping und der Weg zur Harmonie
Community & Sichtbarkeit – Instagram, Ausstellungen und Limited Prints
Ethik & Persönlichkeitsrechte – Wie Christina Grenzen setzt und trotzdem kreativ bleibt
Zukunft der Streetfotografie – Trends, Experimente und die Rolle von KI
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(01:01) Christinas fotografische Reise – Vom Lockdown zur Leidenschaft
(06:41) Das erste bewusste Foto – Ein Bächleboot und ein Aha-Moment
(10:06) Definition von Streetfotografie – Zufall, Instinkt und öffentlicher Raum
(13:12) Kunst oder Dokumentation? – Christinas Sichtweise
(14:33) Grenzen & Persönlichkeitsrechte – Ethik in der Streetfotografie
(20:57) Spontan oder inszeniert? – Wie viel Planung erlaubt ist
(22:28) Humor in Bildern – Absicht oder Zufall?
(27:22) Christinas Stil – Minimalismus, Harmonie und der perfekte Moment
(31:12) Schwarz-Weiß oder Farbe? – Wann welche Entscheidung fällt
(33:31) Wiederkehrende Motive & Licht – Linien, Formen und Experimente
(38:09) Experimentieren mit Licht & Schatten – Herausforderungen und Ideen
(41:39) Technik & Ausrüstung – Fuji X-T5, Festbrennweiten und Objektivwahl
(52:22) Bildzuschnitt & künstlerische Freiheit – Regeln und Ausnahmen
(56:39) Community & Instagram – Sichtbarkeit, Austausch und Motivation
(1:01:46) Der Weg zur Anerkennung – Ausstellungen, Magazine und Limited Prints
(1:07:17) Perfekte Drucke & Präsentation – Papier, Rahmen und Ästhetik
(1:13:44) Fazit & Ausblick – Tipps für Einsteiger und Christinas Zukunftspläne
Warum du reinhören solltest
Diese Episode ist ein Muss für alle, die Streetfotografie lieben, sich für kreative Prozesse interessieren oder einfach Inspiration für den eigenen fotografischen Weg suchen. Christina zeigt, wie man mit Respekt, Intuition und TechnikBilder schafft, die Geschichten erzählen – ohne laut zu sein.
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1 Stunde 36 Minuten
Festivalfilm, Backstage‑Emotionen & Social‑Media‑Strategie: Mit Maximilian Jecker sprechen wir über seinen Weg vom Partyfotografen zum Festivalfilmer, Storytelling statt Perfektion, DaVinci Resolve & Blackmagic‑Workflows, DJI‑Setups, Sichtbarkeit auf Social Media, Fehlerkultur und warum seine Kinodoku auf der größten IMAX‑Leinwand lief.
Maximilian Jecker ist Fotograf, Videograf und Social‑Media‑Stratege – und jemand, der die deutschsprachige Festival‑ und Ballermann‑Szene über Jahre von innen begleitet hat. In dieser Episode sprechen wir über seinen Weg vom Partyfotografen zum Festivalfilmer, über Storytelling statt Perfektion, Fehlerkultur, Sichtbarkeit im Netz und darüber, warum Nähe zum Menschen die stärksten Bilder ermöglicht. Max erzählt, wie Clubhouse und Instagram‑Filter während der Corona‑Zeit zur beruflichen Wende führten, warum er DaVinci Resolve und Blackmagicnutzt, wo DJI‑Lösungen für ihn Sinn ergeben und wie seine erste Kinodoku ausgerechnet auf der größten IMAX‑Leinwand der Welt in Leonberg lief.
Wir gehen tief rein in Eventfotografie & Künstlerbegleitung: von Backstage‑Emotionen und langen Wartestrecken auf Tour bis zu Postproduktion, Datenmengen und Social‑Media‑Formaten, die wirklich funktionieren. Außerdem: Analog vs. Digital, Leica‑Look, Mittelformat‑Gedanken, Fisheye‑Experimente im Wahlkampf und die Frage, wie man zwischen Nähe und Nicht‑Stören die Balance hält.
Zitate aus der Folge:
„Bilder sind für mich mehr Emotionen als gesehen zu werden.“
„Nicht die Perfektion zählt – sondern, ob das Gefühl ankommt.“
„Storytelling entsteht im Davor und Danach – nicht nur im Peak‑Moment.“
Takeaways:
Authentizität schlägt Perfektion
Nähe & Vertrauen sind Schlüssel für echte Emotionen
Social Media ist Fluch & Segen – aber unverzichtbar
Fehler sind Chancen, wenn man offen damit umgeht
Kapitel:
(00:00) Intro: Vom Partyfotografen zum Festivalfilmer
(00:05) Ein kreativer Weg zum Festivalfilmer
(00:15) Die Anfänge der Fotografie
(07:29) Der Wendepunkt während Corona
(08:35) Wie Clubhouse & Instagram‑Filter Türen öffneten
(12:24) Tour‑Leben: 3000 km‑Wochenenden, Backstage & Alltag
(15:44) Emotionen hinter der Kamera: Nähe als Schlüssel
(18:39) Eventfotografie: Druck, Dauerbereitschaft & Warten
(22:28) Persönlicher Bezug zu Künstler:innen – warum er zählt
(26:25) Storytelling in Serie: Rituale, Details & „Schnürsenkel‑Momente“
(29:43) Nähe vs. Nicht‑Stören: die Balance im Team
(30:51) Kreative Handschrift & Technik: Leica‑Look, Fisheye‑Ideen
(33:48) Canon + Blackmagic: Optiken, EF‑Mount & Workflows
(35:49) Tools im Einsatz: Gyro‑Stabi, 360‑Kamera, Drohnen‑Ersatz
(41:43) Der Weg zur Kinoproduktion
(43:53) Emotionen auf der großen Leinwand (IMAX)
(47:26) Interviews führen: Chancen & Fallstricke
(47:32) Fotografie vs. Filmmaking: Blick schärfen, Aufbau/Abbau
(49:49) Social Media: Formate, Redaktionspläne & Kennzahlen
(51:26) Analog vs. Digital: Erfahrung, Look & Praxis
(54:38) Analoge Entwicklung – Erlebnis statt Geschwindigkeit
(59:10) Fehlerkultur: offen bleiben, lernen, besser werden
(01:19:28) Unwiederbringliche Momente – und wie man sie absichert
(01:27:00) Ausblick: Agentur, Strategie & weniger Wochenenden
(01:34:32) Abschluss & persönliche Reflexionen
Zur Person:
Maximilian Jecker – https://maximilianj.de
Tags:
#TSPTalk #MaximilianJecker #Festivalfilmer #Eventfotografie #Storytelling #DaVinciResolve #Blackmagic #DJI #IMAX #SocialMedia #Analogfotografie #Digitalfotografie #LeicaLook #Podcast #FotografiePodcast #Videografie #Backstage #Authentizität #Kreativität #Leica #LeicaM11
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Maximilian Jecker ist Fotograf, Videograf und Social‑Media‑Stratege – und jemand, der die deutschsprachige Festival‑ und Ballermann‑Szene über Jahre von innen begleitet hat. In dieser Episode sprechen wir über seinen Weg vom Partyfotografen zum Festivalfilmer, über Storytelling statt Perfektion, Fehlerkultur, Sichtbarkeit im Netz und darüber, warum Nähe zum Menschen die stärksten Bilder ermöglicht. Max erzählt, wie Clubhouse und Instagram‑Filter während der Corona‑Zeit zur beruflichen Wende führten, warum er DaVinci Resolve und Blackmagicnutzt, wo DJI‑Lösungen für ihn Sinn ergeben und wie seine erste Kinodoku ausgerechnet auf der größten IMAX‑Leinwand der Welt in Leonberg lief.
Wir gehen tief rein in Eventfotografie & Künstlerbegleitung: von Backstage‑Emotionen und langen Wartestrecken auf Tour bis zu Postproduktion, Datenmengen und Social‑Media‑Formaten, die wirklich funktionieren. Außerdem: Analog vs. Digital, Leica‑Look, Mittelformat‑Gedanken, Fisheye‑Experimente im Wahlkampf und die Frage, wie man zwischen Nähe und Nicht‑Stören die Balance hält.
Zitate aus der Folge:
„Bilder sind für mich mehr Emotionen als gesehen zu werden.“
„Nicht die Perfektion zählt – sondern, ob das Gefühl ankommt.“
„Storytelling entsteht im Davor und Danach – nicht nur im Peak‑Moment.“
Takeaways:
Authentizität schlägt Perfektion
Nähe & Vertrauen sind Schlüssel für echte Emotionen
Social Media ist Fluch & Segen – aber unverzichtbar
Fehler sind Chancen, wenn man offen damit umgeht
Kapitel:
(00:00) Intro: Vom Partyfotografen zum Festivalfilmer
(00:05) Ein kreativer Weg zum Festivalfilmer
(00:15) Die Anfänge der Fotografie
(07:29) Der Wendepunkt während Corona
(08:35) Wie Clubhouse & Instagram‑Filter Türen öffneten
(12:24) Tour‑Leben: 3000 km‑Wochenenden, Backstage & Alltag
(15:44) Emotionen hinter der Kamera: Nähe als Schlüssel
(18:39) Eventfotografie: Druck, Dauerbereitschaft & Warten
(22:28) Persönlicher Bezug zu Künstler:innen – warum er zählt
(26:25) Storytelling in Serie: Rituale, Details & „Schnürsenkel‑Momente“
(29:43) Nähe vs. Nicht‑Stören: die Balance im Team
(30:51) Kreative Handschrift & Technik: Leica‑Look, Fisheye‑Ideen
(33:48) Canon + Blackmagic: Optiken, EF‑Mount & Workflows
(35:49) Tools im Einsatz: Gyro‑Stabi, 360‑Kamera, Drohnen‑Ersatz
(41:43) Der Weg zur Kinoproduktion
(43:53) Emotionen auf der großen Leinwand (IMAX)
(47:26) Interviews führen: Chancen & Fallstricke
(47:32) Fotografie vs. Filmmaking: Blick schärfen, Aufbau/Abbau
(49:49) Social Media: Formate, Redaktionspläne & Kennzahlen
(51:26) Analog vs. Digital: Erfahrung, Look & Praxis
(54:38) Analoge Entwicklung – Erlebnis statt Geschwindigkeit
(59:10) Fehlerkultur: offen bleiben, lernen, besser werden
(01:19:28) Unwiederbringliche Momente – und wie man sie absichert
(01:27:00) Ausblick: Agentur, Strategie & weniger Wochenenden
(01:34:32) Abschluss & persönliche Reflexionen
Zur Person:
Maximilian Jecker – https://maximilianj.de
Tags:
#TSPTalk #MaximilianJecker #Festivalfilmer #Eventfotografie #Storytelling #DaVinciResolve #Blackmagic #DJI #IMAX #SocialMedia #Analogfotografie #Digitalfotografie #LeicaLook #Podcast #FotografiePodcast #Videografie #Backstage #Authentizität #Kreativität #Leica #LeicaM11
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1 Stunde 24 Minuten
In dieser Folge treffe ich Kerstin Döring – Street‑ und Dokumentarfotografin aus Regensburg – zu einem tiefen, ehrlichen Gespräch über ihre 30‑jährige Reise in die Fotografie, den Einfluss des Architekturstudiums auf Bildaufbau und Proportionen, den bewussten Einsatz von Technik (Fuji X‑T30 II, X100V, TTArtisan/Manuellfokus) und darüber, warum Street für sie „Meditation in Bewegung“ ist.
Wir sprechen über das Warten auf den flüchtigen Augenblick, mutige Begegnungen auf der Straße, den Unterschied zwischen Street‑Porträt und Porträt, die Rolle von Community (Fotoclub Regenstauf), das haptische Erlebnis von Prints und Ausstellungen – bis hin zu Sichtbarkeit, Philosophie & Zielen. Ein Gespräch voller Praxis, Klarheit und Gefühl – für alle, die Bilder nicht nur machen, sondern erzählen wollen.
Key Takeaways
Architektur schärft den Blick: Proportionen & Komposition als Fundament.
Street als „Meditation in Bewegung“: Manuelles Fokussieren für bewusste Momente.
Technik als Werkzeug, nicht als Selbstzweck – Fuji, TTArtisan & Co.
Porträt vs. Street‑Porträt: Austausch vs. flüchtiger Moment.
Community & Sichtbarkeit: Warum Clubs, Ausstellungen & Prints wichtig sind.
Workflow: Weniger Vorgaben, mehr Beobachtung, konsequente Auswahl.
Tipp für Einsteiger:innen: „Fotografieren, fotografieren, fotografieren.“
Zitate
„Fotografie ist für mich wie Malerei, nur dass das Bild schneller fertig ist.“ – Kerstin Döring„Fotografie ist so eine Art Meditation in Bewegung.“ – Kerstin Döring„Ich lasse meine Bilder für mich sprechen.“ – Kerstin Döring„Fotografieren, fotografieren, fotografieren. Die Kamera ist immer dabei.“ – Kerstin Döring„Das Bild macht der Mensch – die Kamera hilft nur, die Vision umzusetzen.“ – Thomas Seidl
Kapitelmarker
(00:06) Einführung in die Fotografie
(00:54) Kerstins Weg zur Fotografie
(02:14) Architektur und Fotografie vereint
(05:57) Fotografie als Kunstform
(07:07) Technik & Kamerawahl
(09:49) Manuelles Fokussieren & Kreativität
(11:43) Die Meditation der Fotografie
(17:52) Was ist Street‑Fotografie?
(19:44) Momentaufnahmen in der Stadt
(24:38) Begegnungen auf der Straße
(31:03) Debatte über Street‑Fotografie
(32:39) Der flüchtige Moment
(38:48) Unterschied: Porträts vs. Street‑Porträts
(40:55) Menschen aktiv ansprechen
(54:20) Bedeutung von Community
(54:31) Die Kunst des Druckens
(59:22) Ausstellung in der Zahnarztpraxis
(61:31) Philosophie der Fotografie
(67:37) Ein kreativer Tag im Leben
(75:15) Post‑Processing
(75:28) Kunst oder Dokumentation?
(78:37) Träume & Ziele in der Fotografie
Linksammlung
Homepage Kerstin Döring:
https://kerstin-doering.jimdosite.com
Kerstin Instagram:
https://www.instagram.com/fotografie.und.art/
Blogbeitrag zu dieser Episode
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#TSPTalk #ThomasSeidl #KerstinDöring #StreetPhotography #Dokumentarfotografie #Reportagefotografie #SchwarzWeiss #Monochrom #Regensburg #FujiX #XT30II #X100V #TTArtisan #LeicaM6 #Lightroom #Photoshop #LFI #FotoclubRegenstauf #Peoplefotografie #FineArt #Analog #Porträt #Podcast #StreetPhoto #StreetPortrait #StreetPhotographyInternational #StreetPhotographyCommunity #StreetPhotographyArt #StreetPhotographyLovers #StreetPhotographyPassion
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Wir sprechen über das Warten auf den flüchtigen Augenblick, mutige Begegnungen auf der Straße, den Unterschied zwischen Street‑Porträt und Porträt, die Rolle von Community (Fotoclub Regenstauf), das haptische Erlebnis von Prints und Ausstellungen – bis hin zu Sichtbarkeit, Philosophie & Zielen. Ein Gespräch voller Praxis, Klarheit und Gefühl – für alle, die Bilder nicht nur machen, sondern erzählen wollen.
Key Takeaways
Architektur schärft den Blick: Proportionen & Komposition als Fundament.
Street als „Meditation in Bewegung“: Manuelles Fokussieren für bewusste Momente.
Technik als Werkzeug, nicht als Selbstzweck – Fuji, TTArtisan & Co.
Porträt vs. Street‑Porträt: Austausch vs. flüchtiger Moment.
Community & Sichtbarkeit: Warum Clubs, Ausstellungen & Prints wichtig sind.
Workflow: Weniger Vorgaben, mehr Beobachtung, konsequente Auswahl.
Tipp für Einsteiger:innen: „Fotografieren, fotografieren, fotografieren.“
Zitate
„Fotografie ist für mich wie Malerei, nur dass das Bild schneller fertig ist.“ – Kerstin Döring„Fotografie ist so eine Art Meditation in Bewegung.“ – Kerstin Döring„Ich lasse meine Bilder für mich sprechen.“ – Kerstin Döring„Fotografieren, fotografieren, fotografieren. Die Kamera ist immer dabei.“ – Kerstin Döring„Das Bild macht der Mensch – die Kamera hilft nur, die Vision umzusetzen.“ – Thomas Seidl
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(00:06) Einführung in die Fotografie
(00:54) Kerstins Weg zur Fotografie
(02:14) Architektur und Fotografie vereint
(05:57) Fotografie als Kunstform
(07:07) Technik & Kamerawahl
(09:49) Manuelles Fokussieren & Kreativität
(11:43) Die Meditation der Fotografie
(17:52) Was ist Street‑Fotografie?
(19:44) Momentaufnahmen in der Stadt
(24:38) Begegnungen auf der Straße
(31:03) Debatte über Street‑Fotografie
(32:39) Der flüchtige Moment
(38:48) Unterschied: Porträts vs. Street‑Porträts
(40:55) Menschen aktiv ansprechen
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(54:31) Die Kunst des Druckens
(59:22) Ausstellung in der Zahnarztpraxis
(61:31) Philosophie der Fotografie
(67:37) Ein kreativer Tag im Leben
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18 Minuten
In dieser Sonderfolge von TSP-Talk widmen wir uns dem Vermächtnis von Robert Redford, der am 16. September 2025 im Alter von 89 Jahren verstorben ist. Doch dies ist kein klassischer Nachruf – es ist eine Hommage an einen Mann, der das visuelle Erzählen geprägt hat wie kaum ein anderer.
Wir sprechen darüber, was Redford für Kreative, Fotograf:innen und Storyteller bedeutet, warum seine Philosophie des Sehens und seine Liebe zum natürlichen Licht auch für die Peoplefotografie relevant sind – und warum der Film „Spy Game – Der finale Countdown“ für Leica-Fans ein echtes Highlight ist.
Du erfährst:
Wie Redford mit dem Sundance Institute eine Schule des Sehens geschaffen hat
Warum seine Regiearbeit (A River Runs Through It, The Horse Whisperer) ein Lehrbuch für Lichtführung ist
Welche 5 Lehren Peoplefotograf:innen aus seinem Werk ziehen können
Und wie Brad Pitt mit einer Leica M6 in Spy Game undercover Geschichte schreibt
Diese Episode ist ein Aufruf, die eigene Bildsprache zu reflektieren, Vertrauen in den kreativen Prozess zu setzen und Fotografie als Brücke zwischen Menschen zu verstehen.
Takeaways
Story vor Stil – Redford ordnete die Form der Geschichte unter
Natürliches Licht als Charakter – Vertrauen ins vorhandene Licht
Mentorship & Vertrauen – Ohne Beziehung kein authentisches Bild
Leica-Momente in „Spy Game“ – Haltung schlägt Hardware
Ökologie des Blicks – Bilder tragen Verantwortung
Zitate aus der Episode
„Robert Redford hat gezeigt, dass Bilder Brücken sind – zwischen Menschen, Orten und Zeiten.“
„Wir rahmen nicht nur, wir schaffen Begegnungen.“
„Die Leica ist hier nicht Fetisch, sie ist Werkzeug. Und der Mensch bleibt im Mittelpunkt.“
Kapitelmarker
(00:00) Robert Redford: Ein Name, der für Licht und Geschichten steht
(00:42) Intro – Warum diese Folge mehr ist als ein Nachruf
(01:55) Kontext & Anlass – Redfords Einfluss auf Kino und Kreativität
(04:05) Sundance: Schule des Sehens – Authentizität statt Glanz
(06:15) Regieblick: Licht, Natur & Gesichter – A River Runs Through It & The Horse Whisperer
(08:16) Schauspiel & visuelle Öffentlichkeit – Available Light & Integrität
(09:43) Case Study: Spy Game – Leica-Momente & visuelle Glaubwürdigkeit
(11:57) All about Peoplefotografie – 5 Lehren für deine Fotopraxis
(13:38) Mini-Toolbox – Übungen für Licht, Pacing & Story
(14:56) Bildkultur & Aktivismus – Sundance & Umweltengagement
(15:48) Community & Call to Action – Deine Redford-Momente
(16:30) Outro – Danke, Robert
Linkliste für die Shownotes
Film-Tipp: Spy Game – Der finale Countdown (2001)
https://www.imdb.com/title/tt0266987/
Sundance Institute & Festival:
https://www.sundance.org
Redford Center (Umwelt-Engagement):
https://redfordcenter.org
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#RobertRedford #SpyGame #LeicaM6 #FotografiePodcast #Peoplefotografie #Storytelling #Sundance #TonyScott #BradPitt #FotografieTipps #AnalogFotografie #FilmLook #Fotokultur #KreativerProzess #Schwarzweißfotografie #Leica #LeicaM11 #M11 #rangefinder #messsucher
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Warum seine Regiearbeit (A River Runs Through It, The Horse Whisperer) ein Lehrbuch für Lichtführung ist
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Diese Episode ist ein Aufruf, die eigene Bildsprache zu reflektieren, Vertrauen in den kreativen Prozess zu setzen und Fotografie als Brücke zwischen Menschen zu verstehen.
Takeaways
Story vor Stil – Redford ordnete die Form der Geschichte unter
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Zitate aus der Episode
„Robert Redford hat gezeigt, dass Bilder Brücken sind – zwischen Menschen, Orten und Zeiten.“
„Wir rahmen nicht nur, wir schaffen Begegnungen.“
„Die Leica ist hier nicht Fetisch, sie ist Werkzeug. Und der Mensch bleibt im Mittelpunkt.“
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(01:55) Kontext & Anlass – Redfords Einfluss auf Kino und Kreativität
(04:05) Sundance: Schule des Sehens – Authentizität statt Glanz
(06:15) Regieblick: Licht, Natur & Gesichter – A River Runs Through It & The Horse Whisperer
(08:16) Schauspiel & visuelle Öffentlichkeit – Available Light & Integrität
(09:43) Case Study: Spy Game – Leica-Momente & visuelle Glaubwürdigkeit
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(14:56) Bildkultur & Aktivismus – Sundance & Umweltengagement
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(16:30) Outro – Danke, Robert
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44 Minuten
️ Island mit der Kamera entdecken – Laura Kopold über Natur, Begegnungen & kreative Freiheit
TSP-Talk – EP#056
> „Ich glaube, man bereut eher, dass man es nicht getan hat, als dass man es getan hat.“ – Laura Kopold
In dieser Folge nimmt dich Thomas Seidl gemeinsam mit Fotografin Laura Kopold mit auf eine emotionale und kreative Reise durch Island. Laura erzählt von ihrer tiefen Verbindung zur Natur, den Herausforderungen beim Fotografieren in rauer Landschaft und den bewegenden Begegnungen mit den Menschen vor Ort. Sie teilt ihre Erfahrungen, wie man Island mit der Kamera erleben kann – jenseits der Touristenpfade, mit offenen Augen und offenem Herzen.
Ob du selbst eine Reise nach Island planst oder dich einfach inspirieren lassen möchtest – diese Episode ist ein Plädoyer für Spontaneität, kreative Freiheit und das bewusste Erleben.
Kapitelmarken
(00:00) Intro
(00:31) Willkommen im TSP Talk Podcast
(01:10) Islands Magie entdecken
(09:09) Reiseplanung und Fotografie
(11:40) Kameratechnik und Ausrüstung
(18:30) Herausforderungen und Improvisation
(22:34) Der Blick durch die Kamera
(29:36) Menschen und Begegnungen
(31:34) Kreative Prozesse und Notizen
(33:08) Veränderungen im fotografischen Stil
(33:55) Tipps für Islandreisende
(37:01) Geheimtipps und persönliche Erlebnisse
(38:28) Lektionen aus Island
(39:35) Erinnerungen und Gefühle
(41:23) Abschließende Gedanken und Empfehlungen
Takeaways
- Warum Island mehr ist als spektakuläre Landschaften – und wie man seine stille Magie entdeckt
- Wie man mit minimalistischer Ausrüstung starke Bilder macht
- Warum Spontaneität und Intuition oft die besten Reisebegleiter sind
- Wie echte Begegnungen mit Menschen den fotografischen Blick verändern
- Was Laura über sich selbst gelernt hat – und was sie anderen mit auf den Weg gibt
Call to Action
Hat dich diese Folge inspiriert?
Teile deine Gedanken, Fragen oder Island-Erlebnisse mit uns auf Instagram: @tsephotolife
Neugierig auf Lauras Bildband „Iceland: Living with the Elements“? Schau vorbei auf www.laurakopold.de
Folge Laura auf Instagram: @laurakopold
Mehr von Laura? Hör auch in Folge #027, #028, #029 und #055 rein!
Bleibt kreativ – und allzeit gut Licht.
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TSP-Talk – EP#056
> „Ich glaube, man bereut eher, dass man es nicht getan hat, als dass man es getan hat.“ – Laura Kopold
In dieser Folge nimmt dich Thomas Seidl gemeinsam mit Fotografin Laura Kopold mit auf eine emotionale und kreative Reise durch Island. Laura erzählt von ihrer tiefen Verbindung zur Natur, den Herausforderungen beim Fotografieren in rauer Landschaft und den bewegenden Begegnungen mit den Menschen vor Ort. Sie teilt ihre Erfahrungen, wie man Island mit der Kamera erleben kann – jenseits der Touristenpfade, mit offenen Augen und offenem Herzen.
Ob du selbst eine Reise nach Island planst oder dich einfach inspirieren lassen möchtest – diese Episode ist ein Plädoyer für Spontaneität, kreative Freiheit und das bewusste Erleben.
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(18:30) Herausforderungen und Improvisation
(22:34) Der Blick durch die Kamera
(29:36) Menschen und Begegnungen
(31:34) Kreative Prozesse und Notizen
(33:08) Veränderungen im fotografischen Stil
(33:55) Tipps für Islandreisende
(37:01) Geheimtipps und persönliche Erlebnisse
(38:28) Lektionen aus Island
(39:35) Erinnerungen und Gefühle
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- Warum Island mehr ist als spektakuläre Landschaften – und wie man seine stille Magie entdeckt
- Wie man mit minimalistischer Ausrüstung starke Bilder macht
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16 Minuten
In dieser Episode von TSP-Talk tauchen wir tief in die Welt der neuen Leica Cine Hektor Objektive ein. Diese Linsen sind inspiriert von der Leica-Tradition der 30er- und 50er-Jahre und bringen den Vintage-Look zurück – kombiniert mit moderner Präzision. Ursprünglich für Filmemacher entwickelt, eröffnen sie auch Fotografen völlig neue kreative Möglichkeiten.
Wir sprechen über:
Historischer Kontext: Warum der Name „Hektor“ eine Leica-Legende ist
Technische Details: Sechs Festbrennweiten (18, 25, 35, 50, 73, 100 mm), T2.1 Lichtstärke, austauschbare Mounts (L, E, RF, Z)
Der Look: Sanfter Schärfeverlauf, cineastische Flares, Farbtreue
Warum spannend für Fotografen: Vintage-Charakter ohne die Nachteile alter Linsen
Preis & Positionierung: Rund 7.500 € pro Linse – lohnt sich das?
Praktische Tipps: Kreative Setups für Porträt, Reportage, FineArt und Street
Fazit: Leica schlägt die Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft
Wenn du wissen willst, wie du mit diesen Linsen authentische, zeitlose Bilder erschaffen kannst, ist diese Episode ein Muss!
Key Takeaways aus der Episode
Leica bringt mit der Cine Hektor Serie sechs neue Festbrennweiten (18, 25, 35, 50, 73, 100 mm) – alle mit konstanter Lichtstärke T2.1 und austauschbarem Mount-System (L, E, RF, Z).
Vintage-Look trifft moderne Technik: Sanfter Schärfeverlauf, subtile Aberrationen und cineastische Flares – kombiniert mit moderner Vergütung für Farbtreue und weniger optische Fehler.
Warum spannend für Fotografen?
Konsistente Farbcharakteristik über alle Brennweiten
Servicefreundlich (Frontlinsen tauschbar)
Adaptierbar für verschiedene Systeme
Ideal für bewusste, entschleunigte Fotografie
Preis & Positionierung: Rund 7.500 € pro Linse – günstiger als klassische Cine-Linsen, aber Premium im Fotobereich. Zielgruppe: Profis, FineArt-Fotografen, Hybrid-Shooter.
Kreative Einsatzmöglichkeiten:
Porträt: 50 mm für harmonisches Bokeh
Reportage: 35 mm für Storytelling
Flares: 73 mm für cineastische Lichtspiele
FineArt: 100 mm für abstrakte Kompositionen
Workflow-Tipps: Fokus Peaking nutzen, feste ISO/Belichtungszeiten für Konsistenz, natürliches Licht bevorzugen, bei Kunstlicht warmes Dauerlicht oder LED mit Diffusor.
Fazit: Leica schlägt mit der Hektor-Serie eine Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft – für Fotografen, die Charakter und Handwerk schätzen.
Kapitelmarker:
(00:00) Intro & Teaser – Warum Leica Cine Hektor ein Gamechanger ist
(00:50) Einführung & Historischer Kontext – Die Leica-DNA und der Name „Hektor“
(03:46) Technische Basis – Sechs Brennweiten, T2.1, austauschbare Mounts
(05:52) Der Look – Vintage trifft Moderne: Schärfeverlauf, Flares, Farbtreue
(07:58) Warum spannend für Fotografen – Vorteile und kreative Freiheit
(08:56) Preis & Positionierung – Für wen lohnt sich die Investition?
(09:44) Praktische Tipps & kreative Ideen – Porträt, Reportage, FineArt
(13:25) Fazit & Ausblick – Leica als Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft
Weiterführende Links (Klartext):
Leica Cine Hektor Produktseite:
https://leitz-cine.com
Leica SL-System:
https://leica-camera.com/de-DE/fotografie/sl#
Hashtags:
#Leica #LeicaCineHektor #VintageLook #Fotografie #CineLinsen #LeitzCine #Portraitfotografie #Reportagefotografie #FineArtPhotography #StreetPhotography #Objektivliebe #FotografiePodcast #TSPTalk #FotografenTipps #FilmLook #HybridShooter #FotografieInspiration
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Wir sprechen über:
Historischer Kontext: Warum der Name „Hektor“ eine Leica-Legende ist
Technische Details: Sechs Festbrennweiten (18, 25, 35, 50, 73, 100 mm), T2.1 Lichtstärke, austauschbare Mounts (L, E, RF, Z)
Der Look: Sanfter Schärfeverlauf, cineastische Flares, Farbtreue
Warum spannend für Fotografen: Vintage-Charakter ohne die Nachteile alter Linsen
Preis & Positionierung: Rund 7.500 € pro Linse – lohnt sich das?
Praktische Tipps: Kreative Setups für Porträt, Reportage, FineArt und Street
Fazit: Leica schlägt die Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft
Wenn du wissen willst, wie du mit diesen Linsen authentische, zeitlose Bilder erschaffen kannst, ist diese Episode ein Muss!
Key Takeaways aus der Episode
Leica bringt mit der Cine Hektor Serie sechs neue Festbrennweiten (18, 25, 35, 50, 73, 100 mm) – alle mit konstanter Lichtstärke T2.1 und austauschbarem Mount-System (L, E, RF, Z).
Vintage-Look trifft moderne Technik: Sanfter Schärfeverlauf, subtile Aberrationen und cineastische Flares – kombiniert mit moderner Vergütung für Farbtreue und weniger optische Fehler.
Warum spannend für Fotografen?
Konsistente Farbcharakteristik über alle Brennweiten
Servicefreundlich (Frontlinsen tauschbar)
Adaptierbar für verschiedene Systeme
Ideal für bewusste, entschleunigte Fotografie
Preis & Positionierung: Rund 7.500 € pro Linse – günstiger als klassische Cine-Linsen, aber Premium im Fotobereich. Zielgruppe: Profis, FineArt-Fotografen, Hybrid-Shooter.
Kreative Einsatzmöglichkeiten:
Porträt: 50 mm für harmonisches Bokeh
Reportage: 35 mm für Storytelling
Flares: 73 mm für cineastische Lichtspiele
FineArt: 100 mm für abstrakte Kompositionen
Workflow-Tipps: Fokus Peaking nutzen, feste ISO/Belichtungszeiten für Konsistenz, natürliches Licht bevorzugen, bei Kunstlicht warmes Dauerlicht oder LED mit Diffusor.
Fazit: Leica schlägt mit der Hektor-Serie eine Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft – für Fotografen, die Charakter und Handwerk schätzen.
Kapitelmarker:
(00:00) Intro & Teaser – Warum Leica Cine Hektor ein Gamechanger ist
(00:50) Einführung & Historischer Kontext – Die Leica-DNA und der Name „Hektor“
(03:46) Technische Basis – Sechs Brennweiten, T2.1, austauschbare Mounts
(05:52) Der Look – Vintage trifft Moderne: Schärfeverlauf, Flares, Farbtreue
(07:58) Warum spannend für Fotografen – Vorteile und kreative Freiheit
(08:56) Preis & Positionierung – Für wen lohnt sich die Investition?
(09:44) Praktische Tipps & kreative Ideen – Porträt, Reportage, FineArt
(13:25) Fazit & Ausblick – Leica als Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft
Weiterführende Links (Klartext):
Leica Cine Hektor Produktseite:
https://leitz-cine.com
Leica SL-System:
https://leica-camera.com/de-DE/fotografie/sl#
Hashtags:
#Leica #LeicaCineHektor #VintageLook #Fotografie #CineLinsen #LeitzCine #Portraitfotografie #Reportagefotografie #FineArtPhotography #StreetPhotography #Objektivliebe #FotografiePodcast #TSPTalk #FotografenTipps #FilmLook #HybridShooter #FotografieInspiration
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54 Minuten
In dieser Episode von TSP-Talk spreche ich mit der Fotografin Laura Kopold über ihren neuen Bildband „Iceland – Living with the Elements“. Der Band ist eine Hommage an die Verbindung zwischen Mensch und Natur in Island – erzählt durch eine sehr persönliche Bildsprache, die Emotionen statt Klischees transportiert.
Laura gibt tiefe Einblicke in ihren kreativen Prozess, die Herausforderungen der Bildauswahl, die gestalterischen Entscheidungen und die Bedeutung des Mediums Buch in einer digitalen Welt. Wir sprechen über die Balance zwischen dokumentarischer Genauigkeit und künstlerischer Freiheit, über die Rolle von Schwarz-Weiß-Fotografie und über die Kraft von Zitaten als zusätzliche Erzählebene.
Diese Folge ist ein Muss für alle, die sich für Peoplefotografie, Dokumentarfotografie, Reportage, Fotografiekulturund den kreativen Prozess hinter einem Bildband interessieren.
„Ich hatte beim Durchblättern das Gefühl, als würde mir der isländische Wind über den Nacken wehen. Lauras Bildband ist nicht nur visuell stark, sondern auch emotional tief – genau das macht ihn so besonders.“ - Thomas Seidl
Takeaways:
Wie aus einem Herzenswunsch ein Bildband wurde – ganz ohne konkreten Auslöser
Warum Island nicht nur Landschaft, sondern auch Mensch bedeutet
Wie man Klischees vermeidet und stattdessen eine persönliche Bildsprache entwickelt
Der lange Weg der Bildauswahl – zwischen Konzept, Intuition und emotionaler Bindung
Warum Schwarz-Weiß-Fotografie als Stilmittel für Begegnungen funktioniert
Die Bedeutung von Haptik, Papierwahl und Gestaltung für ein ganzheitliches Bucherlebnis
Warum ein Bildband auch ohne Text funktionieren sollte – und wie Zitate eine zusätzliche Ebene schaffen
Tipps für angehende Bildbandmacher: Konzept, Durchhaltevermögen und persönliche Botschaft
Lauras Bildband „Iceland – Living with the Elements“ ist erhältlich auf: https://www.laurakopold.de
Folgt Laura auf Instagram: @laurakopold
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#TSPTalk #FotografiePodcast #Bildband #LauraKopold #IslandFotografie #LivingWithTheElements #PeoplePhotography #Reportagefotografie #Dokumentarfotografie #Fotografiekultur #SchwarzWeissFotografie #Fotobuch #Fotoprojekt #KreativerProzess #FotografieInspiration #FotografieInterview #FotografiePodcastDeutschland #FotografieMitHerz #NaturUndMensch #IslandPortrait #FotografieEmotion #FotografieAuthentisch #FotografieStorytelling #PodcastÜberFotografie #FotografiePodcastMünchen #ThomasSeidl #TSEPhotography #Leica #LeicaM11
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