Kreativgelaber Archiv

In dieser Folge nehmen wir euch mit hinter die Kulissen von Werbe- und Filmmusik – und klären endlich die Fragen, die man sich als Creator (oder Kunde) immer stellt: Wer muss eigentlich was freigeben, wenn ein Song in einen Spot soll? Warum sind Cover-Versionen oft die „günstige“ Lösung – und wann wird’s kreativ spannend statt 1:1 Kopie?Zu Gast ist Peter Hayo, Komponist und Produzent (Perky Park Music), der seit den 90ern in der Branche unterwegs ist – von Pop/Techno bis zu großen Commercial-Produktionen.Wir sprechen u. a. über:- Werkrechte vs. Masterrechte: warum man immer zwei Türen klopfen muss- was bekannte Songs wirklich kosten (und warum man selten verhandeln kann)- Cover, Soundalikes & die Grauzonen zwischen Inspiration und Plagiat- Music Libraries (Artlist/Envato & Co.): Geschenk für Filmemacher, Preisdruck für Komponisten- KI in der Musikproduktion: Tool, Plagiatsfalle und „mach’s bitte legal nach“

Alan Rexroth lebt seit einem Jahr in New York – und wir reden darüber, was es heißt, als Video-Editor in einem der härtesten Märkte zu bestehen: zwischen hohen Ansprüchen, schneller Feedback-Kultur und dem ständigen Gefühl, liefern zu müssen.Wir sprechen über Editing als Psychologie, Haltung, Zusammenarbeit mit Creatives/Producern und wie man die DNA eines Schnitts durch den ganzen Abnahme-Marathon trägt. Dazu Einblicke in den Alltag bei White House Post, Team-Strukturen in großen Posthäusern und warum das Reel in den USA so viel Macht hat.Außerdem reden wir über Alans Passionprojekte, wie seine mehrteilige Dokureihe “Where Are You” und Streetfotografie in New York City.

Diese Folge ist für dich, wenn du…

- verstehen willst, wie Songs entstehen

- wissen willst, was Musikproduzenten machen

- checken willst, wie Artists entdeckt werden

Heute haben wir jemanden aus der Musikindustrie zu Gast. Musikproduzent und Songwriter Tim Tautorat.Wir sprechen darüber, was Producing in der Musik wirklich heißt und wie aus einer Idee ein fertiger Song wird. Es geht um den Ablauf im Studio, um Theme und Vibe, um Harmonien und Tempo, um Melodiearbeit, um Lyrics und um Storytelling. Und darum, warum persönliche Chemie im Studio oft wichtiger ist als jede Formel.Außerdem reden wir über Artist Development und Newcomer Arbeit. Wie Tim neue Artists findet, wie viel über Social Media und wie viel über Management, Publishing und Labels kommt. Warum Projekte monatelang dauern können und warum er manchmal sogar selbst vorfinanziert.Wir schauen auch auf die Realität der Branche. Auf die Rolle von A&R, auf Credits, auf Berlin als Musik Hub und darauf, warum Musikvideo Budgets so stark gesunken sind, während Social Content immer mehr Gewicht bekommt.Zum Schluss geht es um AI in der Musik. Wo sie gerade hilft, wo sie kaum etwas bringt, welche Copyright Themen auftauchen und warum der Wunsch nach menschlicher Musik eher wächst. Und Tim teilt ehrliche Tipps für Musiker. Weniger Viral Hoffnung, mehr Live Shows, echte Fans aufbauen und Tour Support klug nutzen.

Nach fast zwei Monaten Pause sind wir zurück – und starten direkt mit einem richtig starken Thema: Hybride Kreativproduktion mit AI.Zu Gast sind Ruben Riegamer und Alex Schmidt, die beiden Geschäftsführer von Blynk, einer Visual-Storytelling-Agentur aus Hamburg (St. Pauli). Wir sprechen darüber, warum Blynk sich bewusst nicht als reine Produktionsbude sieht, wie hybride Produktionen aus Realfilm, 2D/3D und KI bei ihnen zusammenlaufen – und was sich im Alltag dadurch wirklich verändert.Wir gehen deep in den Workflow: Warum die KI-Welten oft schon vor dem Dreh stehen müssen, wie Set, Licht und Timing trotzdem klassisch geplant werden, wo KI heute noch unberechenbar bleibt und warum das eher ein Qualitäts- als ein reines Cost-Saving-Tool ist.Außerdem: Tool-Stack, Credits & Abo-Wildwuchs, der Unterschied zwischen „KI als Look“ vs. „KI als Sparmaßnahme“, und warum Blynk intern alles daran setzt, keine Wissens-Silos entstehen zu lassen.Am Ende geben Ruben und Alex einen Ausblick, wo sie sich in den nächsten Jahren sehen: als strategischer Partner für visuelles Storytelling – mit KI als Werkzeug, nicht als Ersatz.Check unbedingt mal die Case-Study zum Gönrgy Projekt:https://blynk.de/case-goenrgy/

Zum Jahresende lassen wir es entspannt angehen und labern einfach drauf los – ein Jahr voller spannender Gäste, Entwicklungen und persönlicher Veränderungen. Wir teilen unsere Highlights, sprechen über das dominierende Thema der letzten Jahre – KI – und wie es unseren Arbeitsalltag in diesem Jahr wieder verändert hat.Auch reden wir über Stress und Verlustängste in der Selbstständigkeit, aber auch wie wichtig Zielsetzung ist.Wir machen im Januar Winterpause und starten im Februar im entspannteren Zwei‑Wochen‑Rhythmus. Das Ziel: Qualität statt Quantität.

In der Zwischenzeit: Schreibt uns auf Instagram @Kreativgelaber – mit Gast‑Vorschlägen, Feedback oder einfach zum Quatschen.Frohe Weihnachten und einen guten Rutsch ins neue Jahr 2026!

Vom Art Director zum Fotografen und Studio‑Founder: Mario Stumpf erzählt, wie sixnine entstand und wie er die Doppelrolle aus Kreativem und Geschäftsführer balanciert. Wir sprechen über Streetwear‑Wurzeln, Spec-Work, Inspiration und konkrete Learnings zu Team, Budget und Fokus.

Mehr von Mario:

Sein Podcast "ISSO100" auf Spotify: https://open.spotify.com/show/5d8WOnGsut6MRzI7fAFBCj?si=20c1061577b84414

Mario Instagram: https://www.instagram.com/sixnine/

sixnine Instagram: https://www.instagram.com/sixninestudios/ 

Mario LinkedIn: https://www.linkedin.com/in/mario-stumpf-242b05148/

sixnine LinkedIn: https://www.linkedin.com/company/sixnine/ 

Website sixnine: https://www.sixnine.de/

Für alle, die ihre eigene Agentur gründen möchten: Diese Folge zeigt, wie sich die ersten elf Monate wirklich anfühlen – zwischen Akquise, Retainer‑Setups, Cash‑Flow und den täglichen Prioritäten. Gemeinsam mit Niklas Reinert (Reki Studios) sprechen wir über erste Meilensteine und den klaren Fokus im Gründerjahr: Welche Schritte lohnen sich, worauf verzichtet man bewusst? Konkrete Erfahrungen, die helfen, schneller gute Entscheidungen zu treffen und typische Fallen zu vermeiden.

David Oswald, Director of International Brand Creative bei Airbnb, erzählt seinen Weg vom frühen Schreiben für die Harald‑Schmidt‑Show über Stationen bei DDB, in Australien, bei Apples Media Arts Lab und im Google‑Pixel‑Team bis zu seiner heutigen Rolle. Wir sprechen darüber, wie gute Führung in Kreativteams funktioniert, warum viele Ideen am Ende zu Qualität führen, wie sich Arbeitskulturen in den USA und Deutschland unterscheiden und weshalb 3D‑Elemente wieder an Bedeutung gewinnen. Außerdem geht es um den Einfluss von KI auf Text und Konzept: Standardaufgaben verschwinden zunehmend, gleichzeitig entstehen neue Chancen für starke Strategien und mutige Ideen. Zum Schluss teilt er mit uns konkrete Freelancing‑Tipps, wie man sichtbarer wird und häufiger gebucht wird.

Folge 80! Yay! Wir sprechen darüber, wie AI im Motion-Design-Workflow für schnelle Asset‑Erstellung und Prototyping genutzt werden kann. Außerdem: große After Effects Beta‑News – native 3D‑Meshes, Substance‑Texturing, SVG‑Import als Shape Layer mit Gradients und Transparenzen, plus der neue Unmult‑Effekt für einfacher freigestellte Elemente. Außerdem blicken auf drei jüngste Folgen zurück und teilen Learnings zu Rollenbildern, Fotografie im Tour‑Alltag und Mut zu unkonventionellen Wegen.

In dieser Folge sprechen wir mit der Berliner Fotografin Paula Schu über ihren Weg in die Musikfotografie: vom Kommunikationsdesign‑Studium über Praktika und Assistenz bis zur Selbstständigkeit. Paula erzählt, wie Touralltag wirklich aussieht, warum sie ausschließlich fertig bearbeitete Bilder abliefert und weshalb Eventjobs oft besser vergütet sind als Musikgigs. Wir sprechen über Technik, Arbeiten ohne Blitz im Graben, Konkurrenz vs. Community – und Paulas Ziele, mehr auf Tour zu gehen. Außerdem: Tipps für den Einstieg, und warum Gatekeeping niemandem hilft.

In dieser Folge sprechen wir mit Pascal Kerouche, Fotograf und Creative, über seinen Weg in die Fotowelt – vom Start in New York bis hin zu den größten Namen der Hip-Hop-Szene.Pascal erzählt, wie er es geschafft hat, als persönlicher Fotograf von Snoop Dogg zu arbeiten, wie er in die deutsche Hip-Hop- und Commercial-Welt gekommen ist und was er heute macht. Außerdem sprechen wir über das Knüpfen von Kontakten, über Ehrlichkeit in der Szene und darüber, wie man als Künstler langfristig relevant bleibt.

Damon Aval erzählt, wie man vom Junior Art Director in die CD‑Rolle hineinwächst: Verantwortung, Führung, Persönlichkeit und warum „hands‑on“ zählt. Außerdem erklärt er das antoni_-Modell „Customized Agency, dedicated to one client“ und was das im Alltag für Marken wie Mercedes, Aldi oder Vodafone bedeutet. Eine Folge für alle die irgendwann mal Creative Director werden möchten.

In dieser Folge teilen wir unsere Erfahrungen und Tipps rund ums Networking – wie man auf Events ins Gespräch kommt, welche Fehler man vermeiden sollte und warum persönliche Kontakte in der Kreativbranche so wichtig sind. Außerdem sprechen wir über das Berlin Commercial Festival, die neuen Kameras von Canon und Nikon, Rotoscoping direkt in Premiere und werfen einen Rückblick auf die letzten drei Folgen.

Eine Folge voll mit praktischen Learnings, Insights und einem Rundumschlag über die neuesten Themen in der Szene.

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In dieser Folge ist Manuel Steinhauser erneut bei uns zu Gast. Dieses Mal tauchen wir mit ihm in die Welt der Motion-Design-Systems ein. Wir sprechen darüber, warum solche Systeme überhaupt entwickelt werden, wie sie entstehen und weshalb es für Unternehmen heute unverzichtbar ist, klare und wiedererkennbare Animationen zu definieren.

Ein Gespräch über Standards, Konsistenz und die wachsende Bedeutung von Motion als Teil der Markenidentität.

Manuels Website findest du hier: https://www.manueldoesmotion.com/