PODIUM Podcast Archiv
83 Episoden
23 Minuten
Diese Woche in Henrys Podcast: Maria Reich (#freesextett) spricht mit Markus und Tobias über den Drang zur Öffnung und zur Improvisation – auch wenn man Meisterwerke unter den Fingern hat; sie erzählt, wie man man mit Dilettantismus und Unsicherheit umgeht und was sonst noch so läuft zwischen Stegreif und Freiheit. - freesextett in Aktion - Hier bei ‚U21 Vernetzt‘: https://www.youtube.com/watch?v=UFpXw0Jlngk - Dies ist die Webseite des Stegreif-Orchesters: http://www.stegreif-orchester.de - Meister von Notre-Dâme: Im Podcast erwähnt: der Organist Olivier Latry. Hier spielt („rockt“?) er zum Abschluss einer Messe in Notre-Dâme eine Improvisation, und Henry fragt sich: Wer führt hier die Finger, wer lenkt den Geist? - Stockhausen über das Spielen aus dem Moment: ‚Spiele einen Ton. Höre auf, wenn Du spürst, dass Du aufhören sollst. Und immer so weiter. Ob Du aber spielst oder aufhörst, höre immer den anderen zu. Probe nicht.‘ - Intution, Moment, Freiheit: Tobias erwähnt im Podcast eine Ad-Hoc Impro-Performance von Markus Stockhausen mit Bodek Janke und Hayden Chisholm. Hier spricht Markus Stockhausen über intuitive Musik und Improvisation; mit dem Verband der Yogalehrenden in Deutschland: - Teil 1: https://www.youtube.com/watch?v=T_i87-UVf8s - Teil 2: https://www.youtube.com/watch?v=WvyD7Q115Mk - Teil 3: https://www.youtube.com/watch?v=R70ZRMiz2vk - Gabriele Monterro in Kölle: Eine, die das Improvisieren im Mainstream der klassischen Musik zu etablieren begonnen hat: https://www.youtube.com/watch?v=d4YtqlxT-M4 - Roll Over Beethoven: Beethoven war ein großer Improvisierer am Klavier. Er hat sogar einmal beim Komponieren so getan als „fantasiere“ er: Deshalb klingt die Fantasie op. 77 so tastend: https://www.youtube.com/watch?v=P9-pSj3InRU - Aber über Beethoven zu improvisieren? Als Bassist? Klingt schwer. Ein Interview mit dem Jazz-Bassisten Dieter Ilg: https://www.br-klassik.de/themen/jazz-und-weltmusik/interview-dieter-ilg-100.html
17 Minuten
Im Podcast Jeffrey Arlo Brown, Kenji Fujishima und Henry stellen fest, dass die Sonatine überraschend positiv klingt. Sie sprechen über Arthur Honeggers Trinkkumpanen und finden ganz nebenbei die perfekte Musik für den nächsten Quentin-Tarantino-Film. Sämtliche Links aus der Folge gibt es wie immer in den erweiterten Shownotes: http://bit.ly/2ct4Z7V
23 Minuten
Shownotes Das Interview mit dem Komponisten – Jeffrey Arlo Brown sprach mit Jürg Frey über sein Zweites Streichquartett. Und: die Henry-Technik – 42 Fragen, um die Situation in der Schwebe zu halten. Video: Homestory bei Jürg Frey – Über Notizbücher, Unsicherheit und Wanderungen, bei denen man sich das Verlaufen offen halten möchte: https://www.youtube.com/watch?v=9cKQn15iVh0&spfreload=5 Jürg Frey bei Wandelweiser – Wer Jürg Frey noch besser verstehen will, kann bei Wandelweiser anfangen, wo er einige programmatische Texte auf deutsch und englisch veröffentlicht hat: : http://www.wandelweiser.de/juerg-frey.html Notizbuch führen? – „Weil ich gerne mit verschiedenen Arten von Stiften auf dem Papier arbeite – rein der manuelle Vorgang, ohne es schon etwas gescheites zu schreiben, gefällt mir. Aber dann auch die Möglichkeiten der Flexibilität, der Ungenauigkeit und des In-der-Schwebe-haltens.“ (Jürg Frey in unserem Interview). Keine Ahnung, wie und warum man ein Notizbuch führen soll? Ryder Carrolls „Bullet Journal ist eines von vielen Modellen für den heutigen, vielorganisierenden Mensch: http://bulletjournal.com/ „Ich versuche Klänge zu finden, die einfach da sein können“ – das Ende der Extra-Botschaft Die Dinge sehen, wie sie sind: „13 perspectives to help see things as they really are, not as we expect them to be“ https://medium.com/@markusfietz/13-perspectives-to-help-see-things-as-they-really-are-not-as-we-expect-them-to-be-1e2e82a9dc3d#.dtnvzsv56. Warum Meditieren? – „Steadfastness (Standhaftigkeit), Clear Seeing, Courage, Attention, No Big Deal.“ Zwei Einführungen von Pema Chödron. Five Reasons To Meditate: http://pemachodronfoundation.org/wp-content/uploads/2015/05/5-Reasons-to-Meditate.pdf Learning to Stay: http://deoxy.org/wiki/action=browse&id=Shenpa&raw=2. Agnes Martin – „Was mich interessiert an ihrer Arbeit, ist einerseits die schlagende Einfachheit: Man kann das ganz einfach beschreiben. Aber wenn man es dann im Raum im Museum sieht, dann ist die Welt eine andere. Die Bilder haben dann eine unglaubliche Ausstrahlung in den Raum hinein.“ (Jürg Frey in unserem Interview) Agnes Martin in der Ausstellung „Five Decades“ von 2003 bei Zwirner und Wirth: http://www.zwirnerandwirth.com/exhibitions/2003/022003Martin/. F. M. Alexander – „Ich habe natürlich Interesse an diesem Zusammenhang von Gedanken und Körper und wie sie sich gegenseitig beeinflussen, und es gibt da einen Hintergrund von mir: Ich habe auch eine Ausbildung als Lehrer der (F.M.) Alexander-Technik gemacht. Das ist eine Körpertechnik, eine Körper-Geist-Technik, und ich werde manchmal gefragt, ob meine Musik von dieser Ausbildung beeinflusst ist.“ (Jürg Frey in unserem Interview) Oscarpreisträger William Hurt in einer Video-Einführung zur Alexandertechnik, wie er sagt „a technique that can permit any person to discover and utilize and endless resource within themselves“: https://www.youtube.com/watch?v=BgplXmILzoQ Oder, mit Angela Bradshaw in einem How-To bei den TEDx-Talks: https://www.youtube.com/watch?v=prN9kbDtedc
16 Minuten
Markus und Tobias unterhalten sich über die Stücke dieser Woche, gespielt vom vision string quartet und crazy duo, und versuchen rauszufinden, was Crossover sein könnte, innerlich und äußerlich. Viele weitere Anregungen zum Weiterlesen und alle Links aus der Podcastfolge haben wir wie immer für Euch in unserer erweiterten Shownotes gesammelt: http://bit.ly/2bOmjDZ Die Musik zur Folge vom vision string quartet und dem Crazy Duo gibt es wie jede Woche in Henrys App: http://bit.ly/2bgjos7
20 Minuten
DiscoDisco Es gibt noch weitere Disco-Komponisten für das Orchester im Treppenhaus. Im Podcast erwähnt Thomas Posth Benjamin Scheuers Beiträge, „das ist dann schon eher Neue Musik.“ (https://www.youtube.com/watch?v=UtrATZklxm4) „Es ist nirgendwo ein Orchester aufgebaut.“ Die Dokumentation zu DiscoDisco beim Podium Festival 2016 in Esslingen. (https://www.youtube.com/watch?v=es8dSsRVRms) Im Herbst erscheint das Album zu Disco. Der Aufnahme voraus ging ein erfolgreiches Crowdfunding-Projekt. (https://www.startnext.com/disco) Orchester im Treppenhaus "Nach einer sehr langen Zeit, in der sich die klassische Musik immer mehr von der gesellschaftlichen Realität entfernt hat, wagen es jetzt Ensembles und Komponisten, politische und gesellschaftliche Ziele mit neukomponierter oder neu eingesetzter Musik zu verfolgen. Nach langer Zeit konstruierter Trennung von "wertvoller" und "populärer" Musik erleben wir nun die Suche nach Grenzbereichen und Kombinierungsmöglichkeiten." Das ist der im Podcast erwähnte Post von Thomas Posth auf Facebook (https://www.facebook.com/thomas.posth.5/posts/1086214418103784, dies die Webseite des Orchesters im Treppenhaus (http://treppenhausorchester.de. Und dies ist die Lust an der Inszenierung – Germanys Next Top Violinist (https://www.youtube.com/watch?v=HeJ2oOIiqVo). Klassischer Tanz, innerer Rausch Tanzen auf klassische Musik? Im Podcast werden (Walzer-)Strauss, Brahms und Strawinsky erwähnt. Hier die Tanzszene in Anna Karenina (von 2012)(https://www.youtube.com/watch?v=TOwsZ6bDqJU). From Disco to Disco Obwohl auch die „klassische“ Discomusik von Ende der 1970er / Anfang der 1980er Jahre mit Technik experimentierte, vor allem elektronischen Drums, war sie sehr teuer zu produzieren, und da schließt sich der Kreis zum Orchester im Treppenhaus. Für einen amtlichen Discosong brauchte es eine Streichergruppe, Blechbläser, eine Band in Rockbesetzung, dazu Arrangeure, Produzenten, Techniker: Isaac Hayes und Band in Action (https://www.youtube.com/watch?v=Vmnl9acCsro). „How Disco Changed Music Forever“ – Artikel im Guardian (https://www.theguardian.com/music/2012/feb/26/disco-changed-world-for-ever). Die Wut der Rock-Radio-Szene auf ein omnipräsentes Genres, Angst vor der sexuellen Ambivalenz von Disco-Musik, Lust an populistischer Show? Das war die Disco Demolition in Chicago (https://de.wikipedia.org/wiki/Disco_Demolition_Night. Hier die Fernsehberichterstattung von 1979 (https://www.youtube.com/watch?v=MpQfCcsqQ0E). Tanzmusik als Medienmusik … Ein schneller Streifzug durch Roland TB-303 (Acid), TR-606, TR-808 (House) und TR-909 (Techno)(https://www.youtube.com/watch?v=6y6pW8pdjwM). Auch Hip Hop hätte ohne die kreative Aneignung des Plattenspielers anders geklungen (https://www.youtube.com/watch?v=gXNzMVLqIHg). … und wieder zurück Ein anderes Ensemble, das elektronische Klänge mit Instrumenten wieder neu verhandelt, sind Brandt Brauer Frick (und Ensemble)(https://www.youtube.com/watch?v=lrOVaqdYxuM). Alle Links auch in den erweiterten Shownotes: http://bit.ly/2bbKtKR
25 Minuten
Elmar Lampson kommentiert seine Musik für 15 Solostreicher und gibt Einblicke in sein musikalisches Denken und Fühlen. Jeff und Tobias nehmen ein, zwei Fäden auf. Wie kann man Hochschulpräsident und Komponist sein? Wie können wir gute Erfahrungen mit ungewohnter, seltsamer, eben Neuer Musik machen? Resonanz und Neue Musik. Elmar Lampson über das Hören: "Die großen Wendepunkte der Musik des 20. Jahrhunderts, um Arnold Schönberg, die neue Wiener Schule, werfen auf exemplarische Weise ein Problem auf, das das ganze 20. Jahrhundert im Zusammenhang mit der Rezeption dieser Musik immer wieder hatte. Am Übergang vom spätromantischen Ausdrucksgestus hin zu den kleinen experimentellen Formen, zum Beispiel den Webern-Bagatellen, wird eine Sache deutlich: Diese Musik wendet sich an Zuhörer mit Fantasie und, wie Schönberg sagte, an ein schöpferisches Zuhören; sie braucht Bewusstsein, den Willen, des Hörers, das, was einem da entgegenkommt, mitzuerleben. Das bekommt an diesen Wendepunkten so eine ausschließliche Bedeutung, ist aber für alle Musik des klassischen abendländischen Kulturraums wichtig – für eine Beethovensonate, eine Bachfuge – , das ist der rote Faden, der durch die Musikgeschichte hindurchgeht! Und an bestimmten Punkten wird es so extrem, dass ein Hörer auch aufläuft, der das nicht will, der nicht Musik hört in derselben Konzentration, in der man einen anspruchsvollen Text liest. Das wiederum ist aber nur ein Ausschnitt des großen Resonanzphänomens Musik. Mich interessieren Ansätze, die, zugespitzt gesagt, nicht nur verkopft sind, deren Resonanzen sich über weitere Hörschichten erstrecken als das Strukturelle. Je farbiger, je vielfältiger und ausdrucksstärker eine Musik ist, desto mehr Menschen werden sich ihr anschließen können. Als Komponist interessiert mich, ob das, was da klingt, eine innere Geste, einen inneren Sinn, eine sprechende Form hat – Merkmale, die für Kunst immer gelten, und die sich natürlich an riskanten Grenzen bewegen müssen." Erweiterte Shownotes: http://bit.ly/2aO3wun
29 Minuten
Jeff und Tobias denken nach über Gärten, Quellen des Ruhms, über Arbeiten in New York und die dortigen Musikszenen. Fast wahllos greifen sie Passagen aus Partita for 8 Voices von Caroline Shaw heraus und bemerken, wie viele Gegensätze und Pole die Musik aufhebt und aushobelt - und welch unbändige Freude sie verströmt. Erweiterte Shownotes: http://bit.ly/2aFJQI8
25 Minuten
Im Podcast Markus Engel und Tobias Ruderer sprechen und schweifen ab über veraltete Begriffe wie „Hochkultur“, „Ernste Musik“ und andere, und überlegen, was Safaians Musik mit Minimal Music oder auch einem automatischen Klavier zu tun hat. Arash Safaian verrät ein paar Hintergrundinformationen zu Kadenz und Alpha. Außerdem – die Beantwortung der Frage: Was ist der Unterschied zwischen dem Komponieren für und ohne einen Auftraggeber? Die Gesetzmäßigkeiten der Musik „Das Gefundene mitteilt und verbindet, das ist Technik“ (Jochen Distelmeyer) Henry hat schon lang aufgehört darüber nachzudenken, da wird einem nämlich ganz schwindlig: Was ist wichtiger für eine gute Komposition: Handwerk oder Inspiration, Technik oder Genie? Arash Safaian sagt über seine Ausbildung als Komponist: „Ich habe ja vorher eigentlich Malerei gemacht und Musik hatte ich eher, was Klavierunterricht angeht; ich war Jungstudent für Klavier am Meistersinger- Konservatorium. Aber das hat dann für mich nicht gereicht, ich wollte kompositorisch bessere Fähigkeiten erlangen. Dann bin ich zu einem Komponisten in Nürnberg gegangen, der mir im Grunde den Josquin-Desprez-Satz beigebracht hat, also wirklich den ganz ganz alten Kontrapunktstil noch vor Bach.“ Henry: „Der Kontrapunkt, für die Komponisten 500 Jahre lang so wichtig wie für einen Schriftsteller das Alphabet. Was ist der Kontrapunkt? Vielleicht so: Wenn sich – in mancher Hinsicht – selbstständige Melodie-Stimmen ergänzen. Dazu gibt es Regeln, die galten als unveränderlich zu ihrer Zeit und haben sich immer wieder verändert, einer ihrer Meister war um 1500 Josquin Desprez.“ „Also man hat mir gesagt, das Allerbeste, um Komposition zu lernen, ist, den ganz alten Kontrapunkt draufzubekommen. Das habe ich dann ein Jahr lang gemacht. Das hat mir meiner Meinung nach auch sehr viel gebracht für mein Studium und mein weiteres Arbeiten. Diese Arbeit mit dem Kontrapunkt erleichtert es immens, wenn man auf einer harmonisch – auch freieren – Ebene arbeitet, weil das einfach die Gesetzmäßigkeiten der Musik sind, die grundsätzlichen Gesetzmäßigkeiten. Selbst wenn man einen guten Popsong schreiben will: Es klingt halt gut, wenn man weiß, wo die Dissonanz hingehört, und selbst, wenn man sie an diese Stelle nicht hinsetzen will, ist es gut, dass man sich bewusst ist, dass man es an dieser Stelle nicht tut und an dieser Stelle tut, von daher kann ich jedem nur raten, sich damit auseinanderzusetzen, weil man das ganze Material dann unter Kontrolle hat. Und ab da ... alles, was komplex wird oder weniger komplex ist, geht zurück auf diese Wurzel. Das erlaubt mir eine große Freiheit, dass ich diesen Ur-Satz gelernt habe.“ Erweiterte Shownotes: http://bit.ly/2agQ5zU
